«Видение Александра Родченко»: экскурсия по выставке фотографий в Челябинске

В рамках общероссийского проекта «Искусство сохранять», приуроченного к 175-летию Сбербанка, жители Челябинска могут познакомиться с легендарными работами одного из величайших творцов актуального искусства прошлого столетия, пионера советской фотографии, уже при жизни ставшего её классиком.

Мультимедиа Арт Музей, Москва и Музей «Московский Дом фотографии» при поддержке Сбербанка представляют в Челябинске выставку фотографий Александра Родченко.

Впервые на Южном Урале демонстрируются работы этого выдающегося советского художника, одного из основоположников дизайна и рекламы в СССР..

А. Лаврентьев:

    В 1932 году издательство «Изогиз», выпускавшее иллюстрированные фотоальбомы и знаменитый журнал «СССР на стройке» (читайте публикации бк о журнале «СССР на стройке»), заказало художнику, дизайнеру и фотографу Александру Родченко съемку Москвы.

Он снимал город и раньше. Первые ракурсные снимки сделаны камерой «West Pocket Kodak» в 1925 году во дворе, с балкона и крыши своего дома на Мясницкой. Во время работы художником-постановщиком фильма «Москва в Октябре» в 1927 году он тщательно подбирал выразительные уголки города для натурных съемок. Как фоторепортер журналов «Даешь!», «Смена», газеты «Вечерняя Москва» снимал фотоочерки о новостройках…

[ Все фотографии, представленные на выставке «Москва в фотографиях Александра Родченко» состоят в коллекциях Мультимедиа Арт Музей, Москва и Музея «Московский Дом фотографии». Ниже представлены фотокопии работ. ]

▲ Московский фотограф и искусствовед Михаил Сидлин – преподаватель курса «История фотографии» в Школе имени Родченко, куратор выставок современного искусства – провел для челябинцев экскурсию по выставке…

Хотя Александр Родченко родился в Санкт-Петербурге, а учился в Казани – большую часть своей жизни он провел в Москве. Именно в Москве он начал фотографировать… И абсолютное большинство работ Родченко были сделаны в Москве, несмотря на то, что он как фотограф путешествовал, у него были большие фотографические проекты в течение жизни. Например, целых два года он провел, фотографируя Беломорканал. Тем не менее Москва была центральной точкой его съемки – тем местом, которому он посвятил свою жизнь.
 

▲ Шуховская башня, 1929

Выставка начинается с фотографий Шуховской башни – радиобашни, которая была построена как пример образцовой инженерной мысли, передовой для своей эпохи. Не раз Родченко фотографировал Шуховскую башню: снимки использовались на обложках разных журналов. В частности, Александр был одним из художников, оформлявших журнал «ЛЕФ» и «Новый ЛЕФ». Также с радио была связана существенная часть его жизни. Вообще радио было революционной технологией в 1920-х годах – она стала доступной для многих людей…
 

▲ Фабрика-кухня, 1932

▲ Обед. Фабрика-кухня, 1932

Фабрика-кухня МОСПО №1 находилась в Москве на Ленинградском шоссе. Такая революционная концепция эпохи – Фабрики-кухни должны была прийти на смену старым ресторанчикам и кабачкам. Это были такие большие столовые, в которых рабочий класс мог обедать. Например, эта Фабрика-кухня №1 была способна принимать одновременно 1200 человек. Там было несколько отдельных залов, однообразное меню… Такой вот проводился прогрессивный социальный эксперимент в Москве… Этой Фабрике-кухне Родченко посвятил фото-очерк, который был опубликован в одном из журналов 1920-х годов…
 

▲ Колонна спортивного общества «Динамо», 1935

Мы видим массовую сцену: фотографию спортсменов общества «Динамо» в 1935 году. Это тоже одна из примет эпохи – массовые сцены. Люди испытывали энтузиазм по поводу массовых собраний и демонстраций – и Родченко изобрел особенный фотографический стиль: к примеру, когда многотысячная масса была представлена в виде отдельных людей, которые образовывали собой скопления…

▲ Схема метро. Иллюминация, 1932

▲ Иллюминация, 1932

Фотографии московской иллюминации и праздничного освещения – еще одна важная и яркая черта новой городской жизни: Москва старалась не отставать от ведущих мировых столиц, прежде всего Парижа, где появилось яркое уличное освещение. К праздникам власти освещали все центральные площади российской столицы. Родченко был увлечен этими эпизодами городской жизни…

Надо отметить, что Родченко редко снимал для себя: он был вполне востребованным фотографом-очеркистом, снимал серии фотографий по заказам – и печатался в более чем тридцати изданиях. И это не считая тех изданий, в которых он состоял как дизайнер…
 

▲ «Пожарная лестница (с человеком)»
из серии «Дом на Мясницкой», 1925

Перед нами «Пожарная лестница (с человеком)» – пример фотографий, которые Родченко снимал «для себя». Живя в доме на Мясницкой улице, Александр все время снимал из своего окна, из чужих окон, снимал виды сверху вниз, в разную пору… Будучи человеком очень занятым – фоторепортер, дизайнер, художник прежде всего – он находил время для запечатления того, что его окружало. Для него это было очень важно: мастер таким образом отрабатывал какие-то приемы, создавал свое экспериментальное видение, пользуясь теми возможностями, которые предоставляет город. А эти уникальные виды «сверху вниз» и «снизу вверх», которыми Родченко прославился – это и есть преимущество современного города с его многоэтажным пространством. И Родченко стал «певцом» многоэтажного городского пространства…

▲ МоГЭС, 1929

Фотография Московской гидроэлектростанции – тоже одна из важных тем в творчестве Родченко. Электричество, электрификация – Александр посвятил время для запечатления этой сферы городской жизни. А тем временем здание МоГЭС в 2018 году станет музеем современного искусства…

Подписывайтесь на обновления сайта «Бизнес и культура» в соцсетях!

▲ Памятник А.С. Пушкину, 1934

Площадь с памятником А.С. Пушкину… Александр много раз фотографировал городские виды, московские площади – и, как правило, эти фото были сделаны для какой-то конкретной цели, какой-то конкретной публикации…

Вот «Зимний дворик» – это дворик его собственного дома на Мясницкой улице. Есть целая серия «двориков»: «зимний», «летний», «с тенями», «без теней»…

▲ Кропоткинская набережная, 1926

Кропоткинская набережная и вид на храм Христа Спасителя. На момент съемки в 1926 году храм еще не был снесен. А сейчас же он вновь восстановлен. Этот вид любопытен как раз тем, что, с одной стороны, он существовал в свое время, потом перестал существовать – а сейчас он есть снова…

▲ Большой театр, 1928

▲ Москва. Театральная площадь, 1932

▲ Сквер у Большого театра, 1928

Многочисленные фотографии московских площадей и фото Большого театра… У Родченко много фотографий центральных площадей, сделанных с верхних точек. Можно видеть фото из-за квадриги Большого театра, есть и снимок с противоположной стороны… Тут продолжается тема его видения современного города как многомерного пространства. Если раньше фотографии рассказывали о «горизонтальном» городском пространстве – то фотограф Родченко представил вид «трехмерного» города. Несмотря на то, что Москва во времена Родченко была еще «малоэтажным» городом с застройкой почти деревенского типа – на снимках мы этого практически не видим. Он искал в городе все новое, искал «зерна будущего» – даже те здания, которые находились в районах старой застройки выглядели почти как чикагские небоскребы…

Брянский вокзал… Фотографии вокзалов, жд-транспорта и коммуникаций – важная тема эпохи. Вдобавок эта прекрасная конструкция тоже создана Владимиром Шуховым, создателем одноименной башни. Инженерные конструкции – одна из важных для Родченко тем. Он рассматривал художника как инженера – и смотрел на свою деятельность практически: художник не тот, кто эстетизирует действительность, а тот, кто создает полезные вещи. В частности, фотография была одним из способов создания «полезных вещей».

Варвара Степанова на балконе… Это тот же самый дом на Мясницкой. Это вид на тот же самый дворик, только на этот раз из-за спины Варвары Степановой, подруги жизни Александра Родченко. Они стали жить вместе еще во время его учебы в Казани, и прожили совместно всю жизнь… Много вместе работали – прежде всего над полиграфическим дизайном, над многочисленными книгами и журналами. Варвара Степанова в 1942 стала его женой – а также была его коллегой-художником, вместе с ним создавала многие из родченковских полиграфических работ.
 

▲ Реклама кино на Страстном бульваре, 1932

Кинореклама на Страстном бульваре… Кино – одна из областей, в которой работал Родченко. С одной стороны, он и сам работал художником в кино над несколькими фильмами. А некоторые кинокартины сейчас известны только потому, что Родченко создавал для них какие-то конструкции и также фотографировал некоторые сцены из этих фильмов. Он еще занимался кинорекламой, делал киноплакаты для самых знаменитых фильмов 1920-х годов, в том числе «Броненосца Потемкина». К сожалению, ни одна из его режиссерских работ не была доведена до финала…

▲ Диспетчерская станция скорой помощи, 1929

▲ Карета скорой помощи, 1929

▲ Доставка пострадавшего, 1929

Скорая помощь… Это довольно объемный фото-очерк Родченко, состоящий из нескольких десятков фотографий, часть из которых была опубликована в специальном выпуске журнала, посвященного деятельности скорой помощи в Москве. Тоже такая черта нового времени: до революции никакой скорой помощи не было.. Родченко снимал весь путь, который проходит пострадавший в ДТП: вот человек лежит на земле, к нему подбегает доктор, раненого кладут на носилки, переносят в карету – происходит еще один вызов на телефонную станцию скорой помощи…

▲ Перед открытием ПКиО, 1929

▲ Парк культуры и отдыха, 1930

Парк культуры и отдыха… Любопытная новая концепция эпохи: идея насчет того, что должны быть специальные места для массового отдыха. Далее такие места создавались по образцу Москвы и в особенности Парка им. Горького в других населенных пунктах СССР. Родченко начал снимать Парк культуры и отдыха еще до его официального открытия…
 

▲ Девушка в общежитии, 1932

Девушка в общежитии… Эта фотография сделана для журнала «Красное студенчество». Студенчество было очень важной темой 1920-30 годов. Эта фотография была сделана в Лефортово, где там располагался огромный студенческий городок с современным общежитием, спортивным комплексом… Это одна из немногих фото мастера, сделанная им внутри самого общежития.

