Мода 1800 х годов фото: Как развивалась российская мода: эволюция в фотографиях

Содержание

Как развивалась российская мода: эволюция в фотографиях

Пока открытие музеев откладывается еще на неделю, мы предлагаем вам вспомнить про прекрасный архив Мультимедиа Арт Музея Russia in Photo. Его МАММ запустили в 2016 году в рамках программы «История России в фотографиях» совместно с «Яндексом». 

Этот сайт — грандиозный архив снимков разных лет с 1860-х годов по 1990-е. Посетители сами себе хозяева — могут не только искать и смотреть кадры из коллекций российских музеев, архивов и личных собраний коллекционеров. Позволено также самостоятельно пополнять портал собственными фотографиями или снимками из архивов. 

На базе материалов Russia in Photo мы покажем развитие российской моды с середины XIX столетия и до начала нулевых — от лощеных постановочных фотографий до внезапных кадров. Вот хроника моды за полтора века.

1860-е годы

В середине позапрошлого века, после лаконичного ампира и нарочито женственного бидермейера 1820–1830-х годов, в моде во второй раз расцвел стиль рококо. Дамы ходили в платьях с узкой покатой и немного заниженной линией плеч, тонкой талией и юбкой на кринолине. В эти годы даже приобрели популярность овальные каркасы, как во времена Людовика XV.

1870-е годы

1870-е стали переходным этапом — фасоны начали потихоньку меняться, юбки теряли пышность, каблук подрос, популярность приобрели шлейфы. Но разительных перемен пока не наблюдалось.

1880-е годы

В моду вошли вытянутые силуэты, и на смену обычному кринолину пришел турнюр. Это специальная подушечка, которую можно было подложить под юбку сзади и красиво ее задрапировать. Юбка стала гораздо уже, корсеты еще туже, линия талии опустилась ниже, увеличилась высота каблука. Надо полагать, обмороки в ту пору тоже участились.

1890-е годы

Это время начала модерна. Платья становятся лаконичнее, турнюр больше не драпируют так богато, как раньше, однако русалочий, немного изогнутый силуэт по-прежнему в фаворе. Юбка плотно облегала фигуру в бедрах и расширялась от колен. К подолу нередко пришпиливали оборки для пущего эффекта.

1900-е годы

Спустя десятилетие наступил расцвет Прекрасной эпохи. Женщины по-прежнему затягивают талии в корсеты, ходят на высоких каблуках, вечерами кутаются в кружева и шелка, но их растущая активность диктует новые правила. Дневная одежда становится более практичной, не без учета модных тенденций. В высшем обществе популярными стали так называемые чайные платья, со свободным силуэтом, позволяющие незаметно ослабить корсет — важный шаг на пути эмансипации. Появляется новый тип одежды — узкая блузка с юбкой клеш в пол или по щиколотку. Кроме того, дамы заимствуют кое-что из мужского гардероба — пальто-бушлаты, например.

1910-е годы

Во вторую декаду XX века мир потрясла война. Под влиянием военного положения женский наряд становился все проще. Ушла нарочитая пышность, шлейфы стали атрибутом лишь самых торжественных выходов. Юбки теряли и теряли в длине. Сдержанность становится признаком образованности. Блузки и юбки курсисток теперь своего рода униформа для просвещенной женщины.

1920-е годы

К власти пришли большевики, и жизнь страны перевернулась с ног на голову. Публичное раскрепощение пришло в одночасье и накрыло всех волной новых откровений. В России 1920-е тоже были ревущими, без преувеличений. Тон в моде задает столичная богема: актрисы, художницы, жены поэтов — люди искусства, одним словом. И если днем женщина носит на современный взгляд пуританские костюмы из твида, просторные плащи, туфли на низком каблуке-рюмке и шляпки клош, то вечером она разоблачается. Струящиеся по фигуре платья, открытые плечи, провокационные разрезы, чулки, прозрачные ткани (Лиля Брик на третьем фото внизу демонстрирует насколько), перья, жемчуга и блестки. Время декаданса и больших перемен.

1930-е годы

В 1930-е годы растет упоение новым курсом, в культуре торжествует восторженный соцреализм. В людях ценятся работоспособность и универсальность. Всюду лозунги и плакаты, агитирующие за здоровый образ жизни и труд по совести. Чтобы каждое утро начинать с зарядки и все успевать, нужна удобная одежда. В моде простые сарафаны из ситца и шерсти, платья-рубашки, юбки миди, плиссе, блузки с гюйсом и брюки, просторные в бедрах и слегка зауженные книзу.

1940-е годы

В начале 1940-х было совсем не до нарядов. Милитаризация оказала серьезное влияние на моду, атрибутом женского костюма стали подплечники, широкие острые плечи — признак мужественности и силы. Строгая форменная одежда стала частью повседневной жизни. Однако по окончании война преобразила советскую моду, поставив ее в один ряд с европейской, несмотря на катастрофический упадок легкой промышленности в стране. Наши женщины надели трофейные платья с рукавами-фонариками, маленькие жакеты болеро, шляпки и шелковые комбинации, привезенные мужьями из Европы.

1950-е годы

На смену послевоенному закручиванию гаек пришла оттепель. 1950-е годы стали временем расцвета советской экономики, правда, легкая промышленность в авангард не попала. В большинстве своем люди одевались однообразно. Не так серо-коричнево, конечно, как рабочие в фильме «Стиляги» Валерия Тодоровского, но похоже на то. Простые платья с монотонными узорами, костюмы-двойки с короткими приталенными жакетами и юбками длиной чуть выше щиколотки и по колено. По сути, женский наряд начала 1950-х мало чем отличался от наряда 1940-х. Но с приходом к власти Хрущева, взявшего курс на сближение с Западом, появились новинки. В страну с опозданием, но пришел диоровский New Look. Подчеркнутая женственность поставлена во главу угла — акцент на талии, пышная юбка, мягкий силуэт «песочные часы». Иностранные модели одежды начали публиковаться в советских журналах мод. Мода стала предметом обсуждения на самом высоком уровне — в 1957 году в Москве даже состоялся Конгресс моды, а в 1959-м прошел показ Christian Dior.

1960-е годы

В 1960-е годы на Западе уже разбушевалась культурная революция, о действительном масштабе и влиянии которой в СССР знали не многие. Но определенные категории граждан — артисты, спортсмены — знали. Сценическое платье Эдиты Пьехи, в обтяжку, с отделкой бисером и пернатым подолом, например, явно не советского разлива. И простые женщины хотели выглядеть не хуже, чем звезды сцены и телеэкрана. В 1961-м в СССР завезли шпильки. Популярность набирают трикотажные водолазки, клетка, яркая синтетика и искусственный мех, а юбки становятся все короче.

1970-е годы

К этому времени тонкая струйка, которой модные новости раньше поступали в Союз, превратилась во внушительной силы ручей. Люди уже знали, что модно, но достать это по-прежнему было крайне трудно. Так что мини-юбки, платья в «огурец», джинсы, приталенные батники с острыми воротниками, брюки клеш и лаковые сапоги на увесистой платформе продавали из-под полы.

1980-е годы

1980-е — начало эпохи перемен. Модникам ее дух стал заметен еще до Горбачева и перестройки, и это во время тотального дефицита. Все происходило по принципу из крайности в крайность. В моду вошел стиль унисекс — девушки носили мужские куртки, рубашки, джинсы и грубые ботинки. А женственные наряды часто граничили с вульгарностью, и это было нормой. В молодежной среде стали появляться различные субкультуры, которые также влияли на моду. Всеобщая любовь к большим потертым кожанкам и вареному дениму — заслуга панков.

1990-е годы

В 1990-е, с падением советской власти, Запад хлынул в Россию мощным потоком. И несмотря на экономические трудности, криминальную обстановку в стране и всеобщее шоковое состояние, его приняли с распростертыми объятиями. Гранжевая мода тех лет — это короткие топы, джинсы-мальвины с присборенной линией талии, майки-алкоголички, короткие юбки, микрошорты, блузки и пиджаки с подплечниками (как сейчас у Balmain), черные капроновые колготки и кислотные цвета. Что касается отечественных звезд — многие тогда ушли в отрыв. Пережженная блондинка в шпагате на фото ниже — Маша Распутина. Не эталон вкуса, но прекрасный пример настроения и стиля той эпохи.

Мода Российской Империи 1880-х годов

дополнительные материалы к роману «Усадьба»

Мода — как вечерняя так и повседневная — это, наверное, самое наглядное и зрелищное из того, что я успела изучить, собирая материалы для книги. Представляю вашему вниманию коллекцию фотографий нарядов с некоторыми моими комментариями. Надеюсь, будет интересно.

Для начала вечерние и бальные платья от модельера Чарльза Ворта (начало 1880-х)

Платье императрицы Марии Федоровны 1880 гг. Белый узорный атлас, вышивка, искусственный жемчуг.

 

 

1880-82 гг.

  

 

Ротонда из розового атласа. Конец 19 в. Длинная распашная накидка без рукавов с подрезами и буфами у плеча по линии проймы, с разрезом от талии по центру спинки. Такая одежда была удобна при существующей моде на платья с пышными рукавами и длинным шлейфом.

Около 1885 г.

    

      

 

Мужские наряды

Трость, как видите, обязательный атрибут, а сюртуки уже почти похожи на современные пиджаки

     

 

Свадебные платья и туфли

 

   

  

   

 

Это бальное платье уже чуть более позднего периода — конец 1880х

 

  

  

 

Снова 1880-е

           

  

   

  

Бальное платье

   

  

    

 

      

1890-е одно и то же платье на манекене и на первой своей хозяйке

    

 

Начало 1880х. Мне кажется, очень интересное по крою платье

  

 

 

 

   

 

А теперь проявим нескромность и посмотрим, что носили дамы под платьями. Во-первых, разнообразные пеньюары и ночные сорочки  

 

В 1870-80 в моде турнюр (от фр. tournure — «осанка, манера держаться») — приспособление в виде подушечки, которая подкладывалась дамами сзади под платье ниже талии для придания пышности фигуре. Также турнюр мог быть в виде сборчатой накладки, располагавшейся чуть ниже талии на заднем полотнище верхней части юбки, что формировало характерный силуэт с очень выпуклой нижней частью тела. 

 

Вот такая конструкция могла кепиться под платье

    

 

На схеме можно проследить, как изменялась форма юбки

 

Разумеется, с таким приспособлением под юбкой процесс посадки дамы на стул был довольно сложным=)) Поэтому чаще всего приходилось садиться вот так:

 

         

В общем, бедные женщины. Ну, и, конечно, подо всю эту конструкцию надевался туго зашнурованный корсет. Шнуровался он иногда до такой вот степени.

     

А так как корсеты из китового уса были к тому времени досаточно дорогим удовольствием, нередко их подписывали таким вот образом. Видимо, были прецеденты, что теряли=/

 

  Напоследок хочу сказать, что представленные выше платья это все же то, что называется «высокая мода». Летом в деревне дамы едва ли носили платья Чарльза Ворта из атласа и искусственного жемчуга)). К сожалению, в 80-е фотоискусство еще не было развито настолько, чтобы запечатлеть наряды и повседневный быт — если люди и шли в фотоателье, то все равно наряжались в лучшее, что у них имелось. Так что повседневную одежду можно разглядеть лишь на некоторых картинах и портретах того времени. Так что представляю вам чуть более повседневные наряды. 