▲ Уличная торговля в Охотном ряду, Москва, 1928

Уличная торговля на Охотном ряду… Довольно не характерная для Родченко съемка. Скорее всего эти фото появились в результате теста новой камеры. У Александра была небольшая кинокамера, которой мастер пользовался в качестве фотоаппарата, чтобы снимать сцены обычной жизни на улице. Такая вот Москва «нэповская» с частной торговлей. И, с какой-то стороны, он запечатлевал то «старое», уходящее – с чем в общем-то не ассоциировал себя…
 

▲ Газетный киоск, 1929

Газетный киоск… Родченко сам разрабатывал дизайны газетных стендов – а это пример стенда без дизайна, просто материал, на который прикреплены разные печатные издания… Так или иначе, вся Москва в то время была залеплена рекламой, эскизы для которой готовил Александр Родченко.

▲ Дом Моссельпрома, 1925

Мастер был также главным дизайнером рекламы для Моссельпрома – первого универсального магазина нового типа в Москве. Он работал вместе с Владимиром Маяковским, они подписывали свои работы «Реклам-Конструктор: Маяковский – Родченко». Тогда Маяковский придумывал слоганы и давал Родченко эскизы, а тот в свою очередь занимался дизайном. Так был разработан логотип Моссельпрома, графический шрифт, целый ряд дизайнерских применений для бренда и плакаты, которые, наверное, наиболее известны благодаря лозунгу «Нигде кроме как в Моссельпроме!»

▲ Девушки с платками, 1935

▲ Мать и дитя. Москва, Красная площадь, 1936

Опять мы возвращаемся к массовым сценам… Он любил снимать демонстрации сверху, а также ему нравилось фотографировать парады и шествия снизу, буквально подходя к участникам этих массовых действий…

В основном фотографическая карьера Родченко вписывается в период с 1924 по 1940 год. Последний период своей жизни мастер снимал очень мало, и те фотографии довольно редко экспонируются…

Эти и многие другие фотографии с выставки «Москва в фотографиях Александра Родченко» вы можете посмотреть в Государственном историческом музее Южного Урала с 9 декабря 2016 года по 29 января 2017 года.

С 9 по 23 декабря челябинцы и гости города могут побывать на экспозиции абсолютно бесплатно.

Ежедневно в 17:00, кроме понедельника, на выставке будут проводиться экскурсии.

Текст, фото, фотокопии: Михаил Шевелев.
Все фотографии, представленные на выставке «Москва в фотографиях Александра Родченко» состоят в коллекциях Мультимедиа Арт Музей, Москва и Музея «Московский Дом фотографии»

Родченко – в каждый дом – КАК ПОТРАТИТЬ

Учредитель фонда Still Art Елена Карисалова запускает региональный просветительский проект фонда: выставки Грановского, Родченко, Лагранжа отправятся по городам России вкупе с образовательными программами.

«Коллекционирование – это наша своеобразная семейная традиция, – рассказывает Елена Карисалова. – В России фотография как самостоятельный вид искусства появилась только к концу 90-х годов. Изучая ее, я постепенно находила своих авторов, любимые жанры и направления».

Still Art

Елена Карисалова, учредитель фонда Still Art

Коллекция Елены Карисаловой началась в 2004 году с фотографий советского классика Владимира Лагранжа. «Тогда мы с мужем Михаилом Карисаловым только переехали из Санкт-Петербурга в Москву и активно ходили по выставкам. Так я познакомилась на выставке в ЦДХ с галереей Люмьер и ее основателем Натальей Григорьевой-Литвинской. Через много лет я не только приобретала работы в галерее, но и открыла несколько выставок в Центре фотографии, – говорит Карисалова. – Мой муж уже 20 лет показывает предметы из семейного собрания в музеях Санкт-Петербурга, а также разыскивает и выкупает предметы, когда-то входившие в музейные собрания, возвращает их в государственные музеи. Мы передали весной 2019 года около 100 предметов античной коллекции в дар Пушкинскому музею».

Для Елены Карисаловой коллекционирование фотографии и популяризация фотоискусства – это не романтическое увлечение, а важная миссия: «Понимание того, что работа с коллекцией – это не только приобретение произведений искусства, но и деятельность в области просвещения, помогла мне принять решение о создании своего фонда».

Still Art

Александр Родченко. Лиля Брик. 1924

Фонд Still Art специализируется на советском и западном фотографическом искусстве, собирает авторские отпечатки, отражающие развитие жанра, эволюцию фотографического искусства за последние 100 лет. Основная часть коллекции – это фэшн-фотография, в том числе обложки журнала Vogue XX века. «Мы собрали авторские отпечатки и винтажные работы таких фотографов, как Хельмут Ньютон, Ирвин Пенн, Ричард Аведон, Патрик Демаршелье, Энни Лейбовиц, Херб Ритц», – говорит Елена Карисалова. Сейчас в коллекции насчитывается более 130 произведений сорока авторов, которые сформировали жанр модной фотографии.

За время работы фонд Still Art создал несколько успешных музейных проектов: презентация коллекции «Fashion-фотография XX–XXI веков» в ГМИИ им. Пушкина (2018), выставки «Коллекция Still Art. Избранное» в Мультимедиа Арт Музее (2018), «Данил Головкин. Faces» (2019), «Александр Родченко. Из коллекции Still Art Foundation» (2020) и «Наум Грановский. Москва 1920–1980» (2020) в Центре фотографии имени братьев Люмьер.

Still Art

Владимир Лагранж. Вратарь. 1961

После нескольких успешных выставочных проектов в Москве фонд решил предложить свой продукт для более широкого знакомства и намерен представить классиков советской фотографии в российских регионах. «Вместе с нашим партнером, основателем галереи братьев Люмьер Натальей Григорьевой-Литвинской, мы хотим решить несколько важных задач. В первую очередь – популяризация фотографического искусства, и в частности творчества трех китов советско-российской фотографической школы – Родченко, Грановского, Лагранжа», – поясняет Карисалова. Кажется, уже каждый знает советских авангардистов: в региональных музеях по всей стране встречаются работы Малевича, Кандинского, Михаила Ларионова. Но если советский авангард уже детально изучен, то в фотографическом наследии того времени еще очень много пробелов, отмечает Елена.

Фонд начал активную работу над материалами советского периода в 2019 году. «В сотрудничестве с Натальей Григорьевой-Литвинской и семьей Александра Родченко мы создали проект, состоящий из фотографий двух его портфолио из нашей семейной коллекции, дополненный образовательными лекциями и экскурсиями по выставке, – рассказывает Карисалова. – Интерес зрителя к нему превзошел все мои ожидания. Я поняла, что мне необходимо продолжать проект, поддержать его путешествие по стране, дать возможность другим музеям и их посетителям прикоснуться к основам нашей фотографической школы».

Все авторы и проекты очень разные: Родченко  – пионер авангарда,  Владимир Лагранж – классик советской оттепели, Наум Грановский – главный архитектурный фотограф Москвы. ..

Елена Карисалова

учредитель фонда Still Art

Все три выставки – Александра Родченко, Владимира Лагранжа, Наума Грановского – фонд ранее представлял в Центре фотографии имени братьев Люмьер. «Мы увидели, что эти выставки пользовались большим успехом, огромное количество людей приходило и на экскурсии, и на лекции. Все авторы и проекты очень разные: Родченко из нашей семейной коллекции – пионер авангарда, на выставке собраны все его хрестоматийные работы; Владимир Лагранж – классик советской оттепели, очень душевно близкий мне фотограф, его работы стали признанной классикой советского искусства, они отражают расцвет гуманистического направления; Наум Грановский – главный архитектурный фотограф Москвы, по работам которого можно изучать советскую архитектуру разных эпох. Выставка Грановского проходит в Центре Люмьер прямо сейчас, мы открыли ее в начале сентября», – рассказывает Елена Карисалова.

Все проекты созданы для самой широкой аудитории, не только специалистов в фотографии, поэтому экспозиции сопровождают образовательные программы с научно-популярными лекциями. Выставка Родченко расскажет об авангарде и экспериментах в фотографии начала прошлого века, Лагранж покажет эпоху оттепели, а Грановский – экскурс в историю советской архитектуры. Работы для экспонирования будут предоставляться бесплатно, все выставки – с готовым оформлением, дизайном, аудиогидами, озвученными известными актерами и ведущими.

Still Art

Наум Грановский. Голуби на Красной площади. К Ленину. 1950-е

Также можно будет познакомиться с каталогами работ: монография Наума Грановского совсем недавно вышла из печати и была показана на открытии выставки в Центре фотографии. Сейчас верстаются каталоги Родченко и Владимира Лагранжа, пожалуй, они станут настоящими учебниками по истории фотографии. «Я сделаю все возможное, чтобы это издание не только появилось на столах коллекционеров, но также стало доступно библиотекам, университетам и школам по всей стране, – отмечает Елена Карисалова. – Творчество Грановского всегда представляло особый интерес для всех, кто изучает фотографию XX века. Книга показывает, как менялась Москва на протяжении шестидесяти лет, поможет вспомнить о забытых страницах истории города».

Образовательную программу к выставке Александра Родченко курирует правнучка Родченко, искусствовед и преподаватель Строгановки Екатерина Лаврентьева. В рамках программы собраны лекции от ведущих специалистов – Андрея Сарабьянова, Константина Еременко и Ильи Старкова. В лекциях к выставке Владимира Лагранжа разговор пойдет об эпохе «оттепели» и развитии гуманистического направления в фотографии 1960-х годов. Кстати, аудиогид к выставке Лагранжа озвучил музыкант Андрей Макаревич. Потрясающие экскурсии по выставке Наума Грановского проводит директор Музея архитектуры им. Щусева Елизавета Лихачева, они погружают зрителя в историю Москвы и советской архитектуры.

Still Art

Выставка Наума Грановского

В планах фонда показать выставки в Томске, Екатеринбурге, Владикавказе, Санкт-Петербурге и других городах. Выставочный график сейчас рассчитывается уже и на 2021 год, но как пандемия повлияет на эти планы, будет ясно позже. «Я очень надеюсь, что проект фонда будет способствовать тому, чтобы люди, живущие вдали от больших музеев, вдали от столицы, имели возможность в своих городах видеть и узнавать новое. Фактически мы хотим, чтобы каждый, находясь у себя дома, побывал в центре национального и, возможно, мирового искусствоведческого и культурного пространства», – говорит Елена Карисалова.

фотоэксперимент Александр Родченко – Москва 24, 26.09.2016

Александр Родченко и Варвара Степанова в мастерской. Фото: Михаил Кауфман

По понедельникам большинство московских музеев не работают, но это не значит, что у публики нет возможности приобщиться к прекрасному. Специально для первого дня недели редакция сетевого издания m24.ru запустила новую рубрику «10 неизвестных», в которой мы знакомим вас с десятью произведениями мирового искусства, объединенными одной тематикой. Распечатывайте наш гид и смело отправляйтесь с ним в музей, начиная со вторника.

24 сентября в Мультимедиа Арт Музее открылась выставка «Александр Родченко. Опыты для будущего», приуроченная к 125-летию со дня рождения важнейшего фотографа русского авангарда.

Фотогалерея

1 из 10

Александр Родченко «Варвара Степанова – комсомолка с книгами. Снимок для плаката Госиздата», 1924

Александр Родченко «Варвара Степанова – комсомолка с книгами. Снимок для плаката Госиздата», 1924

Выставка «Александр Родченко. Опыты для будущего» открылась в минувший уикенд в Мультимедиа Арт Музее. Кураторам удалось собрать на трех этажах все формы искусства, с которыми работал мастер: здесь представлено более сотни фотографий, картин, графических работ и трехмерных объектов. На фотографиях – главные герои и события авангарда: супруга Родченко Варвара Степанова, поэт Владимир Маяковский, Лиля Брик, а также демонстрации, парады, премьеры, стройки. То есть все, чем запомнились воодушевленно смотрящие в будущее 1920-е годы.

Александр Родченко «Владимир Маяковский со Скотиком», 1926

Александр Родченко «Владимир Маяковский со Скотиком», 1926

Надо сказать, что главное, чего удалось достичь кураторам, – уйти от однобокого и поэтому обманчивого представления о Родченко, как о фотографе, снимавшем только авангардные композиции в динамичных перспективах. На выставке представлены репортажные и жанровые снимки, непостановочные фотографии семьи и друзей и прекрасные живописные опыты в духе Малевича.

Владимира Маяковского Родченко снимал особенно много. Они не только работали вместе над агитплакатами и рекламой, но были близкими друзьями.

Александр Родченко «Лиля Брик», 1924

Александр Родченко «Лиля Брик», 1924

Лилю Брик называли «музой русского авангарда». В бурях общественно-политических событий XX века Брик смогла сохранить буржуазную традицию литературно-художественных салонов, где собиралась вся художественная интеллигенция. Она была возлюбленной Владимира Маяковского, несмотря на то, что состояла в браке с литературным критиком Осипом Бриком. Она же стала инициатором создания первого мемориального музея поэта.

Александр Родченко часто снимал Лилю Брик. Она стала моделью на одном из его самых известных плакатов «Покупайте книги Ленгиза». А познакомил их, конечно, Владимир Маяковский. Черно-белые снимки многое скрывают от современного зрителя – поэта и фотографа, как и многих современников, восхищали ее глаза, о которых Маяковский писал: «круглые да карие, горячие до гари», огненно-рыжие волосы, «чувственный оскал» и подвижная мимика.

Александр Родченко «Утро в квартире Владимира Маяковского и Бриков в Гендриковом переулке», 1926

Александр Родченко «Утро в квартире Владимира Маяковского и Бриков в Гендриковом переулке», 1926

Маяковский даже жил у Бриков и никому этот тройной творческий союз не казался странным. Родченко и Варвара Степанова занимали положение неформальных членов семьи. Они вели по-настоящему богемную жизнь, что, конечно, в реалиях авангарда и советской жизни было достаточно смело.

Александр Родченко «Пожарная лестница», 1925

Александр Родченко «Пожарная лестница», 1925

Родченко известен в большей степени, конечно, как фотограф-конструктивист. Его предметные фотографии отличают динамика, сложные ракурсы, резкие перспективы, ритмический рисунок форм, игра света и тени. Поэтому Родченко создал целые серии снимков с лестницами, пешеходами и заводскими конвейерами: он избирал такие сюжеты, где один и тот же рисунок многократно повторяется, задавая определенный ритм черным и белым силуэтам.

Александр Родченко «Кувшин», 1928

Александр Родченко «Кувшин», 1928

Натюрморт в фотографии для Родченко стал еще одним полем исследования свето-теневой игры на поверхности. Фотографу было важно не передать суть и назначение того или иного предмета, а превратить ее в ритмический мотив форм.

Александр Родченко «Туалет», 1929

Александр Родченко «Туалет», 1929

Еще один замечательный пример того, как фотограф работал с жанровыми мотивами. Даже такой наивный и трогательный мотив, как на этом снимке, он сумел превратить в авангардный опыт, подойдя вплотную к предмету съемки и сфотографировав его в резком ракурсе сверху.

Александр Родченко «Девушка с «Лейкой», 1934

Александр Родченко «Девушка с «Лейкой», 1934

В начале 30-х годов Родченко создает фотогруппу в легендарном творческом объединении «Октябрь» и Евгения Лемберг стала его ученицей и возлюбленной. Их роман быстро закончился, но оставил глубокий эмоциональный след в жизни фотографа. Через несколько лет Родченко писал: «Любовь Варвары ко мне необычайно глубока… А к Варваре как к женщине после Жени, все же, чувства не приходят обратно…»

Александр Родченко «Лиля Брик с зеркалом», 1929

Александр Родченко «Лиля Брик с зеркалом», 1929

Лиля Брик воплотила в себе весь русский авангард. Помимо литературного салона и романа с Маяковским, она водила машину и участвовала в автопробегах, что для женщины было радикальным шагом. Когда-то, в 2001 году, в ГМИИ имени Пушкина проходила легендарная выставка «Амазонки русского авангарда», где Брик был посвящен отдельный раздел.

Андрей Вознесенский писал: «У нее был уникальный талант вкуса, она была камертоном нескольких поколений поэтов. Ты шел в ее салон не галстук показать, а читать свое новое, волнуясь – примет или не примет?»

Александр Родченко «Радиослушатель», 1929

Александр Родченко «Радиослушатель», 1929

На снимке запечатлена дочь Родченко и Степановой Варвара Родченко. На протяжении многих лет она была главным хранителем коллекции пленок, отпечатков, графики, а также писем и дневников родителей, которые не были уничтожены или вывезены за границу только благодаря ей. В начале 2000-х она передала ее в собрание Пушкинского музея.

Александр Родченко. Старья не держим | Публикации

«Перед нами вставали видения нового мира, промышленности, техники и науки. Мы изобретали и изменяли мир. Мы создали новые представления о красоте и изменили само понятие искусства». Александр Родченко

Вот.

Совершенно неизвестные люди. Семейная фотография

Это замечательное семейное фото я сюда засунул только для
того, чтобы сказать: «Никогда Александр Родченко (1891-1956) такого
консерватизма бы не сделал!» Фото из семейного альбома в его исполнении
выглядит так:

Лиля и Осип Брики

Потому что Родченко был новатор. А в этой фотке

Совершенно неизвестные люди. Семейная фотография

никакого новаторства нет. Хотя фотография, конечно,
красивая. И люди хорошие.

Родченко, вообще, новаторство сделал главным содержанием
искусства. В этом он тоже был новатором. Но начиналось у него все вполне
традиционно – он родился от отца с матерью. Мама у него была питерской прачкой,
папа – театральным бутафором. Маленький родченко постоянно торчал за кулисами и
набирался там полезных впечатлений. Вскоре, в 1902 году, Родченки собрали вещи
и переехали в Казань. Там было решено дать сыну твердую опору в жизни и
приобщить его к зубоврачебному делу. Родченко пару лет проработал в технической
протезной лаборатории казанской зубоврачебной школы, где его учили рвать
тогдашним россиянам зубы и ставить на их место искусственную челюсть, на
ночь бережно опускаемую в стакан с водой. На дальнейшую судьбу Родченко эта
бесчеловечная практика никакого влияния не оказала.

Он-то очень хотел быть художником. И в 1911 году поступил в
местную художественную школу вольнослушателем. Там он познакомился с Варварой
Степановой, в будущем одной из важных теток
русского
авангарда, на которой, как честный человек, со временем женился. В 1914
году они уехали в Москву, там Родченко пытался поступить в Строганы, но его не
взяли. Тогда он стал учиться сам*.

Благодаря детским театрально-бутафорским впечатлениям за
кулисами у папы Родченко, как он вспоминал потом, легко прошел мимо природы.
Его недолгий ученический период протекал сначала в форме символизма, потом –
кубизма.
Родченко очень скоро оказался в самом пекле русского авангарда, где примкнул к
Татлину
и быстро перешел к самым радикальным формам самовыражения. Вот ранняя
родченковская посткубистическая абстракция:

Танец. Беспредметная композиция

Самым же продвинутым, наверное, трендом в русском авангарде
тогда был
абстракционизм
в форме супрематизма. И Родченко занимается супрематизмом.

Беспредметная конструкция с живописными проекциями
поверхностей сложной цветовой композиции

При этом его не особо парит все то утопическое
социально-философское гонево, которое накрутил в супрематизме Малевич. Его
волнуют вполне прикладные вещи – взаимодействие цветов друг с другом,
сосуществование различных элементов в пространстве картины. Даже не в
пространстве, а на плоскости. Родченко выдает работы целыми сериями, решающими
одну конкретную задачу, обозначенную в названии.

Серия «Движение проектированных и окрашенных плоскостей».
Композиция № 50

Серия «Концентрация цвета и форм». Композиция
№65

Даже внутри не им придуманного направления Родченко
становится локальным новатором. Например, цветом русский авангард – да и
русское искусство в целом – интересовался не особо. Родченко – интересовался.
Еще он смело добавил к традиционным орудиям живописного труда – кисти,
мастихину, углю и пальцу – линейку и циркуль.

Беспредметная композиция N68

Серия «Плотность и вес». Беспредметная композиция №88
(66)

Ввел в качестве самостоятельных супрематических элементов
точки и линии.

Композиция №17 (логотип в центре композиции №17 никакого
отношения к композиции №17 не имеет)

Линии на зеленом

Самым же главным новаторством Родченко была концепция
творчества как систематического новаторства, постоянного производства нового.
Можно сказать, Родченко был прямо-таки олицетворением одного из главных
смыслобразующих принципов
авангардизма
– если никто этого не делал, я должен это сделать. Чем-то это напоминает
бесконечный протеизм
Пикассо,
только у того он исходил из стремления долбить реальность с разных сторон и
испытывать ее устойчивость всякими новыми сильными средствами, а у Родченко
изменчивость была следствием неистребимого желания использовать все
потенциальные возможности. По этой же причине свое новаторство он производил в
диких количествах**.

Еще одним следствием новаторского зуда было то, что Родченко
постоянно мерился с главными авангардистами типа того же Малевича. Делает
Малевич радикальную работу:

К. Малевич. Белое на белом

Родченко на нее отвечает:

Черное на черном

Только если Малевич репрезентирует еще один вариант полного
конца в виде полной бесконечности, то Родченко волнует всего лишь проблема
соотношения разных фактур одного цвета.