 

Вот, кстати, отличная иллюстрация ко главе с игрой в леток))

По-видимому, в повседневных нарядах и турнюры были менее громоздкими

Хотя, может, и нет…

Все очень скромно и прилично, как видите

 

 

  

 

  

Снова мужской костюм. Усы и бородка, которые носил император Александр III, была, как видите, в моде. Снова трость. Папироса в руке очень частый атрибут. Пошу обратить внимание, какие аккуратные у мужчин ногти)) Не всякая дама в наши времена так следит за руками

 

 

 

 Курящая женщина тоже зрелище не такое уж редкое

 

В картишки любили перекинуться даже дети

 

И погадать на досуге тоже любили

 

Ну, и совсем напоследок немного о барышнях из Смольного…

Само здание

 

На занятиях

Я так понимаю, это урок физкультуры у младших групп

Учатся танцам. Увы, без кавалеров

 

Спасибо тем, кто досмотрел до конца=)

 

Источники:

http://steampunker.ru/blog/5192.html

http://costume-history.livejournal.com/564070.html

http://molena.livejournal.com/693256.html#cutid1

http://costume-history.livejournal.com/580321.html#cutid1

http://art.alebor.ru/galery.php?age=1800&ns=24

Женская мода начала ХХ века. 1908-1914. Закат «Прекрасной эпохи».

Женская мода заката «Прекрасной эпохи» (1908-1914) отличалась от предшествующего периода новым силуэтом с завышенной талией и прямой юбкой. Жанна Пакен в 1905 году создала коллекцию, в которой были представлены платья с завышенной талией, в 1906 году — появляется её коллекция в японском стиле. В 1907 году Поль Пуаре выпустил коллекцию, названную «Платья 1811» или «Платья Директории»… Платья «неогрек» прочно вошли в моду.

В предвоенные годы одежда расцвела новыми красками, чему сильно способствовала выставка фовистов в 1905 году и «Русские сезоны» С. Дягилева в Париже. Выступления, восторженно принятые французской публикой, впечатляли не только балетом, но и удивительными декорациями и костюмами танцовщиков, над которыми работали художники Леон Бакст, Александр Бенуа и Николай Рерих. Поль Пуаре как главный модельер десятилетия первым откликнулся на новое увлечение публики.

Ориентализм с его живыми красками и богатым декором становится новым модным течением начала 1910-х годов.
Вдохновленный восточной тематикой, Поль Пуаре создавал платья-халаты и расшитые туники, которые женщины носили с созданными им же длинными широкими брюками-шароварами. При работе Пуаре использовал эскизы Леона Бакста. Так в моду вошли отороченные мехом платья, пальто, меховые шапки и муфты.

К первому десятилетию XX века относится еще одно «изобретение» Поля Пуаре – знаменитая «хромающая» юбка. Созданная в 1910 году, она получила свое прозвище из-за очень узкого силуэта, заставлявшего женщин передвигаться мелкими шажками. Стянутая манжетой, юбка была неудобна. В моду такая непрактичная модель вошла благодаря актрисе Цецилии Сорель. «Хромающую» юбку Поль Пуаре придумал именно по ее просьбе, а светские дамы, пристально следившие за столичными знаменитостями, не захотели упускать новинку.

В 1913 году в Европе начались выступления эмансипанток, которые протестовали против сковывающей движения одежды, настаивая на появлении простых по крою и удобных моделей. В это же время наблюдалось пока незначительное, но ощутимое влияние спорта на повседневную моду. Начали исчезать обильные нашивки и украшения, сложные аппликации и детали, украшавшие одежду. Женщины позволили себе обнажить руки и ноги. В целом, крой одежды стал гораздо более свободным, в моду вошли рубахи и рубашки-платья.
Все эти тенденции были характерны для повседневной одежды, в то время как нарядные модели все еще были выдержаны в стиле 1910-х годов. В свете по-прежнему были популярны платья с завышенной талией с элементами восточного стиля, модели с узким лифом и широкой юбкой с оборками. В моду вошла юбка-панье, название которой переводится с французского, как «корзина». Модель отличалась бочкообразным силуэтом – бедра были широкими, но спереди и сзади юбка была плоской. Словом, наряды для выхода отличались большей элегантностью и консерватизмом, а некоторые модельеры стремились сохранить тенденции, наблюдавшиеся в моде 1900-х годов.

Мода на танго, пришедшая из Южной Америки, привела к созданию юбок «танго» с разрезом спереди и туфель «танго» со шнуровкой. В 1910-е годы на моду начинает влиять кино-индустрия, появляются звёзды немого кино и их многочисленные поклонники и подражатели.

—————————————-————————
Нижнее бельё.
В начале ХХ столетия был популярен «s» -образный силуэт женской фигуры, который достигался при помощи специального корсета. Платья в стиле «неогрек» с завышенной талией и прямой юбкой, вошедшие в моду после 1907 года требовали другой фигуры, прямой и стройной. Для достижения нового идеала был создан новый корсет, эластичный, но очень длинный, а иногда — даже тесный в бёдрах, такой, что сидеть в нём было затруднительно. В 1911 году появляются первые пояса из эластичной ткани.

—————————————-——————————
Платья повседневные и вечерние.
После 1907 года большую популярность завоёвывают цельнокроенные платья. Вырезы на вечерних нардах были глубокими; квадратные, круглые или v-образные, иногда они смягчались воротниками «берта» или фишю. К 1910 году юбки стали прямыми и узкими, стала появляться линия туники.

—————————————-———————————
Костюмы и верхняя одежда.
Английские костюмы, состоящие из пиджака или жакета и юбки стали важным элементом в гардеробе каждой женщины. С появлением прямых юбок пиджаки стали длиннее, они могли быть однобортными или двубортными, часто в моделях присутствовала асимметрия, как и в верхней одежде.

—————————————-————————————
Свадебная мода.

—————————————-—————————————
Траур.

—————————————-————————————-
Одежда для спорта и активного отдыха.

—————————————-———————————-
Головные уборы.

—————————————-—————————————-
Обувь.

Аксессуары.

Гребни для волос.

Сумочки.

Зонтики.

Дж. Нанн. История костюма 1200-2000.
http://news.mail.ru/culture/8505239/
http://www.wmj.ru/moda/istoriya-mody/istoriya-mody-xx-veka-1910-e-gody
http://weekend.ria.ru/lifestyle/20120407/606584454.html

Сто лет моды. Как одевались женщины в 1801 – 1901г.г.: miss_juliettef — LiveJournal

Стоит разговору зайти о моде девятнадцатого столетия, как большинство представит себе белое платье с кружевами и кринолином. Вот только все не так просто. Копнув глубже, можно узнать, что по сути кринолин был в моде всего шестнадцать, а не сто лет, да и белые платья в эпоху кринолина были диковинкой – на пике моды были яркие цвета и орнаменты. Разберемся же в том, что действительно носили дамы XIX века.

1801 – 1828

Платья этой эпохи являются продолжением раннего ампира 1790-х. Талия — очень высокая, прямо под грудь, женщины обычно обходятся без корсетов, а если и носят их, то не затягивают так сильно, как в предыдущие и последующие эпохи. Вырезы на платьях глубокие, чаще квадратные, хотя встречаются и закругленные; рукава – либо простые длинные, либо совсем короткие «фонарики». Нередко встречаются длинные шлейфы, длина юбки варьируется в зависимости от года. Расцветка платьев в основном пастельная, яркие оттенки встречаются куда реже. В качестве верхней одежды для теплого сезона леди пользуются коротенькими жакетами-спенсерами, которые становятся одним из отличительных штрихов ампирной эпохи.

«Портрет Жозефины», первой жены Наполеона Бонапарта. Франсуа Жерар.

В моде высокие прически с кудрями на висках, для украшения которых дамы часто используются нежные цветки, подчеркивающие легкость и женственность образов. В эти же десятилетия в женской моде появился по тем временам «диковинный зверь» — короткие стрижки а-ля римский император Тит, то есть с мелкими кудряшками. Из конкретно головных уборов носятся «восточные» тюрбаны, шляпки а-ля Памела и объемные чепцы родом все из тех же 1790-х.

Америка.

1828 – 1838

Эпоха ампира закончилась, но мода на утонченную женственность еще жива, и в это десятилетие писком моды являются пышные юбки, которые, кстати, стали короче – всего до щиколотки – и рукава-буфы, показывающие изящество плеч и шеи. Чаще появляются вечерние платья с открытыми плечами. Талия всё ещё завышена, но уже не так сильно, как в предыдущие тридцать лет, вырезы становятся скромнее, и только преимущественно светлая расцветка остаётся неизменной. Потихоньку входят в моду рюши и кружева.

Портрет Великой княгини Елены Павловны с дочерью Марией. Карл Брюллов, 1830.

«Всадница». Карл Брюллов, 1832.

Прически становятся больше, увеличивается количество кудрей, а пучки появляются самые разнообразные, для украшения прически дамы пользуются перьями страусов. Именно эти десять лет являются той «пушкинской эпохой», о которой столько сказано и написано.

Наталья Пушкина. Александр Брюллов, 1831-1832.

Принцесса Александрина Виктория и её спаниель Дэш. Джордж Хейтер, 1833.

1838 – 1851

С наступление сороковых в свои права вступает романтизм. Юбка становится ещё пышнее, на ней появляется множество складок. Корсет затягивается туже, и немолодые уже модницы с грустью вспоминают о своей ампирной безкорсетной юности. В моду окончательно входят открытые плечи. Платья наконец становятся цветными, очень часто – даже темными, белый теперь надевают только на свадьбу (или выпуск из института), да и прочие светлые цвета оставлены исключительно  для торжественных случаев. В начале десятилетия в моду входят шали и национальные платки, прикрывающие нижнюю часть юбки. Изредка встречаются платья с кринолином.

Великая княжна Александра — на мой взгляд, истинный символ своей эпохи. Портрет Владимира Гау, 1840-е.

Александра Николаевна. 1843-1844.

В Англии 1838 год ознаменовывается вступлением на престол королевы Виктории, которая в ближайшие десять-двадцать лет сильно повлияет на моду в Европе. Благодаря её вмешательству из женского гардероба исчезнут огромные шляпы, чепцы станут скромнее. В моду входят прически с гладкими прядями, кудри остаются приданьями старины. Одно из новых веяний – прическа а-ля Клотильда, с косичками около ушей, которая становится популярна благодаря всё той же Виктории, избравшей именно её для своей коронации.

Коронационный портрет королевы Виктории. Джордж Хейтер.

1851 – 1867

В моде окончательно укореняются кринолин и шали на восточный манер. В журналах появляются не только взрослые, но и детские модели платьев. Светлые цвета почти полностью уходят в небытие, используются клетчатая и даже полосатая материи, а для пошива однотонных платьев берут в основном ткани темных цветов, белый же вне свадеб теперь можно встретить только на некоторых «официальных» портретах принцесс. Постепенно наряды «обрастают» всё большим количеством рюш, кружев и цветочков. Не брезгуют дамы и бахромой. Ближе к концу 1850-х в доступе наконец-то появляются искусственные красители и платья вновь обретают цвета.

Принцессы Александра и Дагмара Датские. Франц Винтерхальтер, 1866. Размер кринолина нешуточный…

Приблизительно к 1860 году наступает «кринолиновый бум», подолы некоторых платьев в диаметре достигают 180см. Помимо того, теперь кринолин носят не только дамы из знати, но и вообще все хоть сколько-нибудь обеспеченные женщины. В середине 1860-х изобретаются платья со сменными лифами: днем женщина носит что-то закрытое, а вечером к той же юбке надевает верх с открытыми плечами и руками. 

Платье со сменным лифом. 1860-е.

Шляпки в эту эпоху становятся совсем незначительными, прически чем-то напоминают древнегреческие, волосы украшаются диадемами и гирляндами цветов. Стоит отметить, что уже к середине шестидесятых вечерние укладки обязательно открывают шею, переплетения волос становятся гораздо сложнее. Также эту эпоху от предыдущих отличает преднамеренная асимметрия в прическах.

Исабель Альварес Монтес, герцогиня Кастро. Федерико де Мадрасо и Кунц.