Не мог, конечно, Родченко пройти просто так и мимо главной
работы того времени —
«Черного
квадрата». В 1921 году он достойно ответил на него целым триптихом.

Три цвета. Желтый. Красный. Синий

Если за «Черным квадратом» лежит достаточно весомая
куча ассоциаций, смыслов и интерпретаций, и все это сильно духовное и
символическое, и факт смерти искусства там трактуется как некий переход в
иное существование, т.е. речь идет о событии религиозно-апокалиптического
масштаба, то за «Тремя цветами» ничего этого не лежит и даже не стоит. Здесь
все просто – помер, и все. Никаких символических и духовных интерпретаций эти
три холста, закрашенные в основные цвета, не предполагают. Предельно плоские,
совершенно атеистические и даже где-то по-хорошему грубые позитивистские
работы. Хотя поговорить о них можно, и очень долго. Например, искусство ли это,
и почему***.

Так что не надо думать, что Родченко был таким же плоским,
приземленным и бескрылым матросом. Не надо. Были и у него крылья, летал и он,
просто в других пространствах. Он ведь, Родченко, продолжал ту же
авангардистскую логику редукционизма, в котором сильнейшим образом поучаствовал
до этого сам Малевич. Т.е. логику поэтапного отъема от произведения искусства
его неотъемлемых частей и характеристик. Малевич отъял у живописи живопись, но
оставил литературу – интерпретации и смыслы. Родченко отобрал и это. Каждый раз
казалось, что теперь-то уж искусство точно добито насмерть и сведено к нулю, но
все время оказывалось, что там еще много чего осталось для последующих опытов
радикалов-вивисекторов****. А «Три цвета» цвета сильно повлияли на раздумья
ребят-минималистов в 50-60-е гг.

Собственно, был у Родченко в запасе еще один вариант
очередного убийства живописи – щедрый он был человек. Где-то за год до
репрезентации своего триптиха он сказал, что когда-нибудь будет просто сидеть,
смотреть на загрунтованный холст и думать. Это уже что-то из области
концептуализма.
А вы – неумный. Видите, какие вещи придумывал.

В общем, понятно, что если человек изыскивает разные способы
что-то угробить, то это значит, что оно ему сильно надоело. И хочется чего-то
другого. Это другое было таким:

Овальная подвесная конструкция №1

Называлось оно – конструктивизм. В создании его Родченко
поучаствовал активнейшим образом. Вот конструктивизм-то и добил традиционное
искусство окончательно. Ну, так тогда казалось.

Основной удар был нанесен по главному носителю традиции – по
станковой картине. Все эти холст, масло, рама были объявлены буржуазными. Как и
интимно-индивидуальный способ потребления картины. Сам Родченко полностью
запретил себе делать живопись в 1921 году и следовал этому запрету больше
десяти лет. Отныне художник должен был делать полезные для людей вещи – это был
постулат наиболее радикальных конструктивистов, называвших себя
производственниками.

Конечно, такие вот висячие конструкции – постамент
отсутствует как признак буржуазного станкового искусства – для пролетариата не
очень полезны. Применить их в быту и на производстве он не сможет. Но они
содержат в себе главные принципы, по которым будут созданы такие полезные вещи
– рациональность, отсутствие декора, обнажение конструкции, лаконизм и простота
форм, их взаимозаменяемость и унификация, эстетическая новизна, общий
прогрессистский пафос. Такое наглядное концентрированное выражение идей
конструктивизма.

Были и проекты реальных объектов-трансформеров. Они было
предельно рациональны, но очень неудобны. Все эти штуки надо было в процессе
юзания складывать-раскладывать, что, конечно, решало уже другую, но более
важную задачу – воспитание такого бойкого, постоянно готового к мобилизации
рационально направленных усилий населения.

Проект киоска

Интерьер рабочего клуба*****

Шахматный столик. Реконструкция

Правда, когда смотришь на служебно-вспомогательную
изопродукцию, сопровождающую эти работы, возникает впечатление, что тоска
по простому буржуазному станковому искусству у Родченко все-таки была – уж
больно с любовью сделано.

Проект шахматного столика

До железа ничего разработанного Родченко, по-моему, не
дошло. Да и не ставил он перед собой такой задачи – говорю же, идеи человек
разрабатывал.

Между тем в начале 20-х гг. в среде радикалов было решено,
что самым передовым искусством теперь является фотография. Она в этом смысле
чем хороша? Она тиражна, т.е. это массовое, доступное для людей искусство. Она
опирается на современные технологии, т.е. она прогрессивна. В ней отсутствует
уникальность и рукотворность – характеристики все того же мерзейшего старинного
искусства – т.е. она антибуржуазна. Кроме того, она недорога и быстра в
производстве. И обладает мощным агитационно-мобилизующим эффектом. И вот эта
сторона деятельности Родченко известна больше всего – снимал он много и, как
всегда, был тут новатором.

Лестница

Прыжок с шестом

Самое главное, что он придумал – это крупный план, ракурс и
монтаж. Ну, может, придумал не все он, но применил максимально эффектно и
радикально.

Пионер-трубач

Лиля Брик. Снимок для рекламного плаката

Кино-глаз

На этом поприще Родченко превратился в певца режима. В
такого Лени Рифеншталь.

Спортсмены на Красной площади

Живая эмблема ГТО

Но, в отличие от нее, ему пришлось снимать не только
аполлоническую сторону режима. Родченко же участвовал в той знаменитой поездке
писателей по Беломорканалу. Хотя, черт его знает – для режима-то и эта сторона
светлой была. Людей же исправляли.

Настилают полы в шлюзе

Работа под оркестр

Канал открыт

Тем временем за окном настал
соцреализм.
Родченко, до этого активно функционирующего артфункционера с должностями и
постами, преподавателя, руководителя и т.д., практически отовсюду повыгоняли.
Он потихоньку возвращается к живописи, но в выставках не участвует. Работает в
стол.

Цирк

Наездница

Живопись эта, конечно, странная. Например, она –
фигуративная. Прежнего Родченко напоминает только цветом. Но бог бы с ней, с
фигуративностью. В конце концов, в 30-е гг. это был тренд, и даже злейший враг
Малевич к ней вернулся. Самое главное, в ней нет рационалистического
прогрессистского пафоса – посмотрите «Наездницу» — т.е. главного нерва
искусства Родченко. А в 40-е гг. он выдает такие вот затейливо-нерациональные
вещи:

Без названия

А уж эта штука 1944 года и вовсе загадочная:

Экспрессивный
ритм

Это уже просто какой-то абстрактный экспрессионизм. Т.е. эта
работа полностью противоположна всему предыдущему искусству Родченко – он же
никогда ничего не искал в бессознательном, он все находил в голове. Ну, в
сознании, в смысле. И, что еще удивительно, абстрактного экспрессионизма еще не
было,
Поллок,
на которого это очень похоже, только подходил к своему методу. Т.е. в полном
отрыве от мирового художественного процесса Родченко опять оказался впереди
всех.

Теперь вы поняли, почему никогда он не сделал бы такую
фотографию?

Совершенно неизвестные люди. Семейная фотография

БОНУС

Иллюстрация к поэме В. Маяковского «Про это»

Девушка с «лейкой»

Новый ЛЕФ

Портрет матери

«Даешь воду!»

Абстракция

Вот еще одна странная работа, 20-го года, между прочим. Что
с ней делать, я не знаю.

Реклама ГУМа

* В 1916 году Родченко призвали в армию, и он несколько
месяцев служил завхозом санитарного поезда. Поскольку это был короткий эпизод,
лишь на время прервавший его жизнь в искусстве, я решил упомянуть его только
здесь.

** На XIX Государственную выставку в 1920
году он и Степанова отправили одиннадцать тюков картин.

*** На днях Юра Альберт написал в фейсбуке «Как хорошо,
оказывается, сказал Марсель Дюшан: «Сам ready-made не является искусством,
искусством становится его обсуждение»»». Вот тут та же история.

**** После «Черного квадрата» Малевич сказал знаменитую
свою фразу: «Я убил живопись». После «Трех цветов» критик Николай Тарабукин
прочел доклад «Последняя картина написана». Философ Гройс утверждает,
что смерть искусства – это основная тема искусства XX века. Так что все
только начиналось.

***** Был сделан для советского павильона на
Всемирной выставке декоративных искусств и промышленности в Париже в
1925 году. Антибуржуазный Родченко в этом своем интерьере вымазал пол сажей,
чтобы посетители унесли ее на своих подошвах в буржуазные павильоны других
стран, и там все перепачкали. На этой выставке было репрезентировано и получило
свое название ар-деко – было что пачкать. Хороший
дадаистский жест
получился.

Как Родченко изменил подход к фотографии — Нож

Будучи убежденным художником конструктивизма, авангардного направления советского искусства 1920-х, Родченко пытался выявить максимум функциональности из каждого вида искусства. Вот и фотоснимки должны были стать массовыми хронографами. Запечатлеть актуальную современную историю, показать мир «утренними глазами» — вот к чему так стремился мастер, рассматривавший свою деятельность как фотодокументалистику.

Основной локацией для фотографа стала Москва. Но не та старая, которую так любили писать художники прошлого, а новая – с новостройками, вокзалами, заводами и фабриками.  Это не просто архитектурные постройки, но целая жизнь, переданная с помощью удачно поставленного кадра: «Снимать я начал с 1924. Техника захватила, и я начал эксперименты…».

Именно снимки 20-х годов считаются самыми авангардными и новаторскими.

Первая серия Родченко – «Дом на Мясницкой улице». Он воспользовался фотоаппаратом «Кодак», взяв пленку форматом 42:65 мм. Фотограф отказывается от статики, им движет динамичная композиция, которая заставляет искать неординарные ракурсы. Самый знаменитый снимок – с пожарной лестницей. Лаконичность и строгость композиции позволяет фокусироваться на линиях, которые уходят в бесконечность, превращаясь будто в полотно железной дороги. Сняв с низкого ракурса лестницу, Родченко фокусируется на дезориентации, которая станет узнаваемой чертой дальнейших серий. Как это объясняется? В фотографиях с глубокой перспективой и с неожиданным ракурсом нельзя определить верха или низа – то есть снимки можно поворачивать как угодно: от этого они не потеряют своей цельности.

Главная цель фотографий 20-х годов – это демонстрация эстетики нового урбанистического мира, с новым человеком, который поглощен движением. Снимки с предельно лаконичной композицией должны были выявить и подчеркнуть пространства города.

Еще одним знаменитым кадром становится «Лестница на Кропоткинской набережной» 1929 года. Родченко зацепил самый простой сюжет, но он смог его ухватить так, что нас, несомненно, притягивает к этому снимку. Фотограф создает будто отдельное энергетическое поле вокруг этой женщины с ребенком. Четкий ритм ступеней же будто определяет отдельное царство диагоналей, которое нужно преодолевать с неимоверным усилием. Родченко утверждал, что не только ракурс, но свет и тени способны кардинально преобразить ситуацию в кадре.

Помимо множества фотоснимков отдельных дворов, вокзалов и фабрик Москвы, а также кадров с прохожими, Родченко часто, как репортажный фотограф, концентрировал свое внимание и на отдельных объектах. Таковым стала знаменитая Шуховская башня. Мастер фокусируется в этой серии исключительно на конструкции, на снимках он пытается выявить уникальную инженерную мысль Шухова, пытаясь подчеркнуть красоту каркаса и материала.

В связи с этой серией уместно будет упомянуть воспоминания Родченко об Эйфелевой башне, с которой многие сравнивают Шуховскую:

«Я помню в Париже, когда в первый раз увидел Эйфелеву башню издали, мне она совершенно не понравилась. Но однажды я близко проезжал на автобусе, и когда, в окно увидел уходящие вверх, вправо и влево линии железа, и эти точки дали мне впечатление массива и конструкции».

— из поездки Родченко в Париж в 1925 году

Этот массив и пытался выявить Родченко в своих фотоснимках. И здесь, конечно же, не обойтись без еще одного метода фотографа – комбинаторность. То есть предоставления множества точек зрения на один и тот же объект, максимальное приближение или отдаление, смена положения в кадре, а также вновь и вновь использование разнообразных ракурсов.

Именно в 20-е годы Родченко создает знаменитые фотопортреты своих друзей и знакомых. Помимо знаменитых фотографий с Лилей и Осипом Брик, которые лягут в основу его знаменитых фотомонтажей и плакатов, стоит назвать и проникновенные кадры с Маяковским и матерью фотографа. В этих экспериментах он как раз отходит от конструктивистских воззрений. Он хочет запечатлеть особый творческий мир с главными его героями.

Естественно, что свои умения Родченко хотел передать молодым фотографам. Поэтому вместе с еще одним знаменитым мастером в этой сфере Борисом Игнатовичем в 1928 году они формируют группу «Октябрь», куда набирает как любителей, так и уже успешных фотографов. Родченко ценил эту группу как важное экспериментально-творческое объединение. Они позиционировали себя как свободная группировка, никак не связанная с политической обстановкой.

Манифестом группы стал лозунг «Искать новые формы!». А уже известный прием ракурса, головокружительные точки, «косина» (наклон горизонта), лаконичная композиция и глубокая перспектива становятся основными методами для фотографов, которых Родченко призывал отображать социальную действительность.

Сам фотограф в 30-е годы сильно пострадал от шквала критики, которая посыпалась на него: его обвиняли в формализме и подражательстве западным фотографам. Родченко пришлось уйти в репортажную съемку, где большее внимание уделялось именно человеку, а не конструкциям. Он писал: «Это не значит, что я отказываюсь от смелости и новаторства, но иная сейчас должна быть смелость, иные искания». В 30-е годы на смену экспериментальной съемки приходит тема движения, отображенная в множестве парадов и спортивных мероприятиях.

Итогом его фотографической деятельности 20-х годов стало расширение сознаний будущих фотографов, которых он учил мыслить нестандартно. Отображая настоящую жизнь со всей ее простотой, Родченко хотел поражать и удивлять. Самое главное его достояние – это разрушение бывших канонов фотографии. Теперь снимок не создавался по правилам «картины», а выходил в самостоятельное плавание с собственными мотивами, композиционными приемами и ракурсами.

Присоединиться к клубу

Сталин в Ялте, знамя над рейхстагом и другие шедевры советской фотографии в Лондоне

• Александр Кан
• обозреватель по вопросам культуры

7 ноября 2018

Автор фото, Atlas Gallery

Подпись к фото,

Александр Родченко. «Спортобщество «Динамо», 1935 г.

В лондонской галерее Atlas проходит выставка классической советской фотографии из коллекции Льва Бородулина. Среди экспонатов — всемирно известные работы Александра Родченко, Евгения Халдея, Аркадия Шайхета и других мастеров ранней советской фотографии.

Лев Бородулин — не только и, наверное, не столько коллекционер. Он в первую очередь сам замечательный фотограф. Точнее фотохудожник, ибо именно в Советском Союзе в 20-30-е годы усилиями многих мастеров, самый известный из которых Александр Родченко, фотография из простой фиксации объекта или документации события превратилась в искусство.

В 1940 году 17-летним юношей Лев Бородулин поступил на художественное отделение Московского полиграфического института, но уже через год ушел на фронт. В отличие от своих старших и более именитых коллег — Романа Кармена, Евгения Халдея — он не был фронтовым фотокорреспондентом, скорее фотографом-любителем. Командование знало о его увлечении, и после окончания войны перед демобилизацией его попросили сделать фотолетопись полка. Так началось собирательство, выросшее впоследствии в страсть жизни.

Даже если осознание фотографии как искусства уже существовало, то до осознания фотоснимков как носителей материальной ценности, как предметов искусства, которые могут стоить денег, было еще далеко, и фотографы охотно делились с молодым энтузиастом своими работами.

Вот как вспоминает свои первые шаги коллекционера сам Лев Бородулин:

«Я начал с Евгения Халдея — автора самых знаменитых военных фотографий: сгрудившиеся у репродуктора люди слушают речь Молотова на московской улице, дорожный регулировщик на Александр-плац в Берлине, водружение знамени победы над Рейхстагом. Мастера не только охотно делились со мной снимками, но и рекомендовали меня коллегам. Так я попал к Рюмкину, Шагину, Альперту. В конце концов, я так влюбился в фотографию, что и сам стал фотографом».

До войны, еще подростком, Бородулин активно занимался спортом, и когда в 1950 году он поступил работать фотокорреспондентом журнала «Огонек», именно спортивная фотография стала его специальностью.

Причиной тому было не только юношеское увлечение. Во-первых, спорт давал возможность путешествовать, ездить на соревнования, в том числе международные — привилегия редкая и невероятно ценимая в Советском Союзе. Он даже умудрялся получать награды — на фотовыставке, приуроченной к открытию Олимпийских Игр в Мюнхене в 1972 году, его фотография получила золотую медаль, что дало повод газете «Правда» гордо заявить в заголовке статьи: «Первая олимпийская золотая медаль — советская».

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Молодой Лев Бородулин. Фото 1947 г.

Но главная причина была сложнее. Спорт как тема политически нейтральная давала ему возможность уйти от довлеющей и нередко подавляющей идеологизации работы любого советского журналиста. Хотя в Советском Союзе политика и идеология были везде, и даже невинный спорт не спасал Бородулина от неусыпной и беспощадной критики.

Фотография на обложке номера «Огонька», который был посвящен Летним Олимпийским играм 1960 года, была раскритикована тогдашним главным партийным идеологом Михаилом Сусловым, чья статья была опубликована в «Правде» как «письмо читателя». «Негоже такому мастеру снимать с таких ракурсов», — писал «читатель», комментируя снимок снятой сзади прыгающей в воду пловчихи.

Последовала критика за формализм, и даже поездку на ту самую выставку в Мюнхене, где его фотография получила золотую медаль, и где он был признан «лучшим спортивным фотографом мира», советские власти сочли «нецелесообразной».

Мюнхенская награда не осталась единственной в послужном списке Бородулина-фотографа. Photography Year Book в 1964 году признаёт Льва Бородулина «звездой» мировой фотографии. В 1967 году японская газета «Асахи» признала Льва Бородулина лучшим фотографом года.

В 1973 году Бородулин переехал в Израиль, где продолжил и фотографировать, и пополнять свою коллекцию, в чем ему активно помогал сын, тоже фотограф и тоже коллекционер Александр Бородулин.

Фотографии Бородулина продавались на аукционах Sotheby’s, Christie’s, Bonhams, Swann.

Представляем некоторые из привезенных на лондонскую выставку фотографий из коллекции Льва Бородулина. Комментирует куратор коллекции Майя Кацнельсон.

Лев Бородулин. «В космос»

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Лев Бородулин «В космос», 1964 г.

«Лев Бородулин в душе был истинным художником. В то время, когда он начинал работать, фотография была средством пропаганды, а он сам говорил, что не хочет служить советской идеологии. Его интересовало именно искусство. И он осознанно уходит в спортивную фотографию, потому что там было больше простора для творчества, больше возможностей. Он был поклонником Родченко, поклонником его стиля съемки. Я думаю, что это просматривается в его фотографиях, которые тоже сняты с неожиданных ракурсов.

Каждая фотография — это определенная композиция у него. Но в лучших работах помимо чисто формальных задач, решались еще и задачи содержательные. Снимок «В космос» был сделан тогда, когда весь СССР был одержим космосом, каждый новый полет воспринимался как эпохальное, глобальное событие, о котором говорила вся страна. В этом снимке, казалось бы, не имеющий никакого отношения к космосу спортсмен, метатель ядра, становится символом космической эры».

Самарий Гурарий. «Черчилль, Рузвельт и Сталин в Ялте»

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Самарий Гурарий. «Черчилль, Рузвельт и Сталин в Ялте», 1945 г.

«Сама по себе эта фотография слишком хорошо известна, и говорить о ней, быть может, и не стоило бы, если бы не стоящая за ней интересная история. Самарий Гурарий был фотографом, который был допущен к «великим мира сего». Не каждому позволяли снимать Сталина. Но эта привилегия несла с собой и гигантскую ответственность, которая в сталинские времена могла, как известно, составлять свободу, а то и жизнь.

Гурарий рассказывал, что снимки для печати из всего отснятого материала Сталин всегда отбирал самостоятельно. Самарий Гурарий всегда вычислял, с какого ракурса нужно снимать вождя, чтобы ему нравилось — чтобы он казался выше, крупнее, значительнее, чтобы на него падал правильный свет», — рассказывает Майя Кацнельсон.

Вот что он сам рассказывал об истории этого снимка:

«Мы должны были снимать Большую тройку в Ливадийском дворце, где шли переговоры. У меня с собой были две «Лейки», заряженные «кодаком». Объектив — широкоугольник, 35 мм. Пока члены делегаций прохаживались и беседовали, я снимал жанровые кадры, и в одной камере пленка почти подошла к концу. Взялся за вторую.