1867 – 1878

Кринолин постепенно сменяется кринолеттом, просуществовавшим не слишком долго, а затем и турнюром. И тот, и другой увеличивают фигуру в области ягодиц, спереди же юбка становится более узкой (с кринолеттом это не слишком заметно, с турнюром – куда заметнее). Рукава тоже сужаются, а вот обилие деталей остается все тем же. Периодически встречаются аляповатые платья, в которых намешано ужасное количество разных украшений, тканей и орнаментов. 

В моду снова входят более темные цвета, причем чаще всего почему-то используется синий. Вырезы – достаточно большие, нередко – квадратные. Снова начинают использоваться шлейфы, каблук под платьем становится выше.

Императрица Мария Фёдоровна. 1870-е.

В прическах древнегреческие мотивы сменяются средневековыми, появляются первые посылы к тем укладкам, которые будут модны в следующем десятилетии.

1878 – 1891

Популярность турнюров все набирает обороты, теперь их можно встретить даже в детских платьицах. Силуэты модниц окончательно становятся вытянутыми, строгими и узкими спереди, где юбка сужается до смехотворной ширины, но турнюр сзади наоборот увеличивается. Декольте, открытые плечи и даже короткий рукав становятся допустимыми только в вечерних платьях, дневные же скрывают кожу женщины от подбородка до самых кистей рук. И снова в моде темные оттенки…

Турнюры в женской и детской моде. 1886.

Прически этой эпохи очень сложные, для их создания нередко пользуются накладными локонами, часто встречаются короткие кудрявые челки. Сзади волосы укладываются петлями или косами.

Парижская мода. Лето 1888 года.

1891 – 1901

Из моды наконец выходят турнюры, постепенно уменьшавшиеся к концу 1880-х. Им на смену приходят юбки-колокольчики, свободно спадающие и расширяющиеся к низу. Вполне возможно, что целое поколение великосветских дам, с детства носивших турнюры, были удивлены тем, что и без них можно выглядеть женственно, элегантно и изящно. Но радоваться рано. На смену турнюрам приходит другая, тоже диковатая мода – на рукава в стиле «баранья ножка», широкие у плеч, но сужающиеся к локтю. Количество мелких деталей тоже уменьшается. Неизменным в начале десятилетия остается туго затянутый корсет, однако к концу 1890-х и эта мода потихоньку начнет исчезать.

Женский свитер середины 1890-х.

Бальные платья 1895 года.

Прически, как и платья, становятся проще. Мир приближается к переломным десятилетиям XX века, когда женщины наконец получат многие желанные свободы. Как ни странно, одна из самых модных в 1890-х укладок – простой, в некоторых случаях даже слегка небрежный пучок на макушке.

Цесаревич Николай и Алиса Гессен-Дармштадтская. Платье будущей императрицы — отличный пример того, как одевались в девяностые XIX века.


Все тексты в блоге моего авторства, иллюстрации взяты со свободных ресурсов интернета, из источников, не указывающих своих авторских прав (если иное не указано под иллюстрацией). При копировании прошу указывать ссылку на мой блог.

Стиль винтаж в женской одежде 1900

Содержание ↷

Прошлый век – это время кринолинов, турнюров, «полонеза», доломана, обильных рюшей и оборок всевозможных видов. Следующий за ним век, самый разгар эпохи красавиц (прекрасная эпоха), отличается простотой и здравым смыслом, и хотя детали по-прежнему тщательно проработаны, вычурная отделка платья и неестественные линии постепенно отходят на второй план. Эта тяга к простоте стала еще сильнее с началом Первой Мировой Войны, которая явно провозгласила два главных принципа женского платья – свободу и удобство ношения.

Прекрасная эпоха – время роскоши

Дом моды Redfern Galerie de vente, Париж 1910

В 1900-х г.г., если вы являлись изысканной молодой английской дамой, принадлежащей к элите общества, вам полагалось дважды в год совершать паломничество в Париж вместе с другими такими же женщинами из Нью-Йорка или Санкт-Петербурга.

В марте и сентябре можно было заметить группы женщин, посещающих студии на rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix , rue Taitbout и Вандомской площади.
В этих, часто тесных магазинчиках, с лихорадочно работающими в задних комнатах швеями они встречались со своим личным продавцом, которая помогала им выбрать гардероб на следующий сезон.

Эта женщина была их союзником и знала все самые темные секреты их жизни как личные, так и финансовые! Выживание таких ранних домов моды всецело зависело от их могущественных клиенток, а знание их маленьких секретов помогало им в этом!

Дом моды Worth Salon-de Vente -1910 г

Вооруженные копиями «Les Modes», они просматривали последние творения великих кутюрье, таких как Пуаре, Ворт, сестры Калло, Жанна Пакен, Мадлен Шерюи и других, чтобы придумать гардероб, который бы затмил гардеробы не только друзей, но и врагов!

Прошли десятилетия, и эти ужасные журнальные изображения статичных женщин, где виден каждый шов и каждый стежок, были вытеснены более свободным и плавным стилем «Ар Нуво», где использовались новые фотографичные методы изображения.

Вместе с продавцом женщины выбирали гардероб на следующие шесть месяцев: нижнее белье, домашнюю одежду, платья для прогулок, варианты чередования в одежде, костюмы для путешествий на поезде или в машине, вечерние наряды для праздного времяпрепровождения, наряды для особых случаев, таких как Аскот, свадьба, посещение театра. Список можно продолжать бесконечно, здесь все зависело от размера вашего кошелька!

Гардероб дамы эдвардианского периода (1901-1910 г)

Начнем с нательного гардероба. Он состоял из нескольких предметов нижнего белья – дневная и ночная сорочки, панталоны, гольфы и нижние юбки.

Женщины начинали свой день с выбора комбинации, затем надевали s-образный корсет, поверх которого шел лиф-чехол.

Далее шел дневной ансамбль. Обычно это была утренняя одежда, выполненная в строгом стиле, которую можно было носить при встрече с друзьями или при совершении покупок. Как правило, она состояла из аккуратной блузки и клинообразной юбки, в прохладную погоду сверху надевался жакет.

Возвращаясь к ланчу, необходимо было быстро переодеться в дневной наряд. Летом это всегда была какая-либо колоритная одежда пастельных цветов.

К 5 часам вечера можно было, что с облегчением и делалось, снять корсет и надеть чайный наряд для отдыха и приема друзей.

К 8 часам вечера женщину снова затягивали в корсет. Иногда нижнее белье менялось на свежее. После этого шел черед вечернего платья для дома или, при необходимости, для выхода в свет.

К 1910 г. такие платья стали претерпевать изменения под влиянием работ Поля Пуаре, чьи атласные и шелковые наряды, навеянные восточными мотивами, стали очень популярны среди элиты. Большим хитом 1910 г. в Лондоне стали дамские шаровары в качестве костюмированного вечернего наряда!

В течение дня необходимо было также, по крайней мере, дважды в день менять чулки – хлопковые – для ношения днем – вечером менялись на красивые вышитые шелковые чулки. Нелегко было быть женщиной эдвардианского периода!

Эдвардианский силуэт – мифы и реальность.

1900 — 1910 г.г.

До 1900г. каждая дама из высшего общества – с помощью своей служанки – была вынуждена ежедневно затягивать себя в тесные корсеты, затрудняющие дыхание, как делали ее мама и бабушка. Для женщины это было очень болезненно! Определенно, продажа нюхательной соли была очень прибыльной в ту эпоху.

Целью корсета [если верить иллюстрациям] было вытолкнуть верхнюю часть тела вперед, как у голубя, а бедра отвести назад. Однако, Мэрион МакНили, сравнивая иллюстрации с фотографиями женщин 1900-х г.г. в их повседневной жизни, предположил в «Foundations Revealed», что реальной целью s-образных корсетов была демонстративно прямая осанка, созданная для того, чтобы подчеркнуть изгибы бедер и груди посредством отведения назад плеч, в результате чего грудь приподнималась, а бедра округлялись.

Мое мнение по данному вопросу следующее: существует тенденция, как и на современных модных иллюстрациях, чересчур подчеркивать линии. Сравнение представленной выше картинки дома мод Lucille от 1905 г. с красивой естественной фотографией молодой женщины из Лондона, сделанной Эдвардом Самбурном, доказывает тот факт, что женщины не затягивали корсеты слишком сильно!

Скорее всего, это была идеализированная версия женщины эдвардианской эпохи того времени, популяризованная с помощью иллюстраций Чарльза Даны Гибсона, и открыток с девушкой Гибсона Камиллой Клиффорд, в результате чего у нас сформировалось крайне утрированное впечатление о женских формах эдвардианской эпохи.

Мода в платьях – 1900 – 1909 г.г.

Женщины стали носить жакеты в строгом стиле, длинные юбки [подол немного приподнят], полусапожки на высоком каблуке.
Силуэт постепенно стал меняться с s-образного в 1901 г. на линию ампир к 1910 г. Типичными цветами одежды на каждый день для женщины эдвардианского периода было сочетание двух красок: светлый верх и темный низ. Материал – льняное полотно [для бедных], хлопок [для среднего класса] и шелк и качественный хлопок [для высшего класса].

Что касается деталей, в Прекрасную Эпоху кружевные оборки сигнализировали о социальном статусе женщины. Многочисленные оборки на плечах и корсаже, а также аппликации на юбках и платьях.

Несмотря на запрет на ношение корсетов, женщины, особенно из нового среднего класса, стали ощущать большую социальную свободу. Стало вполне нормальным для женщин совершать путешествия за границу на велосипедах – например, в Альпы или Италию, что прекрасно запечатлено в мелодраматической картине «Комната с видом», снятой по книге Э.М. Форстера, которую он опубликовал в 1908 г.

Популярная повседневная одежда состояла из белой или светлой хлопковой блузы с высоким воротником и темной клинообразной юбки, начинающейся под грудью и спускающейся вниз до лодыжек. Некоторые юбки также вшивались в корсетное изделие от талии до места под грудью. Такой стиль: простая спортивная блузка и юбка – впервые появился в конце 1890-х г.г.

Часто на юбках существовал один-единственный шов, в результате чего даже самые безнадежные фигуры приобретали приятную стройность!

Юбки и платья шились в пол, но так, чтобы женщинам удобно было забираться в повозки. К 1910 г. подол стал короче и заканчивался немного выше лодыжки. Первоначально в силуэте блузок присутствовали объемные плечи, но к 1914 г. они значительно сократились в объеме, что, в свою очередь, привело к большей округлости бедер.

К 1905 г. с возрастающей популярностью автомобилей женщины, следящие за модой, стали осенью и зимой носить манто или полудлинное пальто. Такие пальто были очень модными, они шли от плеча и заканчивались ниже талии, что в длину составляло примерно 15 дюймов. В таком наряде, да еще в новой короткой юбке, которая даже не доходила до лодыжек, женщина выглядела очень смело! Если на улице было сыро или шел снег, сверху можно было накинуть пыльник, чтобы уберечь одежду от грязи.

Послеобеденное платье, несмотря на то, что было выполнено в различных пастельных оттенках и с многочисленной вышивкой, по-прежнему оставалось достаточно консервативным в 1900-х г.г., так как его надевали для посещения официальных обедов, на встречи и консервативные женские собрания – здесь дресс-код находился под влиянием женщин с викторианскими взглядами на жизнь!

Чайные платья, в которые женщины, если они находились дома, обычно облачались к 5 часам вечера, были превосходны: как правило, они были выполнены из хлопка, белые и очень удобные. Это было единственное время для женщины эдвардианской эпохи, когда она могла снять корсет и дышать нормально! Женщины часто встречали и развлекали друзей в платье для чая, ведь можно было позволить себе быть крайне неформальной!

В Британии эдвардианского периода женщинам предоставлялась возможность продемонстрировать свои самые лучшие наряды из Парижа во время Лондонского сезона, проходящего с февраля по июль. Начиная с Ковент Гардена, королевских приемов и частных балов и концертов, и заканчивая скачками в Аскоте, элита общества демонстрировала свои самые последние, самые лучшие и самые худшие наряды.