Главы трех великих держав уселись в кресла специально для фотографирования. Я сделал этот кадр, естественно, с несколькими дублями и помчался проявлять в отведенный для нас дом. Там непременно дежурил чекист. Открываю камеру и с ужасом вижу, что не перемотал пленку обратно в кассету и, боже мой, я же ее засветил! Крышку захлопнул и, ни жив, ни мертв, стал проявлять. Что я пережил за эти десять минут, передать трудно. Что там осталось на этой пленке? От этого в буквальном смысле зависела моя жизнь, ведь все фотографии просматривал лично Сталин и отбирал, какие куда дать. Чекист спрашивает: «Ты что это, Самарий, такой бледный?» Устал, говорю, просто, а у самого в голове одна мысль, что меня ждет, если этот главный кадр засвечен? Выхватываю из бачка еще не промытую пленку и вижу, есть! Вот он, этот снимок, спасся, и меня спас! А через два кадра от него пошла засветка. Пощадила меня судьба.

Страх перед Сталиным был такой, что все на цыпочках ходили, а из кабинета задом пятились. У меня в его присутствии разум попросту выключался, и спасал меня только профессиональный автоматизм. Это теперь легко говорить о нем все, что угодно, а тогда… Нет, это не был, так сказать, голый страх, тут примешивались ещё и другие чувства — уважения, любви, даже благоговения, и что-то ещё трудно улавливаемое. Все надо рассматривать с позиций своего времени».

Евгений Халдей. «Знамя над Рейхстагом»

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Евгений Халдей. «Знамя Победы над Рейхстагом», 1945 г.

«Еще одна икона советской фотографии. Не все знают, что снимков знамени было сделано достаточно много, и Халдей был не единственный, кто снимал поднятие флага. До него подобные фотографии сделали Яков Рюмкин и Виктор Темин.

Выглядящий совершенно спонтанным и естественным снимок на самом деле на сто процентов постановочный. Халдей подготовился: в сумке у него с собой было несколько сшитых из скатерти знамен. Он нашел солдат, которые согласились ему позировать, и сделал целую серию снимков. Один из них появился на обложке «Огонька», правда, уже немного позже, к какому-то юбилею Победы, и знамя тогда было выкрашено в красный цвет.

И еще любопытная деталь. Для первой публикации снимка сразу после победы его пришлось заретушировать. Как теперь хорошо известно, советские солдаты с населением захваченного Берлина не сильно церемонились: они собирали, а то и отбирали ценные вещи. И вдруг на снимке проявилось, что у державшего в руке знамя победы солдата на запястье три пары часов. Вот и пришлось их заретушировать, чтобы не выставить в «неправильном» свете советских солдат-освободителей».

Аркадий Шайхет. «Комсомолец за штурвалом»

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Аркадий Шайхет «Комсомолец за штурвалом», 1929 г.

«Появление этой фотографии на нашей выставке знаменательно. Почти 90 лет назад, в декабре 1930 года, в Лондоне прошла первая международная выставка ведущих советских фотографов — фотокорреспондентов «Огонька». Открывал выставку Бернард Шоу, и она получила множество восторженных отзывов британской прессы.

Шайхет уже тогда был признан, был звездой, его фотографии были символом эпохи, и на выставке было представлено довольно много его снимков, в том числе и этот, в котором неприкрыто откровенную идеологическую задачу фотограф решает радикальными эстетическими средствами. Необычный ракурс, съемка снизу приподнимает, возвеличивает до монументальности фигуру молодого комбайнера.

Войну Шайхет прошел фронтовым корреспондентом. Умер он, что называется, на боевом посту — прямо во время съемок на улице Горького в Москве».

Александр Хлебников. «Молоко»

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Александр Хлебников. «Молоко», 1926 г.

«Цель нашей выставки в том, чтобы представить не только уже признанных в России и во всем мире мастеров, но показать еще и тех, кто по уровню и таланту совершенно им не уступает, но в силу различных обстоятельств, к сожалению, пока еще малоизвестен. Один из таких художников — Александр Хлебников, имя известное, пожалуй, только искусствоведам и любителям фотографии, но в кругу профессионалов его работы ценят очень высоко.

Это совершенно потрясающий фотограф, вместе с Родченко он входил в в группу «Октябрь». Он тоже снимал с неожиданных ракурсов, у него очень авангардный стиль съемки. Он занимался съемкой деревни: колхозы советские, коммуны. И большой мастер натюрморта. Как никто другой, он мог показать фактуру вещей, предметного мира. Вот эта фотография, которая представлена на выставке, натюрморт «Молоко», считается для него знаковой. Это один из его самых известных снимков. Он, наверное, лидер в съемке натюрморта своего времени.

Николай Свищов-Паола. «Модель с мячом»

Автор фото, Borodulin Collection

Подпись к фото,

Николай Свищов-Паола «Модель с мячом», 1920-е годы

«Один из старейших русских фотографов, он родился в 1874 году и во многом сформировался еще в дореволюционные годы. Он владел уникальным способом съемки и печати фотографии. Его фотографии были сделаны для выставки «Искусство движения». До 1920-х годов он был очень известен.

Его фамилия — Свищов. Он просто приобрел студию, где снимал многих знаменитостей — Сергея Есенина, Сергея Лемешева, Василия Качалова и многих других. Студия называлась «Паоло», и она стала настолько популярна, что даже в паспорте его фамилию записали как Свищев-Паоло. Так он и остался, под таким именем. Он участвовал в выставках, но с приходом советской власти такая манера съемки стала неугодной.

Интересно, что в 1927 году четырехлетний Лёва Бородулин побывал в мастерской Свищова.

Свищова-Паоло многие критиковали, в том числе Борис Игнатович и Семен Фридленд: считалось, что после революции он никаким образом не изменил свой стиль, а должен был. Поэтому, к сожалению, о нем забыли вплоть до 50-х годов. Он это, конечно же, тяжело переживал. Умер он в 1964 году, в возрасте 90 лет».

Родченко. Арт-революционер из Казани – Выставка в Русском Доме в Барселоне

Благотворительном Фонд Русский Дом в Барселоне открывает новый выставочный проект – «Родченко. Арт-революционер из Казани», посвящённый переосмыслению идей знаменитого русского художника и фотографа Александра Родченко в современной России. Проект является симбиозом самых активных и популярных видов искусства XXI века: моды, фотографии, архитектуры, музыки, кино и театра.

Культурный дизайн-мост длительностью в 100 лет дает нам возможность раскрыть основную идею проекта, и спустя столетие найти творческие параллели между работами Родченко и влиянием его творчества на современное искусство.

‍

‍

Посетители выставки смогут оценить вклад Александра Родченко в развитие искусства XX века, увидеть актуальность его работ в XXI веке и познакомиться с новыми современными российскими художниками.

‍

‍Открытие выставки состоится 11-го июля 2019 г. в 19.00.

‍

‍

Вниманию посетителей будет представлен фильм о процессе работы над созданием Выставки – “Дух времени”, режиссёра Полина Хабибуллина и Телеканала России.

‍

‍

Александр Родченко – один из пионеров русского авангарда в стиле конструктивизм, всемирно известный гений фотографии. Одной из самых популярных работ мастера стал снимок «Девушка с лейкой», который получил мировое признание и в 1994 году и был продан на аукционе Christie’s за 115 тысяч фунтов стерлингов.

Родоначальник пропаганды и рекламы в СССР в стиле конструктивизм, он был одним из самых необычных и разносторонне одаренных творцов первой половины XX века. Его работа «Конструкция № 95» (1919) была продана за 4,5 миллиона долларов.

Благодаря Родченко, в профессиональной среде появились и совершенно новые термины – «перспектива Родченко» и «ложная перспектива Родченко». А вскоре мир узнал и о том, что такое уникальная «родченковская композиция».

‍

‍

Над созданием  данного проекта работали Екатерина Борисова и «Студия 2А». Екатерина Борисова – креативный директор дома моды Katya Borisova, fashion-designer. Катерина прошла стажировку в Токийском университете на факультете дизайна, является Членом Союза Дизайнеров России и руководителем секции «Мода». Ежегодно выпускает четыре сезонные коллекции pret-a-porte и haute couture, а также является стилистом  крупных событийных мероприятий. Екатерина Борисова – автор выставочных коллекций art-fashion, целью которых является развитие и продвижение культуры моды.

«Студия 2А» – это творческий союз, существующий более 10 лет. Основу его составляет фотохудожник Андрей Богданов, дизайнер Андрей Стеклов и стилист Марина Матвеева. «Студия 2А» работает в области дизайна, рекламы и фотографии. За время существования были удачно реализованы многочисленные проекты, как на территории Республики Татарстан, так и России.

‍

‍

«Мы берем картину, по ее мотивам, дизайнер шьет платье, фотограф делает современные фотографии, тоже навеянные той или иной картиной или фотографией. Музыка специально написана  Всеволодом Сарандовым в стиле конструктивизма, потому что в 20-е годы и в музыке тоже был прорыв»

‍

‍

Международный тур выставки начался в День России 12 июня 2018 г. в Русском Доме в Берлине, затем экспонировался в Варшаве и Париже.

Выставка проходит при поддержке Дома Моды Katya Borisova, Правительства Татарстана, Мэрии г. Казани и Комитета по туризму Мэрии г. Казани.

Вход на выставку бесплатный.

Ждём вас в Русском Доме!

Напоминаем, что Русский Дом в Барселоне является благотворительным Фондом, существующим как на пожертвования организаций, так и частных лиц, поэтому будем вам признательны за любое вознаграждение за организованные Фондом мероприятия.

Художников по направлению: Конструктивизм

Художественное движение

Конструктивизм — это художественная и архитектурная философия, зародившаяся в России в 1913 году Владимиром Татлиным. Это был отказ от идеи автономного искусства.Он хотел «конструировать» искусство. Движение поддерживало искусство как практику для социальных целей. Конструктивизм оказал большое влияние на движения современного искусства 20-го века, оказав влияние на основные тенденции, такие как движения Баухаус и Де Стидж. Его влияние было повсеместным и оказало сильное влияние на архитектуру, графический дизайн, промышленный дизайн, театр, кино, танцы, моду и, в некоторой степени, музыку.

Термин «Строительное искусство» был впервые использован как насмешливый термин Казимиром Малевичем для описания творчества Александра Родченко в 1917 году.Конструктивизм впервые появляется как положительный термин в «Реалистическом манифесте» Наума Габо 1920 года. Алексей Ган использовал это слово в названии своей книги «Конструктивизм», напечатанной в 1922 году. Конструктивизм был развитием русского футуризма после Первой мировой войны, и в особенности «русского футуризма». контррельефы »Владимира Татлина, которые были выставлены в 1915 году. Сам термин придумали скульпторы Антуан Певзнер и Наум Габо, которые разработали индустриальный, угловатый стиль работы, а его геометрическая абстракция чем-то обязана супрематизму Казимира. Малевич.