Вечерние платья в эдвардианский период были вычурными и вызывающими, с глубоким вырезом, который открыто демонстрировал грудь женщины и ее украшения! Вечерние платья в 1900-х г.г. шились из роскошного материала. К 1910 г. женщины стали уставать от крупных вечерних платьев, особенно это касается француженок, которые решили отказаться от шлейфов на платье и перешли на стиль ампир от Пуаре, навеянный «Русскими Сезонами».

В 1909 г., когда эдвардианский период уже подходил к концу, возникла странная мода на узкие юбки с перехватом ниже колен, чей приход также причисляют к Полю Пуаре.

Такие узкие юбки сильно стягивали колени женщины, что затрудняло движение. В сочетании с все более популярными широкополыми шляпами [в некоторых случаях их размер доходил до 3 футов], получившими свою популярность благодаря Люсиль – основной конкурентки Пуаре из Америки, начинало казаться, что мода перешла все грани разумного к 1910 г.

Прически и дамские шляпы в эдвардианский период 1900 – 1918 г.г.

Модные журналы того времени стали уделять огромное внимание прическам. Самыми популярными тогда считались кудри, завитые щипцами в стиле «Помпадур», так как это был один из самых быстрых способов укладки волос. В 1911 г. 10-минутная прическа «Помпадур» становится самой популярной!

На таких прическах хорошо держались удивительно большие шляпы, которые затмевали прически, к которым они были приколоты.

К 1910 г. прически в стиле «Помпадур» постепенно сменились на «Низкий Помпадур», которые, в свою очередь, с наступлением Первой Мировой Войны превратились в простые низко уложенные пучки.

Чтобы использовать преимущества данной прически, шляпки стали носить ниже, прямо на пучке, ушли широкие поля и яркие перья предыдущих лет. Нормы военного времени не одобряли подобных вещей.

«Русские Сезоны» 1909 г. – Ветер Перемен

К 1900 г. Париж был мировой столицей моды, а дома моды Worth, Callot Soeurs, Doucet и Paquin входили в список лидирующих имен. Высокая мода или от-кутюр — так называлось предприятие, использующее самые дорогие ткани для продажи их влиятельной элите Парижа, Лондона и Нью-Йорка. Однако стиль оставался прежним – линии Ампир и стиль Директории – высокая талия и прямые линии, пастельные краски, такие как зеленоватый цвет нильской воды, бледно-розовый и небесно-голубой, напоминающие чайные наряды и вечерние платья элиты общества.

Пришло время перемен. Этому предшествовали следующие события: влияние стиля «Ар Деко», возникшего из модернистского движения; наступление «Русских Сезонов», впервые прошедших в 1906 г. в форме выставки, организованной их основателем Сергеем Дягилевым, феноменальные выступления Русского Императорского Балета 1909 г. с их роскошными костюмами, навеянными востоком и созданные Леоном Бакстом.

Шаровары танцора Нижинского вызвали огромное удивление среди женщин, а мастер оппортунизма Поль Пуаре, рассмотрев их потенциал, создал гаремную юбку, которая на некоторое время стала очень популярной среди молодежи из британского высшего класса. Пуаре, возможно, под влиянием иллюстраций Бакста 1906 г. почувствовал необходимость в создании более выразительных иллюстраций для своих творений, в результате чего он привлек неизвестного тогда иллюстратора Поля Ирибо, работающего в стиле «Ар Нуво», для иллюстрирования своей работы «Платья Поля Пуаре» в 1908 г. Невозможно переоценить то влияние, которое эта работа оказала на возникновение моды и искусства. После этого два этих великих мастера работали вместе в течение двух десятилетий.

Возникновение современной моды – 1912 – 1919 г.г.

К 1912 г. силуэт приобрел более натуральные очертания. Женщины стали носить длинные прямые корсеты в качестве основы для плотно облегающих дневных нарядов.

Как ни странно, короткое возвращение в прошлое в 1914 г. было просто ностальгией: большая часть домов моды, включая дом моды Пуаре, представили временные стильные решения с турнюрами, обручами и подвязками. Однако желание перемен было уже не остановить, и к 1915 г. в разгар бушующей кровавой войны в Европе сестры Калло представляют совершенно новый силуэт — не окольцованную женскую сорочку поверх прямого основания.

Другим интересным нововведением в первые военные годы стало появление блузы, совпадающей по цвету – первый шаг на пути к повседневному стилю, которой было суждено стать главным элементом женского костюма.

Коко Шанель обожала женские сорочки или платья покроя «рубашка» и благодаря своей любви к популярной американской куртке или матросской блузе [блуза свободного покроя, подвязанная поясом] – она адаптировала джемпера, носимые моряками в популярном приморском городке Довиль (где она открыла новый магазин), и создала женский кардиган с выразительными ремнями на каждый день и карманами, который стал предвестником модного образа 1920 г. за 5 лет до того, как это стало нормой.

Как и Шанель, другому дизайнеру Жанне Ланвин, которая в данный период специализировалась на одежде для молодых женщин, также нравилась простота женской сорочки, и она приступила к созданию летних платьев для своих клиенток, которые возвестили уход от ограничивающих движение платьев.

Начало Первой Мировой Войны в 1914 г. не положило конец международным показам парижских коллекций. Но, несмотря на попытки редактора американского журнала «Vogue» Эдны Вулман Чейз организовать благотворительные мероприятия в помощь модной французской индустрии, Париж был вполне оправданно обеспокоен тем, что Америка, будучи конкурентом Парижа, намерена тем или иным способом извлечь выгоду из создавшейся ситуации. Если вам повезло иметь модные французские винтажные периодические издания того времени, такие как «Les Modes» и «La Petit Echo de la Mode», обратите внимание на то, что в них редко можно найти упоминание о войне.

Тем не менее, война шла повсюду, и женские платья, как и в 1940-х г.г., по необходимости, стали более военными.

Одежда стала разумной – куртки строгих линий, даже теплые полушинели и брюки приобрели особые женские очертания, если их носили женщины, которые помогали на войне. В Британии женщины присоединялись к добровольческим медицинским отрядам и состояли в службе медицинских сестер СВ. В США существовал резерв женского вспомогательного состава МП, а также специальные женские батальоны.

Такие военные группы были предназначены для женщин высшего класса, женщины же из рабочего класса в разных странах, особенно в Германии, трудились на военных заводах. В результате такой встряски социальных классов, когда бедные и богатые, мужчины и женщины все вместе, как никогда раньше, выросло такое явление, как эмансипация в женском платье.

1915 — 1919 г.г. – Новый силуэт.

Это было время фигуры в стиле «Ар Нуво»

Теперь акцент в женском белье делался не на придание форм женской фигуре, а на ее поддержку. Традиционный корсет превратился в бюстгальтер, который теперь стал незаменим для более физически активной женщины. Первый современный бюстгальтер появился благодаря Мэри Фелпс Джейкоб, это свое творение она запатентовала в 1914 г.

На смену традиционному лифу пришла мода на завышенную талию, подвязываемую красивым широким поясом-шарфом. Использовались такие ткани, как натуральный шелк, лен, хлопок и шерсть, также стал применяться искусственный шелк – саржа, габардин (шерсть), органза (шелк) и шифон (хлопок, шелк или вискоза). Благодаря молодым дизайнерам, таким как Коко Шанель, в жизнь стали входить такие материалы, как джерси и деним.

В 1910г. появился горизонтальный взгляд на дизайн платьев. В качестве альтернативы использовались вертикальные накидки, такие как популярные куртки-кимоно от Пуаре, которые надевались поверх комплекта из жакета и юбки строгих линий. Подол повседневной одежды находился на уровне немного выше лодыжки; традиционная длина в пол у вечернего платья начала немного приподниматься с 1910 г.

К 1915 г. вместе с появлением юбки-клеш (известной также как военный кринолин), сокращением длины одежды, а, следовательно, и с появлением видимой теперь обуви стал проявляться и новый силуэт. Обувь на шнуровке и с каблуком стала приятным дополнением моделей на зиму – бежевые и белые цвета присоединились к обычно черным и коричневым краскам! С развитием военных действий из коллекций стали исчезать вечерние платья, а также одежда для чая.

Аннет Келлерман – революция в купальниках

Дизайны купальников эдвардианского периода привели к свержению общественных нравов, когда женщины на пляже стали демонстрировать свои ноги, хоть и облаченные в чулки.

Если не принимать во внимание австралийцев, особенно австралийскую плавчиху Аннет Келлерман, которая, в некотором роде, произвела революцию в купальниках, то нужно отметить, что купальные костюмы менялись постепенно с 1900 по 1920 г.г.

Келлерман вызвала настоящий переполох, когда по прибытии в США она появилась на пляже в плотно облегающем тело купальнике, в результате чего она была арестована в Массачусетсе за непристойное обнажение. Суд над ней стал поворотным моментом в истории купального костюма, а также помог избавиться от устаревших норм, в результате которых она была заключена под стражу. Она создала образ для красоток в купальниках от Max Sennett, а также стандарты для сексуальных купальников от Jantzen, которые появились позднее.

Рождение образа платья-чарльстон

Трудно точно определить, когда появился стиль платья девчонки-сорванца с низкой талией, ставший нормой к 1920 г. Здесь притягивает внимание образ матери и дочери, созданный Жанной Ланвин в 1914 г.

Внимательно посмотрите на маленькое прямоугольное платье дочери с заниженной талией, и вы узнаете образ платья-чарльстон, которое будет доминировать лишь несколько лет спустя!

Черный цвет был стандартным цветом во время Первой Мировой Войны, и миниатюрная Коко Шанель решила взять максимум от него и других нейтральных красок, а также от моделей одежды военного времени, а благодаря любви Шанель к простоте и было создано платье-рубашка с поясом на низкой талии, модели которого были продемонстрированы в «Harpers Bazaar» в 1916 г.

Эта ее любовь к более спортивным и повседневным платьям начала быстро распространяться от приморского городка Довиль, где она открыла магазин, в Париж, Лондон и дальше. В издании « Harper’s Bazaar» 1917 г. было замечено, что имя Шанель просто не сходит с уст покупателей.

Звезда Поля Пуаре начала тускнеть с наступлением войны, и когда он вернулся в 1919 г. с многочисленными красивыми моделями в новом силуэте, его имя уже не вызывало такого восхищения. Случайно столкнувшись с Шанель в Париже в 1920 г., он спросил у нее:

«Мадам, по кому вы носите траур?» Шанель носила свои фирменные черные цвета. Она ответила: «По вам, мой дорогой Пуаре!»

XVIII-XX веков. Кафтаны, кюлоты, сюртуки, фраки, пиджаки.

Вместе с порталом «Культура.РФ» вспоминаем, как менялся мужской облик на протяжении нескольких столетий.

Пышные наряды и щеголи-петиметры

Костюм Петра I. Повседневный кафтан, камзол. Полушелк, шерстяная ткань, льняная рубчатая ткань, бахрома. Начало XVIII в. Фотография: reenactor.ru

Мужской кафтан. XVIII в. Фотография: mylitta.ru

Костюм Петра I. Праздничный кафтан, камзол, штаны. Сукно, атлас, хлопчатобумажная байка, шелковая нить, вышивка. Рубеж XVII — XVIII вв. Фотография: reenactor.ru

Очень долгое время — до XVIII века — мужской костюм не уступал женскому в яркости и обилии декоративных деталей. Одежда той эпохи отличалась от современной, но основа мужского костюма из трех предметов сформировалась уже тогда. Сегодня это пиджак, жилет и брюки, а в XVIII веке — кафтан, камзол и кюлоты.

Кафтан, как правило, шили так, чтобы он плотно облегал торс до талии, а вот полы — длиной до колен были широкими. Просторными были и манжеты на длинных рукавах. Кафтан обходился без воротника, застегивали верхнее одеяние только частично или не застегивали вообще: под ним виднелся камзол. Он почти полностью повторял фасон кафтана, но обычно был без рукавов.

Кюлоты — так их называли во Франции — короткие штаны, прерогатива людей знатных и состоятельных. Во времена Великой французской революции восставших простолюдинов называли «санкюлотами», то есть «безкюлотными»: они носили длинные брюки, в которых было удобно работать.

Повседневные мужские костюмы шили из шерсти и сукна, парадные — из бархата, шелка, атласа. Почти все детали кафтана и камзола портные старались подчеркнуть декором — вышивкой, золотыми и серебряными галунами, а манжеты и воротник сорочки отделывали кружевами.

Под камзол мужчины, как и женщины, надевали сорочку. В то время она играла очень важную гигиеническую роль, ведь нередко остальную одежду из дорогих тканей стирать было нельзя. Аристократы предпочитали сорочки из тонкого белоснежного полотна. С короткими штанами носили чулки, самыми нарядными также считались белые.

Большое внимание европейские аристократы уделяли не только одежде, но и обуви, аксессуарам. Туфли на высоких по современным меркам каблуках украшали пряжками. Сапоги тоже носили, но реже: они были обувью для поездок, путешествий и охоты. На голову надевали парик, обильно посыпанный пудрой. Самый популярный его тип — искусственная прическа с туго завитыми локонами по бокам и хвостом, прихваченным черным бантом. Поддерживать парик чистым и ухоженным было сложно, однако все равно проще, чем если бы приходилось укладывать собственные длинные волосы. Завершали костюм шляпа-треуголка, длинный плащ и множество декоративных деталей: перчатки, табакерка, трость, перстни и прочие украшения. Сборы для выхода в свет у тогдашнего щеголя, или, как их называли во Франции, «петиметра», отнимали немногим меньше времени, чем у дамы.

«Великий мужской отказ» и денди

Мужской костюм. Фрак. XVIII в. Фотография: letopis.info

Мужской костюм. XVIII в. Фотография: costumehistory.ru

Мужской костюм. Сюртук. Начало XIX в. Фотография: foto-basa.com

К концу XVIII века модная одежда стала и проще, и удобнее. Хотя законодателем моды в ту эпоху была Франция, в области мужского костюма эта роль постепенно перешла к Англии. В отличие от французских аристократов, которые в основном проводили время при королевском дворе, английские джентльмены большую часть года жили в своих загородных поместьях, а самыми популярными развлечениями были скачки и охота. Это требовало соответствующего костюма. Мужчины начали носить сюртуки — одеяния вроде кафтанов, но простые и свободные. Они были оснащены и воротником, и застежками — удобная защита от непогоды.

Позже в моду вошел фрак — разновидность сюртука со срезанными полами. Со временем полы фрака становились все более узкими, и постепенно превратились в фалды. И на кафтанах, и на сюртуках, и на фраках сзади обязательно делали разрез, чтобы удобно было ездить верхом. Под фрак надевали не длинный камзол, а короткий жилет, который уже очень напоминал современный. И постепенно костюм для активного образа жизни превратился в элегантный городской.

Силуэт костюма менялся в целом: он становился все более вытянутым. А вместе с ним менялись и идеалы мужской красоты. Предметом гордости теперь становилась стройная и подтянутая фигура.

В конце XVIII века мужчины отказались от парчи и шелка и стали носить лишь шерстяные и суконные одеяния. Ушли в прошлое и роскошная отделка, и кружева на сорочках, и пудреные парики, и треуголки. Вскоре «отменили» и короткие штаны — их, как и белые чулки, стали надевать только в самых торжественных случаях, например на бал. В повседневной жизни перешли на длинные штаны: сначала узкие облегающие панталоны, а затем и привычные нам сегодня брюки. Это было время, которое иногда называют «великим мужским отказом» — отказом от пестрого костюма.

Читайте также:

Сначала в Англии, а затем и в остальной Европе, зародился дендизм — культурный канон, который включал в себя и костюм, и манеру поведения. Денди отличались сдержанностью и изысканной лаконичностью наряда. Былую роскошь сменил минимализм. Но каждая деталь элегантного костюма — цвет жилета, ткань сорочки, узел галстука — была тщательно продумана. При этом выглядеть полагалось непринужденно, как будто подбор костюма не стоил его хозяину никаких усилий. Знаменитая пушкинская строка «быть можно дельным человеком и думать о красе ногтей» говорит о такой важной составляющей жизни денди, как уход за собой. Холеный, идеально выбритый, в безукоризненно белоснежной сорочке, стройный — вот образ, к которому стремились мужчины первой четверти XIX века.

В XIX веке мужской костюм менялся медленно, важную роль в нем играли именно детали. Фрак стал самым главным предметом гардероба, уместным в любой ситуации. Со временем изменялась ширина лацканов, линия плеча и длина фалд, но в целом он оставался все тем же. Кроме сюртуков и фраков мужчины стали носили визитки — нечто среднее между двумя этими одеяниями. Самым модным головным убором больше чем на полвека стал цилиндр. А забавное слово «шапокляк», знакомое многим с детства, на самом деле означает особый цилиндр со скрытой пружиной. Высокий головной убор можно было сложить, чтобы он не мешал, когда мужчина входил в помещение. Единственно относительно ярким предметом в гардеробе оставались жилеты. Сшитые из бархатных или шелковых тканей, в том числе узорчатых, они контрастировали с темными фраками и светлыми брюками. Способов завязывания галстука существовало неимоверное количество, и в моде были то одни, то другие.

Сдержанная классика и «изящные мужчины»

Мужской костюм. 2-я пол. XIX в. Фотография: mir-kostuma.com

Мужской костюм. 2-я пол. XIX в. Фотография: mir-kostuma.com

Мужской костюм. 2-я пол. XIX в. Фотография: mir-kostuma.com

К 1840-м годам фрак начал переходить в разряд парадного, вечернего костюма, а повседневной одеждой стал более удобный сюртук. Еще через десять лет его начал вытеснять пиджак. Постепенно функциональность одежды брала вверх и формировался мужской костюм, аналогичный современному. «Героем времени» становился деловой человек, для которого главным было удобство. С середины XIX века из мужского костюма окончательно исчезли нарядные ткани. Даже жилеты теперь стали сдержанными, их шили обычно под цвет брюк. Появился костюм-тройка, в котором все три предмета сшиты из одного материала. Воротнички рубашек, прежде высокие и неудобные, снизились, а галстуки, которые до того были шейными платками, превратились в узкие полоски ткани. Изменилась и верхняя одежда: вместо объемных накидок и плащей в моду вошло пальто. Цилиндры еще носили, но с появлением котелка — шляпы с округлой, очень жесткой тульей — они стали принадлежностью исключительно вечернего туалета. Словом, сложилась та система повседневного и вечернего костюма, которая существует и по сей день.

Со временем одежда становилась все более свободной, ведь на нее, помимо прочего, начал влиять спорт. Мужчины принялись носить укороченные брюки, блейзеры, куртки, твидовые пиджаки, мягкие касторовые шляпы и соломенные «канотье». Появился смокинг как вид вечернего костюма.

Сформировавшись, базовый мужской гардероб менялся медленно: классический костюм стал достаточно удобным, его покрой хорошо маскировал недостатки фигуры. К тому же он был практически универсален — костюм могли носить и скромные чиновники, и аристократы.

Фабрики готовой одежды сделали модную современную одежду более доступной и распространенной. Поэтому щеголям рубежа XIX и ХХ века приходилось еще тщательнее продумывать детали своего костюма, чем петиметрам и денди. Существовало множество нюансов, что и в какой ситуации уместно надеть. Выходили даже специальные статьи и издания с наставлениями вроде «Настольной книги изящного мужчины». Однако и в начале ХХ века мало было прочесть ее и заказать портному хороший гардероб — без таланта и вкуса или положения в обществе было не обойтись.

И хотя кажется, что с тех пор многое изменилось, современный мужчина, если только соглашается взглянуть на моду серьезно, может найти немало общего между собой и модниками прошлого.


История мужского костюма: от XVIII до начала XX века

Автор: Марьяна Скуратовская

мода конца 18-начала 19 веков

Думала просто  повыкладывать фотографии с выставки Васильева («Мода в зеркале истории») из зала 19 века,а потом поняла что интереснее будет все-таки добавить  немного истории костюма.

 итак,мода на рубеже 18 и 19 столетий и первых двух десятилетий 19-го.

к началу 19 века Франция стала мировым лидером не только в политике,но и в искусстве.эталоном для подражания стала Римская империя,благодаря имперским амбициям французов и раскопкам в  Помпеях.

волна увлечением стилем ампир (от фр.empire-имперский) охватила весь мир.

Россия в правление Александра 1-го ,убаюканная патриархальным устоем,»спала».

русская аристократия во всем подражала Франции:говорила и одевалась по-французски.

но если в женской моде законодателем была Франция,то в мужской моде-Англия.античная идея в мужской моде провалилась.придворные щеголи вообще перестают украшать себя лентами,кружевами,перьями.драгоценностями и мушками.

вот что пишет о мужской моде тех лет Делеклюз в своих «Воспоминаниях за шестьдесят лет»:»аристократизмом в мужчине является талант,а в женщине красота.современные мужчины одеваются,а не наряжаются».

женщины же носят исключительно те наряды,которые подчеркивают их физические достоинства.

мужчины носят узкие,наглухо закрытые костюмы;женщины одеты в в легкие платья без сорочек.

мужчины носят сапоги с гвоздями,женщины-едва заметные туфельки без каблуков,с такой узенькой подошвой,что при малейшей сырости они не могут ходить пешком-недаром «Модный журнал для дам» за 1801 год утверждает:»нельзя быть модницей,не имея экипажа».

Давид,автопортрет.
художник во время работы в домашнем халате с белым жабо;ненапудренные волосы указывают на послереволюционную эпоху

творцами мужской моды были английские лорды,артисты и денди.
некий лорд Кэтогэн оказал влияние на всю Европу своей прической;лорд Спенсер-своим жилетом,а лорд Кэррик своим плащом с несколькими воротниками.
английский костюм для верховой езды переняли многие молодые поэты Германии,например,Гете,преобразовав его в светский костюм «редингот» (redingot)-который вскоре стал самой распространенной одеждой и в остальных странах Европы.

по поводу женского костюма журнал «Московский Меркурий» в 1803 году высказывается следующим образом:
«в нынешнем костюме главным почитается обрисовывание тела.если у женщины не видно сложения ног от башмаков до туловища,то говорят,что она не умеет одеваться или хочет отличаться странностью.когда  нимфа идет,платье искусно подобранное  и позади гладко обтянутое.показывает всю игру мускулов ее при каждом шаге».
для создания таких нарядов требовались и особые ткани.
в этот период пользуются популярностью батист,муслин,тафта,креп и кисея.

законодательницами моды периода Директории(1795-1799) — так называемые «Merveileuses»-были Тереза Тальен,Жозефина Богарне(будущая императрица) и мадмуазель Ланж.

про светскую даму ,подругу Жозефины Богарне(Бонапарт),Терезу Тальен  журнал  «Зеркало Парижа» писал следующее:
«она имеет вид выходящей из ванны и нарочно показывает свои формы под прозрачными тканями»

Тереза на картине Давида

ей не уступала мадмуазель Ланж,французская актриса и куртизанка-она позировала художникам обнаженной и вообще всячески поддерживала эту новую моду,получившую название «а-ля соваж»(a-la sauvage-нагая)

мадмуазель Ланж в образе Венеры на картине Жирозе Триозона,1798 год

английская карикатура Джеймса Гилрея(1806 г) «Тереза Тальен и императрица Жозефина танцуют голыми перед Баррасом зимой 1797 года»(Бонопарт подсматривает справа)
***Поль Баррас-один из видных деятелей Великой Французской революции,был мужем Терезы Тальен

крой платьев напоминал рубашечный силуэт,созданный с оглядкой на античные пеплосы и хитоны.
под платья-туники надевали рубашку или трико телесного цвета,эта рубашка называлась «шмиз» («chemise»).