Конструктивизм как теория и практика возник в значительной степени из серии дебатов в ИНХУКе (Институте художественной культуры) в Москве с 1920 по 22 год. После свержения своего первого председателя Василия Кандинского за его «мистицизм» Первая рабочая группа конструктивистов (включая Любовь Попову, Александра Веснина, Родченко, Варвару Степанову и теоретиков Алексея Гана, Бориса Арватова и Осипа Брика) разработала определение Конструктивизма как совокупности фактуры: особого материального свойства объекта и тектоника, его пространственного присутствия.Изначально конструктивисты работали над трехмерными конструкциями как средством участия в индустрии: выставка ОБМОХУ (Общество молодых художников) показала эти трехмерные композиции Родченко, Степановой, Карла Иогансона и братьев Стенбергов. Позже это определение будет распространено на дизайн двухмерных произведений, таких как книги или плакаты, при этом монтаж и фактография станут важными понятиями.

Конструктивисты не только занимались промышленным дизайном, но и работали над публичными фестивалями и уличными дизайнами для большевистского правительства после Октябрьской революции.Пожалуй, самый известный из них был в Витебске, где группа Малевича «УНОВИС» рисовала агитационные таблички и здания (самый известный из них — плакат Эль Лисицкого «Бей белых красным клином» (1919)). Вдохновленные заявлением Владимира Маяковского «улицы — наши кисти, квадраты — наши палитры», художники и дизайнеры участвовали в общественной жизни времен Гражданской войны. Ярким примером был предложенный к конгрессу Коминтерна в 1921 году фестиваль Александра Веснина и Любови Поповой, который напоминал конструкции выставки ОБМОХУ, а также их работы для театра.В этот период между конструктивизмом и Пролеткультом было много общего, идеи которого о необходимости создания совершенно новой культуры нашли отклик у конструктивистов. Вдобавок некоторые конструктивисты были активно вовлечены в «Окна РОСТА», большевистскую кампанию общественной информации около 1920 года. Некоторые из самых известных из них были проведены поэтами-художниками Владимиром Маяковским и Владимиром Лебедевым.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия:
https://en.wikipedia.org/wiki/Constructivism_(art)

Александр Родченко: Революция в фотографии

Сторонники Мохоли Надя и Мана Рэя утверждают, что фотография вовсе не обязательно должна изображать внешний мир: вместо этого изображение может быть создано в результате расположения объектов между фотобумагой и светом увеличивающего устройства для темной комнаты.В зависимости от продолжительности выдержки фотографическое изображение может также содержать временные свойства. Например, время экспозиции в час или более может рассматриваться как искажение изображения. Таким же образом можно изменить изображение с помощью кадрирования, соляризации и тонирования. Даже в случае платиновой и палладиевой печати (фотографические носители, используемые в основном для изображения) содержание изображения обогащается диапазоном полутонов, доступным для этого типа печати. Когда Шарль Негре, например, фотографирует разрушенный монастырь, он может выявить все выемки на покрытых мхом стенах благодаря тонкости платиновой печати.

Репрезентация также лежит в основе фотографических работ русского художника Александра Родченко, поскольку он заинтересован в создании изображений, которые заставляют зрителя осознавать среду, с помощью которой создается изображение. Этого он добивается благодаря своим необычным ракурсам. В «Электрических пилонах» (1929) его выбор угла подчеркивает решетку самих пилонов; решив представить их как диагонально пересекающие картинную плоскость, он наполняет изображение движением, жизненной силой, но при этом он выравнивает изображение так, чтобы глаз реагировал на структуру, а не как изображение пилона , но как узор света и тьмы.

Глядя на «Распредвалы» (1929) из серии «Автомобильный завод АМО», можно увидеть ритмичный узор из взаимосвязанных цилиндров двух размеров. Непосредственная близость камеры к этим объектам ограничивает понимание зрителями того, что изображено, и тем самым позволяет воспринимать изображение абстрактно.

Изображение для Родченко — это не документ, а отношение фотографа, образа и наблюдателя.Угол камеры, под которым зритель воспринимает изображение, является неотъемлемой частью самого произведения; действительно, благодаря углу изображения зрители узнают о поле зрения, отличном от их собственного. Точно так же можно заметить определенное качество в положении камеры, чего может не быть при съемке спереди. Глядя вниз на процессию солдат, марширующий духовой оркестр или на оживленную столовую, можно уловить очертания, а не отдельных лиц этой человеческой конфигурации.И это видно по работам «Спорт-парад на Красной площади» (1936 г.) и «Столовая» (1932 г.).

Вопрос освещения всегда в голове у фотографа, и Родченко не исключение. Многие из его работ достигают загадочного качества благодаря его экспериментам с источниками света. Подобно тому, как Мохой Надь создавал изображения, фильтруя свет через объекты разной степени прозрачности, Родченко исследует положение источника света и его влияние на качество стекла: разницу между стеклянным объектом, который кажется непрозрачным, и тем, что он появляется в случае «Бокал для вина» (1928), как будто нарисованный линией фосфоресцирующего света.При естественном освещении он часто играет с двусмысленностью между физическим и нематериальным: в «Шагах» (1929) темно-серые линии, идущие по диагонали через картину, образуют фон для фигур женщины и ребенка (вместо того, чтобы выглядеть как линии тени, отбрасываемые на лестницу), и при этом напоминают образы, использованные в «Броненосце Потемкина» Эйзенштейна.

Динамическое использование углов не самоцель, а средство графической композиции. И лучше всего это иллюстрируют его фотомонтажи.Это, пожалуй, самые юмористические произведения, если не самые откровенно политические. Часто создаваемые в связи с публикацией, будь то дополнение к стихам Владимира Маяковского или как средство политического выражения в модернистском журнале, эти произведения иллюстрируют озабоченность Родченко дизайном, в частности, тем, как набор текста интегрирован в изображение. Как и фотографии, эти изображения посвящены выражению диагонали, и это можно увидеть в таких работах, как «Кризис» (1923), где два самолета изображены над группой падающих людей.

Одно особенно яркое изображение из книги Маяковского « About That » (1923) передает зрителю как по содержанию, так и с точки зрения дизайна, празднование технологических достижений: прямоугольный городской пейзаж, прикрепленный на каждом конце к устройству для прослушивания и говорящий труба соответственно. Это произведение имеет странное сходство с некоторыми акустическими замыслами Афанасия Кирхера, и именно эта причудливость в сочетании с взглядом формалиста, кажется, передает дух творчества Родченко.

Софи Аркетт

Владимир Маяковский | Чикагский институт искусств

Владимир Маяковский

Дата:

1924, напечатано 1940-х

Автор:

Родченко Александр Сергеевич
Россия, 1891-1956

Об этом произведении

До того, как обратиться к фотографии, Александр Родченко был наиболее известен живописью и новаторским графическим дизайном, который он создал в первые годы Советской России.Он был одним из пионеров фотомонтажа, который сочетал в себе текст и жирный цвет с найденными фотографиями. Его первой попыткой фотографировать стала серия из шести портретов поэта Владимира Маяковского, чей мощный вид он включил в дизайн обложек книг с 1925 по 1929 год.

После смерти Маяковского в 1930 году Родченко заставили превратить несколько своих фотографий в памятные образы для недавно прославившегося поэта. Загробная жизнь фотографии как популярной иконы была далека от прежних целей Родченко, поскольку он утверждал, что камера фиксирует моменты жизни, а не суммирует характер человека.«Кристаллизируйте человека не с помощью одного« синтетического »портрета, — писал он в 1928 году, — а с помощью множества снимков, сделанных в разное время и в разных условиях».

Статус

В настоящее время отключено от просмотра

Отделение

Фотография и СМИ

Художник

Александр Михайлович Родченко

Название

Владимир Маяковский

Происхождение

Россия

Дата

Сделано в 1924 г.

Средний

Желатиновый серебряный принт

Размеры

23.8 × 16,6 см (изображение / бумага)

Кредитная линия

Благодаря предыдущим подаркам Дэвида К. и Сараджана Руттенбергов, Семейная коллекция Сандор в честь Школы Института искусств Чикаго, Майкла Д. Делмана, Ривы и Дэвида Логана, а также Шерри и Алан Коппел; Приобретены на средства анонимного дарителя; посредством предварительной покупки с помощью Специального фонда для приобретения фотографий

Справочный номер

2015 г.192

Расширенная информация об этой работе

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

Лучшее за январь 2020: Александр Родченко: Коллекция Still Art Foundation

Центр фотографии имени братьев Люмьер представляет выставку фотографий выдающегося русского художника-авангардиста Александра Родченко из коллекции Still Art Foundation, созданной Еленой и Михаилом Карисаловыми.На выставке будут представлены работы Родченко разных лет, от первых фотоэкспериментов 1920-х годов до конца 1930-х годов. На выставке будут представлены портреты друзей Родченко — художников, архитекторов, поэтов, писателей, кинематографистов, сотрудников журналов LEF и Novyi LEF , в том числе знакомый портрет Лили Брик, который использовался в рекламном плакате Ленинграда. Отдел Госиздата, несколько фотографий Владимира Маяковского с первой фотосессии в мастерской Родченко на Мясницкой улице (1924 г.) и знаменитая фотография Осипа Брика, на которой одна из линз в его очках заменена логотипом LEF. .На выставке также будут представлены семейные портреты: мамы Родченко, его жены Варвары Степановой и дочери Варвары Родченко, архитектурные съемки и фотоотчеты: легендарный Балконов (1925), Пожарная лестница (1925), Лестница (1929), а также Pioneer с трубой (1930) и Pioneer Girl (1930).

Куратор выставки — внук Родченко Александр Лаврентьев, ведущий специалист своего дела.На выставке будут представлены 58 серебристо-желатиновых гравюр из двух альбомов из серии портфолио музея, изданных тиражом 35 экземпляров в 1994–1997 годах, собранные под руководством Варвары Родченко, Александра Лаврентьева и галериста Говарда Шиклера. Фотографии, входящие в портфолио и представленные для выставки фондом Still Art Foundation, были напечатаны Александром Лаврентьевым и Юрием Плаксиным в фотолаборатории Родченко с его оригинальных негативов.