шмизы ,1800 год

карикатура:мужчина принимает даму,одетую по моде,за нищенку (что она стоит «в одной рубашке») и подает ей монету

карикатура «три грации»:намек на то,что далеко не всем шел новый свободный фасон платьев

в России моды «саваж» никогда не было,у дам на балах всегда присутствовали нижние юбки.

во Франции же период революционных вольностей сошел на нет когда Наполеон стал императором.
общий силуэт сохранился,но оголяться дамы стали меньше;декольте поползло вверх.
ближе к 1804 году платье становится закрытым до шеи,появляются рукава,а шлейф исчезает полностью.

однажды Наполеон,увидев молодую даму в очень смелом наряде,громко вызвал ее из толпы и сказал:»мадам,вы раздеты,идите и оденьтесь!»-на этом «голая мода»  ушла в прошлое.
также в период Империи вошли в моду тяжелые античные орнаменты,золотое шитье на шлейфах платье-их дизайн был разработан к коронации Бонапарта.

«посвящение императора Наполеона»

большой вырез платья,выходя на улицу.прикрывали пелериной.с легкими платьями надевали легкое кружевное манто на подкладке,которое застегивали спереди на крючки.также носили рединготы (пальто из легкой шерстяной  ткани прилегающего силуэта) и спенсеры(короткий жакет с длинными рукавами на утепленной ватной или меховой подкладке).
очень модными были шали,особенно кашмировые шали-они стоили целые состояния.также декольте прикрывали прозрачными косынками-«фишю».это был тонкий треугольный или сложенный  по диагонали квадратный платок из легкой ткани(муслина,батиста) или кружев,подчеркивавший шею и декольте.
появился в в одежде французских женщин нижних и средних слоев общества в 17-м веке.

Кристиан Галлагер «Элизабет Сьюл Солсбери»,1789 год.
светлый платок на шее-фишю

замужние женщины и женщины в возрасте носили боа.

прически были гладкие,с пробором посередине в подражание греческим и римским образцам.

портрет мадмуазель де РИвьер
эталонное платье ампир;прическа с пробором

А.Молинарти 1809
портрет В.Ф.Вяземской
прическа под названием «а-ля Титус»(или «Жертва»)-призвана была напоминать о казнях во времена Великой франц.революции1789 года.выбривались волосы на затылке,как это делал палач Самсон;женщины отрезали себе волосы на затылке до корней

Давид,портрет мадам Рекамье
она одета в шлиз,прическа-опять а-ля ТИт:легко завитые волосы придерживаются надо лбом лентой

рисунок из журанла «Журнал де дам»,1799 год.шмиз,который книзу расширяется до шлейфа,украшенного искусственными цветами.
прическа-«а-ля олландэз»(a la hollandaise)

сзади волосы убирают в пучки(«узел Психеи»)-из своих волос или из шиньона,закрепленного гребнями,шпильками,заколками или сетками.
лицо обрамляли локонами-плоскими,круглыми,спиральными и т.д.
на лоб  часто спускались челки

Боровиковский,1807 год.
портрет М.Ф.Барятинской
челка на лбу и волосы заколоты сзади

Жерар,портрет мадам Рекамье
шлиз из тонкой белой тканис большим вырезом,обнажающим плечи.платье дополняет шаль,заменяющая собой плащ.
волосы собраны в пучок с декоративной иглой «а-ля грек»

также голова украшалась диадемами и обручами,также использовались венки из искусственных цветов,колосьев и лавровых листьев.в период Директории были популярны парики(господствовал принцип:»утром светлый парик,вечером темный»)

из украшений очень популярны были браслеты на руках и ногах;ножные надевались на щиколотку и выше колена,ручные браслеты и кольца надевали поверх перчаток.
круглыми и овальными брошами закалывали модные кашмировые шали.
очень популярны были камеи-на какое-то время они затмили бриллианты и проч.
«теперь модные женщины носят камеи на поясах,в ожерельях,в каждом браслете,в диадеме»-писал модный журнал Jurnal des Dames в 1805 году.

Каролина и Элиза (сестры Наполеона) в камеях

корона Наполеона-старинные камеи.мода на резные камни усугубилась после его итальянской компании в 796 году

Гортензия Богарне в тиаре с камеями

а вот шляпы находятся в стороне от античной моды.головные уборы делались на восточный образец:тюрбаны,чалмы,»китайские шляпки»,на которые шли легкие муслиновые и шифоновые ткани,перевивая бусами и  укрепляя на них перья брошью,а также береты со страусовыми перьями.
также носили шляпы наподобие капора с большими полями спереди,отделывая их лентами и кружевом,подвязывая лентами под подбородком.

«Журнал де дам»1799 год;сельский чепчик украшенный тюлем-парижская мода конца 18 века

1797 год,рисунок из модного английского журнала-шляпа с широкой лентой в профиль закрывает лицо

рисунок из модного журнала,1803 год
шляпки и чепцы к выходным платьям

…ну а теперь-  экспонаты с  выставки Васильева:

платье дамское,хлопчатобумажная ткань 1810-е годы,Россия

платье-хлопчатобумажная ткань,Франция 1810-е годы
шаль-батист,вышивка;Франция 1810-е годы

платье с шалью
Россия,1810-е годы
атлас,отделка шелковыми полосами и шнуром в тон

платье с шалью
платье:муслин,вышивка «французским узелком»,Франция 1800-е годы
шаль:батист,вышивка гладью;Франция 1800-е годы

платье дамское:хлопчатобумажный батист,Россия 1800-е
кашемировая шаль,Россия 1800-е годы

веера ампир:

кость,шелк,вышивка блестками
Франция,1800-е годы

радикюль в форме ладьи:тисненый картон,шелк,стальные блестки
Франция,!800-е годы
гребень-диадема:латунь,искусственный жемчуг
Франция,1810-е годы

еще веера в стиле ампир:
кость,черепаха,шелк,вышивка,блестки
1800-1815 годы

веера и пудреница-табакерка

вот здесь получше видно:

пудреница-табакерка с миниатюрой
дерево,слоновая кость,акварель,металл

гребни-диадемы
латунь,золочение,хрксталь,искуственный  жемчуг
Фпанция 1810-е годы

радикюли:
(вышивка бисером,вязание льняной нитью;РОссия,Испания,Франция 1810-1820-е годы)

туфли бальные,атлас
Este,Париж 1810-е

лорнет:меиалл,стекло;1810-е

веер-опахало в стиле ампир;картон,гравюра,дерево
Франция,1800-1810-е

трубка-одноглядка:латунь,кость,перламутр
Франция,1810-е

женский портрет-миниатюра-дерево,слоновая кость,акварель,масло
Франция,1801810-е годы

столик для рукоделия:

дерево,резьба,фанеровка,лак
РОссия ,первая половина 19 века

зеркало настенное:дерево,лак,резьба
РОссия,первая половина 19 века

столик и часы
столик:дерево,мрамор,бронза,литье
Россия,конец 19 в

часы настольные со скульптурой античного бога:бронза,стекло,литье,золочение,эмаль цветная
Франция,начало 19 века

…ну а остальное с выставки выложу в следующих постах.

Fashion Photography — Concepts & Styles

Beginning of Fashion Photography

19

th Century Trends

К середине 1800-х годов некоторые коммерческие фотографы стали известны своей портретной фотографией, ориентированной на аристократических и модных женщин. развитие модной фотографии. Графиня ди Кастильоне Вирджиния Олдони, любовница императора Наполеона III и придворная знаменитость, стала, по сути, первой манекенщицей, когда в 1856 году она начала работать с фотографом Пьером Луи Пирсоном.Их сотрудничество (графиня, или Ла Кастильоне, как она была более известна, играла активную роль в разработке фотосессий, выборе театральных сценариев и нарядах для исполнения различных ролей) длилось четыре десятилетия и привело к созданию около 800 изображений, в том числе фотографий она лепила платье «Королева червей» на заказ. Другие знаменитости, такие как актриса Сандра Бернхардт и светская львица Гертруда Вандербильт Уитни, моделировали для нескольких фотографов, надевая одежду по последней моде.Таким образом, с самого начала Fashion Photography должна была поддерживать симбиотические отношения с портретной фотографией знаменитостей, которые продолжаются и по сей день.

Рождение манекенщицы (то есть манекенщицы, которая еще не была знаменитостью) можно проследить еще в 1853 году, когда французский дизайнер Шарль Фредерик Уорт нанял Мари Верне для эксклюзивного моделирования своей коллекции одежды. В конце 1890-х годов леди Дафф Гордон наняла несколько высоких статных женщин, чтобы они смоделировали свою одежду марки Lucille на серии модных парадов.А в начале 1900-х годов Жанна Пакуинн стала первым дизайнером, отправившим своих моделей на публичные мероприятия, и вместе с Полем Пуаре организовала модные парады с участием моделей своих собственных студий по всей Европе и США.

Эдвард Стейхен

В начале 20-го -го -го века Париж был ведущим центром дизайна одежды, и французские дизайнеры с энтузиазмом относились к творческому потенциалу модной фотографии. К 1910 году Жюль, Луи и Генри Сибергер, которые начинали свой бизнес как фотографы открыток, начали публиковать портреты аристократических и модных женщин в известных французских журналах.Примерно в то же время Люсьен Фогель, основавший два новых модных издания, La Gazette du Bon Ton и Les Jardin des Mode , призвал фотографа изобразительного искусства Эдварда Штайхена привнести свое творчество в модную фотографию. Штайхен принял вызов и в 1911 году сделал тринадцать изображений с модными дизайнами Поля Пуаре для журнала Art et Decoration . Как отметил историк фотографии Джесси Александер, вмешательство Стейхена «теперь считается первой современной фотографией.То есть фотографирование одежды таким образом, чтобы передать ощущение ее физического качества, а также их формальный вид, а не просто иллюстрировать предмет ».

The Rise of the Fashion Magazine

История моды журнал предшествовал 20 веку. Потенциальный прототип модных иллюстраций появился еще в 17 веке, когда в 1672 году Жан Донно де Виз основал Le Mercure galante . Публикации, такие как The Lady’s Magazine , публиковались в Великобритания между 1770 и 1818 годами также включала модные иллюстрации.Во Франции 19 изданий -го -го века, такие как Le Costume Francais и Journal des Dames et des Mondes , также содержали модные иллюстрации, но для их эффекта использовались гравюры, раскрашенные вручную. Дебютировав в 1867 году, Harper’s Bazaar стал первым американским модным журналом, а Vogue последовал вскоре после этого в 1892 году. Их появление совпало с технологическими достижениями, которые сделали возможным воспроизведение фотографий, а к 1890 году новые методы печати позволили печатать текст и фотография появятся на той же странице.Это событие повысило популярность модных журналов и радикально изменило формат ведущих женских журналов. Действительно, к началу 20-го -го -го века и с началом собственно современной фотографии Vogue стал ведущим модным изданием, а Harper’s Bazaar позиционировался как ведущий конкурент.

Vogue и Condé Nast

Это было, прежде всего, вдохновенное руководство, которое способствовало возникновению современного журнала о моде.В 1905 году Condé Nast купил Vogue и Vanity Fair и направил журналы на то, чтобы уделять больше внимания женской моде и фотографии. Он представил вдохновляющие инновации, такие как двухстраничный разворот, а позже и цветная фотография. Наст также назначил барона Адольфа де Мейера, известного своими фотографиями знаменитостей, первым главным фотографом журнала Vogue . Изображая гламурных женщин в композициях, подчеркивающих настроение и атмосферу, де Мейер установила эстетический стандарт для журнала.Однако именно назначение Стейхена в 1923 году домашним фотографом для Vogue и Vanity Fair , должность, которую он занимал в течение следующих пятнадцати лет, определило визуальный стиль обоих журналов. Используя резкость прямой фотографии, он создал неизгладимый образ шикарной современной женщины.

Harper’s Bazaar и Кармел Сноу

Harper’s Bazaar стал заметным новаторским модным брендом 1930-х годов.Модный редактор Vogue Кармел Сноу оставила Vogue в пользу Harper в 1932 году. Огромная личность — по слухам, она почти никогда не ела и не спала и действовала по привычке «три мартини-ланч» — Сноу взяла на себя эту задачу изобретать журнал заново. Рассматривая его как образец «хорошо одетых женщин с хорошо одетым умом», она создала характерный американский образ. В 1933 году она наняла венгерского фотожурналиста Мартина Мункачи для съемки выпуска купальных костюмов «Палм-Бич».Мункачи сфотографировал Люсиль Брокоу, бегущую вдоль пляжа Пайпинг-Рок на Лонг-Айленде, и, как заметил критик Harper Стивен Моаллем, полученный в результате боевой снимок «оказался определяющим для Bazaar [и вскоре] Bazaar был заполнен с изображениями женщин в движении и в мире «.

Заняв пост главного редактора в 1934 году, Сноу нанял динамичную команду, которая превратила журнал в глобальную силу. Известная модель и законодатель моды Диана Вриланд стала руководителем отдела моды, а Алексей Бродович — арт-директором журнала.Русский эмигрант, Бродович работал графическим дизайнером и театральным художником в «Русском балете» Сергея Дягилева, и его смелые динамичные проекты отражали эстетику модернизма. Луиза Даль-Вулф стала главным фотографом; ее цветные обложки моделей в залитой солнцем уличной обстановке отражали независимую и активную современную женщину. Как писала модный критик Шарлотта Коулз, Даль-Вулф и ее зоркий арт-директор русского происхождения [Бродович] оба стремились изгнать скучные черно-белые светские портреты, которые все еще доминировали в развивающемся мире модной фотографии.Вместо этого они хотели, чтобы изображения соответствовали их видению современной, раскрепощенной женщины — той, которая работала, путешествовала, танцевала, пила шампанское и жила с такой энергией, что соскочила со страницы ». Команда изменила модную фотографию для следующего два десятилетия, пока Луиза Даль-Вульф не покинула журнал в 1958 году, а Вриланд перешла в Vogue в 1962 году, где она была главным редактором до 1971 года.

Послевоенное возрождение

Следуя принципу «делать и исправлять» во время Второй мировой войны дизайнеры сознательно пытаются возродить женственность и гламур и возродить модную индустрию Франции.При финансовой поддержке Марселя Бруссака, производителя одежды и текстиля, Christian Dior в 1947 году запустил новую весенне-летнюю коллекцию, призванную, по его словам, «вернуть красоту, женственную одежду, мягкие округлые формы и пышные юбки».

Названный «New Look» руководителем Harper Кармел Сноу, женский «ребрендинг» достиг апогея десятилетие спустя с голливудским мюзиклом Funny Face (1957). В фильме Одри Хепберн исполнила роль современной книжной женщины (она предпочитает носить черные брюки и свитер), которая путешествует по джаз-клубам Монмартра в поисках философской беседы с отцом экзистенциализма Жан-Полем Сартром.Она не знакомится с Сартром, но увлекается модным фотографом, которого играет Фред Астер. Он медленно «ре-феминизирует» Хепберн (она с «забавным лицом»!), Которую он фотографирует в серии модных съемок в тени самых известных достопримечательностей Парижа. Персонаж Астера был смоделирован с Ричарда Аведона, который также работал советником и фотографом над фильмом (и сфотографировал Хепберн для культового плаката фильма), в то время как редактор отдела моды, которого сыграла яркая Кей Томпсон, был явно смоделирован с Дианы Вриланд.Дизайны Givenchy также сыграли ведущую роль в фильме «Новый взгляд» ведущего критика Памелы Хатчинсон, описавшего Funny Face как «ничто, если не показ мод». Музыкальная центральная часть фильма «Think Pink» (в исполнении Томпсона) содержит следующие слова:

Красный мертв, синий прошел,

Непристойный зеленый, табу коричневого

слива или мюсли

или шартрез!

Думай розовым! Забудьте, что Dior говорит «черный и ржавый»

Думайте о розовом! Кого волнует, что у New Look нет бюста.

Именно Диор (а не Живанши) стал ведущим домом моды и внес наибольший вклад в возрождение Парижа как мирового центра моды.Образ Dior стал настолько культовым, что продолжал оказывать влияние на более поздних дизайнеров, включая Миуччиу Прада, Вивьен Вествуд, Тома Брауна и Александра МакКуина. Тем не менее, в то время «New Look» подвергся критике со стороны некоторых женщин, которые сочли, что стиль в корсете и его акцент на мужских определениях женственности репрессивны. Коко Шанель была среди этих критиков: «Только мужчина, который никогда не был близок с женщиной, может создать что-то настолько неудобное», — жаловалась она.

Послевоенная эпоха также ознаменовалась появлением ведущих фотографов женской моды, в первую очередь Лилиан Бассман.Начав свою карьеру в качестве ассистента Алексея Бродовича, Бассман стала арт-директором Harper’s , где она была важным наставником Ричарда Аведона, Роберта Франка и Пола Химмеля. Обратившись к модной фотографии в 1947 году, она экспериментировала в темной комнате, используя техники отбеливания и ожога, а также печатая необычные материалы, чтобы создавать фотографии, которые, как отметила искусствовед Лиза Хостетлер, «запоминались своей эмоциональной атмосферой, импрессионистическим настроением и тонкостью изображения интимные жесты.«Индивидуалистический подход Бассман часто вступал в противоречие с коммерческими целями моды, и Кармел Сноу чувствовала себя обязанной напомнить своему сотруднику, что« вы здесь не для того, чтобы творить искусство, вы здесь, чтобы показывать пуговицы и банты ». фотография изобразительного искусства 1970-х годов, хотя ее работы выдержали несколько монографий и ретроспектив, в том числе в Гамбурге, Германия, в 2009 году.)

Концепции и тенденции

Мода и город

В 1947 году, приехав в Париж, чтобы сфотографировать Dior. «Новый взгляд» — фотография Ричарда Аведона резко изменилась в сторону фотожурналистского подхода, поскольку с этого момента он фотографировал моделей на городских улицах и на фоне линий горизонта.Как описал это искусствовед Колин МакДауэлл, Аведон «отошел от многолетнего традиционного способа фотографирования моды. […] Его фотографии были о действии. Что [он] сделал, так это привнес движение в некоторые из самых формальных вещей в одежде. мир и дать им дух, который сделал их интересными для молодых женщин — впервые в формальной моде […] Не будет преувеличением сказать, что именно Аведон сопоставил мастерский ход Диора со своим собственным мастерским ходом, который должен был сделать видимым возможности нового способа одевания.И он сделал это, американизировав свою презентацию ».

Фотожурналистический подход, который подчеркивал динамизм и спонтанность (а не студийный портрет), с энтузиазмом продвигался Александром Либерманом, арт-директором Vogue , и Алексеем Бродовичем на Harper’s . Фотожурналистика Доминировал в модной фотографии 1950-х годов и даже был воспроизведен в Funny Face (по совету Аведона). На новаторский подход Аведона повлиял Мартин Мункачи, венгерский фотожурналист, сделавший модного фотографа для Harper’s в 1930-х годах.В своем эссе «Думай, пока снимаешь» (1935) Мункачи написал: «Никогда не ставьте объекты в положение. Позвольте им двигаться естественно. Все современные фотографии — это снимки». И, как добавил искусствовед Колин Макдауэлл, добавив «движения в некоторые из самых формальных нарядов в мире», Аведон «сделал их интересными для молодых женщин».

The Swinging Sixties

В 1960-е годы мода стала менее формальной, поскольку молодежная культура требовала «модного» и «модного» образа. В моде шестидесятых годов использовались новые материалы, смелые цвета и стили, подчеркивающие свободу тела.В Лондоне три иконоборческих модных фотографа из рабочего класса: Дэвид Бейли, Теренс Донован и Брайан Даффи — дублировали «Черную троицу» фотографа Нормана Паркинсона — первыми создали образ «Swinging London». Трое мужчин стали первыми модными фотографами-знаменитостями. В частности, образ «Swinging London» приобрел международное значение, когда в журнале Vogue в 1962 году появилась фотография Бейли «Нью-Йорк: молодая идея идет на запад» с тогда еще неизвестной моделью Джин Шримптон.Шримптон фактически стала первой «супермоделью», за которой вскоре последовали Твигги, Верушка и Пенелопа Три. В 1960-х годах новые модные тенденции включали андрогинные стили, минималистичный унисекс-дизайн и хиппи-моду, отражая преобладающее альтернативное или контркультурное молодежное движение. Британские журналы Queen , подчеркивающие знаменитостей и моду «Swinging London», и Nova , сочетающие новаторскую моду с социальными проблемами для «освобожденной женщины», стали изданиями, определяющими тенденции.

Напыщенный образ Дэвида Бейли из лондонского Ист-Энда был придуман в фильме Микеланджело Антониони « Blow-Up » (1966). Подобно тому, как Funny Face уловил дух времени модного журнала 1950-х, так и Blow-Up с рейтингом «X» воплощают в себе настроение свободы и распущенности, которое характеризовало лондонскую модную сцену шестидесятых. Фильм посвящен молодому модному фотографу-гедонисту (которого играет Дэвид Хемингс), а также личным и профессиональным отношениям, которые он разделяет со своими моделями.Обладая второстепенным сюжетом Хичкока (Хемингс мог непреднамеренно сфотографировать мертвое тело на одной из своих съемок, которая становится видимой только после того, как его изображение «взорвано» в его темной комнате), Blow-Up вызвал как похвалу, так и критику. за его артистизм и новую молодежную чувствительность, допускающую обнаженные тела и сцены блудодеяния. В Америке, действительно, Blow-Up открылся без одобрения Администрации производственного кодекса и с рейтингом «C» («осужден для римско-католических зрителей») от Национального католического бюро кинематографии (ни то, ни другое, кстати, помешали фильму стать культурным событием и кассовым хитом).

Культура знаменитостей

С самого начала модная фотография была тесно связана с портретной фотографией знаменитостей. Эта тенденция шла в ногу с ростом немого кино в начале 20-го века (звук появился в 1927 году), и модные фотографы часто фотографировали звезд немого кино, примером чего может служить знаменитый портрет Глории Суонсон Эдварда Стейхена 1924 года для выставки Vanity Fair . Аристократические женщины, социальные деятели и шейкеры также моделировали для камеры, примером чего является столь же знаковый портрет коллекционера и светской львицы Пегги Гуггенхайм, сделанный Ман Рэем в 1924 году.Изображения общественных деятелей способствовали продвижению моды как эстетического занятия и помогли привлечь внимание поклонников и потребителей к дизайнерской одежде и аксессуарам.

Действительно, индустрия моды поддерживала взаимные отношения с индустрией развлечений и искусства. Например, фотографу Луизе Даль-Вулф приписывают открытие Лорен Бэколл, которой предложили свой первый кинопроб после того, как она появилась на обложке фильма Даль-Вулф для Harper’s Bazaar . А в 1950-х годах Юбер де Живанши, тогда еще относительно неизвестный, разработал гардероб Одри Хепберн для фильма Sabrina (1954).С шестидесятых годов Fashion Photography обратила свое внимание на поп-музыкантов, что видно, например, на фотографии Энни Лейбовиц Untitled (Йоко Оно; Джон Леннон) (1980) и обширных рабочих отношениях Стивена Мейзеля с Мадонной, которые начались с ее альбома. Как девственница (1984).