Александр Михайлович Родченко (1891–1956), один из лидеров русского авангарда, новатор в области живописи, скульптуры, книжного, плаката, кино и театрального дизайна, начал фотографировать в 1924 году.Его экспериментальный подход к фотографии навсегда изменил историю этого вида искусства и повлиял не только на его современников, но и определил развитие фотографии на десятилетия вперед. Использование таких приемов, как стрельба с необычного ракурса (крайние точки обзора сверху или снизу), сразу получившее название «родченковский»; диагональное построение композиций, определяющих динамику и ритмичность фотографии; детализация и снимки крупным планом; Используя двойную экспозицию и тонкую работу с черно-белыми контрастами, Родченко стремился, как писал Осип Брик, превратить знакомую вещь в «невиданную ранее конструкцию», изменить привычный взгляд человека на мир и расширить его. возможности «видеть вещи».

Александр Родченко: Коллекция Still Art Foundation

24 января — 5 апреля 2020 г.

Братья Люмьер

Центр фотографии

Болотная набережная, 3. Корп. 1

Москва, Россия, 1119072

www.lumiere.ru

Александр Родченко. Биография, эстетика, история. — странное фото

Александр Родченко. Шофер. 1933

Родилась 23 ноября 1891 года в Санкт-Петербурге (Российская Империя) в семье рабочего, где отец работал заведующим театральным реквизитом, а мать — прачкой.С 1907 по 1914 год Родченко учился живописи в Казанском художественном училище. После двух лет службы в армии он вступил в Союз фотохудожников, где работал секретарем. В это время он занимался живописью и дизайном. В 1920 году в Институте художественной культуры наряду с архитектурой Владимир Татлин, его жена и художница Варвара Степанова, художник Эль Лисицкий и другие развивали основные идеи конструктивистского движения. Примерно в 1921 году Родченко отказался от живописи, чтобы сосредоточиться на дизайне.В 1923 году он вместе с Владимиром Майковским и несколькими другими представителями советской интеллигенции основал журнал «ЛЭФ». В то же время Родченко работал с 1921 по 1932 год журнальным фотографом и фоторепортером в Москве, и тогда он начал экспериментировать с фотографией. Сначала он создавал черно-белые фотопортреты в документальном стиле своих друзей и коллег по LEF. В 1923 году он также начал заниматься фотомонтажом и создал несколько иллюстраций для LEF, а также иллюстрацию к стихотворению, написанному его другом и коллегой Маяковским.Где-то в 1924 году Родченко полностью увлекся фотографией. После посещения Парижской международной выставки, где он участвовал и приобрел свою первую 35-миллиметровую камеру в 1925 году, он создал свою первую серию фотографий « Дом на Мясницкой улице, t» и выставил ее в 1926 году. Это была первая серия, в которой он использовал радикальные ракурсы. это сделало Родченко известным сегодня. В конце концов его эстетику можно было назвать документальным стилем фотографии с резкими контрастами света и тени, снятыми под радикальными углами, где композиции были резко обрезаны.Где-то в 1930 году он подвергся критике за недавно выпущенную серию « Пионеры» как часть октябрьского коллектива , , где его критиковали за формалистические основы. Позже он выпустил несколько других серий, в том числе серию « СССР в строительстве » в 1933 году, в которой он задокументировал строительство Беломорканала заключенными и «врагами государства». Позже, с 1942 по 1956 год, Родченко работал оформителем выставок в Москве, продолжая выпускать серию фотографий до своей смерти в 1956 году.

Если вам интересно, не стесняйтесь проверить презентацию ниже.

Презентация Родченко

BBC — Фотография — Гений фотографии — Галерея

Когда к власти пришли большевики, Александр Родченко объявил живопись мертвой и обратился к фотографии. Современная, объективная, внешне свободная от налетов буржуазной субъективности, фотография показала, что она может сыграть свою роль в диктатуре пролетариата.

Радикальный фотографический стиль был объединен с ультрасовременной графикой в ​​журнале «СССР в строительстве» .Созданный Родченко, он был демонстрацией политической пропаганды, прославляющей достижения советской системы. «СССР в строительстве» демонстрирует мастерство Родченко фотомонтажа — графической техники, заимствованной из киномонтажа. Фотомонтажи Родченко рассматривали фотографии как сырые кадры, подавляя их индивидуальность, собирая их энергию, вырезая, вставляя, повторно касаясь и повторно фотографируя их, чтобы вызвать в воображении головокружительные видения будущего.

Родченко с наибольшим эффектом использовал фотографию в выпуске «СССР в строительстве» , посвященного Беломорканалу, который в стране и за рубежом хвалили как триумф советской инженерии и просвещенной советской уголовной политики.Канал будет построен преступниками и другими социальными неугодными людьми, которые будут реабилитированы трудом. Родченко поехал на канал, чтобы сделать фотографии, которые послужили бы исходным материалом для этого шедевра политической пропаганды.

«В книге Родченко мы видим, как выглядела исходная картина — довольно серая и плоская. Конечно, монтаж в целом намного удачнее картинки. Он умеет вложить текст, дать больше влияния на толпу рабочих. и, конечно же, фигура на переднем плане получает большее влияние, поскольку он усиливает контраст между ней и фоном.Вы можете видеть, что все эти различные компоненты были собраны вместе, чтобы создать картину, и хотя, когда вы посмотрите на это, вы не подумаете, что это особенно монтаж, это только тогда, когда вы видите оригинал, и вы видите, как он изменился в своем намерении и это означает, что вы действительно понимаете, как это было сфотографировано ». (Мартин Парр, фотограф)

Но виртуозная постпродакшн Родченко скрывает мрачную правду. Эти целеустремленные рабочие были в основном политическими заключенными и Беломорканалом, гулагом протяженностью 140 миль.И 200000 из них, далекие от реабилитации своим трудом, умрут в результате этого, и эту реальность все еще можно увидеть на неулыбчивых лицах нетронутого оригинала.

Александр Родченко: Революция в фотографии

Эта выставка посвящена фотоработам Александра Родченко, и даже сегодня, почти 100 лет спустя, живя в обществе, переполненном изображениями, его фотографии все еще свежи, все еще вызывают чувство чуда. и актуальность.Это исходит из того, что они записывают — эпохи революций и поражений, надежд и отчаяния.

Родченко родился в ноябре 1891 года в Санкт-Петербурге и умер в Москве в декабре 1956 года, через три года после Сталина и в момент, после Венгерской революции, когда должно было произойти возрождение социалистических левых и новое поколение революционеров. должны были попасть под влияние его работы.

Родченко поступил в художественную школу в 1910 году и в течение следующих четырех лет, как и многие художники в России, он стал частью модернизма, который развивался по всей Европе.К 1913 году он называл себя кубофутуристом. Ко времени революции 1917 года Родченко и его жена-художница Степанова были частью громкого и решительного авангарда, противостоящего академическому и официальному искусству царского самодержавия. Их работы были созданы в результате экспериментов в рамках студии, и вместе с другими они пытались открыть для себя язык искусства, возникший из ужасов Первой мировой войны.

Февральская революция 1917 г. смела царя, а октябрьская большевистская революция привела рабочих к власти.Почти все художники, множеством способов переплетенные со старым порядком, покинули Россию или ждали, пока пройдет буря. Художники авангарда, в том числе Родченко, встретили Октябрь и начали пробовать воплощать искусство в жизнь. Позже Родченко вспомнил это время:

.

«Мы были за новый мир, мир промышленности, технологий и науки. Мы были за нового человека; мы чувствовали его, и у нас не было точного представления о будущем. Мы создали новую концепцию красоты и расширили границы искусства.Делали плакаты, писали слоганы, украшали площади и здания. Даже шрифты, такие точные и убедительные, придумали мы. Мы создали новые объекты, полезность которых уже ни у кого не вызывает сомнений ».

Никогда раньше или, возможно, после мы не видели такого уверенного искусства, созданного такими уверенными художниками. Из революции Родченко перенес живопись и идеи конструктивизма в дизайн, театр, типографику и, прежде всего, фотографию.

Ранней фотографической работой Родченко были видеомонтажи, в основном к любовному стихотворению Маяковского « О том ».Вы можете увидеть это здесь, на выставке: тщательное повествование образов и юмор сопоставления. Он делал фотографии глазами художника и конструировал внутри кадра изображения, которые открывали для него новое окно в реальность.

Под влиянием плавности пленки он экспериментировал с изменением перспективы: с земли, с самой высокой башни и здания, под прямым углом и крупным планом. Его фотографии запечатлели производственный момент, переключение передач, смазанное оборудование или тихий момент рабочего дня, когда он смотрит вниз на накрытый стол для завтрака или бежит к автобусу.Родченко вытащил камеру на улицу, чтобы запечатлеть оптимизм нового общества, показать, что будущее освобождение возможно через промышленность. Есть группа фотографий, сделанных на заводе по производству электрических лампочек, и я вспомнил лозунг Ленина о том, что социализм — это электричество и совет (рабочий контроль). Родченко был пионером фотожурналистики, создав фоторепортаж, который сегодня мы воспринимаем как должное. Он понимал силу документального фильма.

Здесь много его портретов, в том числе прекрасная серия Маяковского.Его фотографии людей ошеломительны, а использование света и тени для выделения характера объекта — урок использования тона и движения.

Когда революция уступила место бюрократическому контролю, а затем диктатуре контрреволюции, Родченко вместе со всем авангардом подвергся нападению. Их эксперименты были оклеветаны как часть старого мира. Когда рабочий контроль был демонтирован, и жизнь снова оказалась под кулаком угнетения, художники были изгнаны из общественной жизни.Открытость обсуждения и разногласия, которые были неотъемлемой частью революции в ее первые дни, были подавлены. Левые художники собрались вокруг журнала под названием Lef (Left Front of the Arts), а затем New Lef в конце 1920-х годов, когда число нападений усилилось. Все представленные в этой публикации дизайны остаются лучшими образцами графического дизайна и создают стиль, оказавший огромное влияние на следующее столетие.

В 1933 году стало незаконным фотографировать на улицах российских городов без разрешения, и Родченко становилось все труднее получить разрешение.Он делал фотографии спортивных мероприятий, на которых вы видите регламентацию и семена сталинского конформизма и ужасающее творение социалистического реализма. Даже здесь Родченко продолжает экспериментировать. Постепенно его заставляют фотографировать только с балкона своей квартиры. Снова его глазами мы можем видеть меняющийся город, улицы, здания и открытое пространство.

Дуга революции одним из способов запечатлена на фотографиях Родченко. Но одни только фотографии не раскрывают всей истории его таланта и гения.

К 1940-м и 50-м годам ему давали очень мало работы. Художники могли заниматься только по заказу, и государство легко обходило его стороной. В последние годы жизни ему разрешили фотографировать цирк. Финальная картина выставки — группа львов в клетке. Родченко помог создать язык образов, он понял силу фотографии, и я не могу избавиться от ощущения, что эта последняя фотография — мечты революции, заключенной в клетку вместе с ее художниками.