Культура знаменитостей также дала толчок к рождению супермодели. Хотя идея «супер» модели на самом деле восходит к Лизе Фонсагривс, чья карьера началась в 1930 году, ее обычно считают более современным явлением, инициированным Джин Шримптон и Твигги в шестидесятых.Изображение на обложке британского журнала Vogue Питера Линдберга в 1990 году, на котором собрались Наоми Кэмпбелл, Синди Кроуфорд, Линда Евангелиста, Татьяна Патитц и Кристи Терлингтон, оказало такое влияние на публику, что модели стали известны под общим названием «Большая пятерка». Мужские супермодели появились в 1980-х, и Маркуса Шенкенберга часто называют первым. Вскоре к нему присоединились Марк Уолберг, Джоэл Уэст, Джон Пирсон и Рено Уайт, а в последнее время модные журналы стали звездами андрогинных и трансгендерных моделей, включая Андрея Пежич и Валентину Сампайо.

Fashion Film

В то время как индустрия моды предоставила богатый исходный материал для коммерческого кино, между модной фотографией и экспериментальным кинематографом существовали довольно сложные отношения (к которым индустрия моды пришла относительно поздно). Эрвин Блюменфельд, немецкий художник дадаизма, который начал работать модным фотографом в конце 1930-х годов, был одним из первых пионеров модного кино, хотя его усилия не принесли большего влияния. Он снял серию короткометражных фильмов под названием « Beauty in Motion » (1958-64) и представил их своим клиентам Хелене Рубинштейн и Эсте Лаудер, которые отвергли их как слишком экспериментальные.Впоследствии Ричард Аведон, чей интерес к движению находился под влиянием коммерческого кино, и Гай Бурден оба исследовали зернистость пленки Super 8. В то время как эксперименты позволили получить их фотографические кадры, они не предназначались для просмотра широкой публикой и стали известны намного позже в архивных собраниях (таких как коллекция 2002 года « Compulsive Viewing: The Films of Guy Bourdin »).

Работая над изречением «одежда сделана так, чтобы ее можно было видеть в движении», Ника назвали «отцом» фильма о моде.В 2000 году он основал SHOWstudio.com , первый сайт по продвижению модных фильмов. SHOWstudio.com оказал большое влияние на всю отрасль: Prada , Dazed (& Digital) и Vogue — все они разрабатывают видео и цифровые сайты для модных фильмов. Найт объяснил поздний рост модного кино, отметив его качество, которое расходится с традиционным кинопроизводством: «Модный фильм не похож на обычный фильм, и не следует обращать внимание на эти отсылки; он должен быть больше похож на модную фотографию.Модный фильм — это просто движущаяся модная фотография, ее одежда в движении. Среда не является повествовательной, […] фильм о моде должен рассматривать себя как нечто иное, чем обычный фильм или обычный фильм. Удалите повествования и используйте коды модной фотографии ».

С середины 1980-х ведущие дома моды также перешли к рекламе на телевидении и в кино, используя известных режиссеров — или« Авторов »- для воплощения своих продуктов на экране. Мартин Скорсезе работал с Armani, Дэвид Линч для Gucci, София Коппола для Marni x H&M, Спайк Джонз для Gap и Уэс Андерсон для Prada.В современной моде ведущие дизайнеры, включая Prada, LV, Moschino, Chloe, Max Mara, Y-3, Givenchy и Massimo Dutti, использовали передовую видеосъемку для создания телевизионных и онлайн-рекламных роликов, отсылающих к истории экспериментального художественного фильма. Это развитие было прекрасно проиллюстрировано в 2010 году, когда Линч написал и направил Lady Blue Shanghai , загадочное «17-минутное рекламное мероприятие» с утонченной французской актрисой Марион Котийяр. Фильм был заказан с целью запуска нового веб-сайта Christian Dior, и Линч согласился на этот проект, потому что он дал ему возможность работать в «новом рекламном жанре, лишенном жесткого брендинга.«Со своей стороны, Джон Гальяно (который« вдохновил »фильм) выбрал Линча, потому что его сюрреалистическая чувствительность привнесла« стиль, тайну, напряжение »в бренд Dior.

Связь с современным искусством

Всегда настроен на ведущие тенденции в мире искусства (можно утверждать, что «Прямая фотография» Стейхена и сюрреализм Мана Рэя определили внешний вид модной фотографии в 1920-е и 1930-е годы) на мир моды наиболее сильное влияние оказали сюрреализм и поп-арт. В Vogue были представлены картины Джорджо де Кирико и Сальвадора Дали, а также серия рентгенографий Мана Рэя, опубликованных в начале 1920-х годов. Фотографы, в том числе Сесил Битон, Джордж Хойнинген-Хюэн и Хорст П. Хорст, также исследовали сюрреалистические методы в конце 1930-х годов. Тем не менее, авангардистский компонент часто вступал в противоречие с коммерческими потребностями модной фотографии, как в 1938 году, когда редактор Vogue Эдна Вулман Чейз руководила своим фотографам таким образом: «Сосредоточьтесь полностью на демонстрации платья, осветите его для этой цели и не может быть сделано с искусством, тогда будь оно проклято.Покажи платье ».

Несмотря на конфликт коммерческих интересов, художественные движения продолжали информировать мир моды, и модные фотографы часто черпали вдохновение в авангарде. В послевоенную эпоху, например, такие фотографы, как Ирвинг Пенн и Эрвин Блюменфельд отразил упор на упрощение и абстракцию, как это видно на обложке Black & White Penn (Жан Патчетт) (1950) и обложке 1950 года Блюменфельда для журнала Vogue Vogue , на которой лицо Патчетта выражается одним гламурным глазом. , красные губы и знак красоты.

Однако наибольшее влияние на мир моды оказал поп-арт. Одновременно с подъёмом молодёжной культуры 1960-х, яркие цвета поп-арта и его акцент на гламурной потребительской культуре повлияли на современный дизайн одежды и фотографию, и такие творения, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, оказали мощное вдохновение. В то же время индустрия моды оказала влияние на некоторые художественные движения, в том числе «Школу Четырнадцатой улицы», чьи образы женщин-покупателей из среднего класса с 1920-х по 1940-е годы находились под влиянием концепции «Новой женщины», продвигаемой Harper’s Bazaar . и подпитывается ростом универмагов.Позже увлечение модной фотографии культурой знаменитостей и ее гламурное изображение потребительской культуры повлияло на поп-арт, что продемонстрировано во многих изображениях Мэрилин Монро Уорхолом. Совсем недавно в концептуальной работе Барбары Крюгер использовались изображения, взятые из модных журналов, для создания феминистской критики консьюмеризма, как это видно, например, в ее культовом магазине I, поэтому я (1990).

Дальнейшие события — после фэшн-фотографии

Сочетая в себе элементы моды, музыки и современной культуры, в 1980-е годы появилось так называемое издание «Новый стиль».В 1980 году Терри Джонс, бывший арт-директор Vogue , выпустил журнал i-D , выходящий два раза в месяц, который скреплялся вручную и напечатан машинописным (курьерским) текстом. Журнал был разработан, чтобы напоминать журнал для фанатов, и в его содержании делался упор на молодежную культуру и уличный стиль. i-D предпочитает непрофессиональные модели и альтернативные варианты уличной моды. Фотограф Стив Джонсон сыграл новаторскую роль, поскольку он разработал то, что стало известно как «прямая фотография», стиль съемки, при котором модель была показана полностью (с головы до ног).

iD и подобные ему журналы должным образом повлияли на «стиль гранж» 1990-х годов и продвигали то, что позже было названо «героиновым шиком». Термин «героиновый шик» — модели были худыми до истощения с бледной кожей. и глаза в темных кругах — изначально был прикреплен к «анти-супермодели» Кейт Мосс, которая пришла символизировать образ. В 1992 году Мосс подписал контракт с Кельвином Кляйном, появившись в серии нижнего белья (включая топлес в паре с молодым Марком Уолбергом) и парфюмерная реклама.Кампания Кляйна, а также фоторепортаж для британского Vogue , снятый Корин Дей, вызвали общественный резонанс, и Мосс (и индустрия моды в целом) был привлечен к ответственности СМИ за то, что прославлял опасно нездоровый образ жизни. Дэй и другие, включая Дэвида Симса и Джейсона Эванса, впоследствии приняли более документальный подход к своей фотографии моды.

Разочаровавшись на курсах фотографии в Лондонском колледже печати, Рэнкин вместе со своим другом Джефферсоном Хаком в 1991 году основал собственный молодежный журнал в кампусе Dazed and Confused (позже просто Dazed ).Журнал продвигался в лондонских ночных клубах и быстро стал культовым справочником для начинающих художников, работающих в области моды, музыки, фотографии, литературы и дизайна. На протяжении многих лет Dazed также помогал продвигать гуманитарные цели и освещал самые разные вопросы, от кризиса СПИДа в Южной Африке до исламофобии, изменения климата, осведомленности о раке груди и прав ЛГБТ. Со своей стороны, Рэнкин стал одним из самых известных портретистов в мире и снимал мировых топ-моделей, а также личностей и VIP-персон, от королевы Елизаветы II до Тони Блэра; Мадонна The Rolling Stones; Джей-Зи — Кендалл Дженнер; Михаил Горбачев — Бритни Спирс.

Индустрия моды не застрахована от мировых событий и должна была реагировать на этические проблемы в первые десятилетия 21 -го -го века. Использование потогонных рабочих или тюремных фабрик в Южной Азии, а также воздействие производственного процесса на окружающую среду, например, инициировали смещение акцента в сторону более разнообразного представительства и работы по повышению общественной осведомленности. Тем не менее, Fashion Photography никогда не упускал из виду освященное веками изречение: секс и полемика (в идеале и то и другое одновременно) «продают».В 2003 году реклама Gucci Марио Тестино была не столько об одежде, сколько о рекламе: Gucci «G» вызывающе выбрита на лобке у женщины-модели.

Поддержка знаменитостей также продолжает оставаться движущей силой отрасли. В 2003 году актриса Вайнона Райдер была арестована за кражу в универмаге Saks в Беверли-Хиллз. Райдер прибыла на судебное заседание в платье от Marc Jacobs. Воспользовавшись возможностью для рекламы, Джейкобс должным образом нанял Райдера, которого Юрген Теллер сфотографировал в несколько шутливой и дерзкой фотосессии.Действительно, модные дома не упускают из виду всеобщее очарование мятежных и «беспокойных» духов: Майли Сайрус работает на Марка Джейкобса, Леди Гага — на Versace, а Линдси Лохан — на Миу Миу.

Текущие рекламные кампании также вызвали жажду ностальгии: Джулия Робертс (Живанши), Мадонна (Версаче) и Мила Кунис (Мисс Диор) снялись в монотонных съемках в ретро-стиле.

Самый глубокий сдвиг в модном журнале произошел в том, как сейчас модная фотография используется.С ростом Instagram и модных блогов индустрии пришлось принять новые стратегии. В самом деле, некоторая модная фотография может вообще не попасть на страницу печатного журнала. Поскольку идея о том, что изображения можно использовать, «лайкать» и «ретвитить», то появление «лукбуков», которые дешевле производить и распространять, стало доминировать в цифровых носителях. Многие рассматривают это как новую демократию в том, что считалось элитарной отраслью, другие считают, что эти технологические разработки приведут к упадку долгого и гордого авангардистского наследия индустрии моды.

Краткая история модной фотографии

Фэшн-фотография в Интернете или в печати, в журналах, книгах, рекламных кампаниях или на рекламных щитах управляет всем, что нас окружает, независимо от того, осознаем ли мы это и нравится нам это или нет. Он выражает видение образа жизни фотографа, отношения, сюжета, стиля, макияжа, прически и призван привлечь внимание. В этой статье мы расскажем, как все начиналось.

Источник: highlowvintage.com (Норман Паркинсон, 1940)

Считается, что модная фотография как жанр фотоискусства зародилась в XIX веке благодаря таким модным журналам, как La mode practique (1898), Harper Bazar (1867) и Vogue (1892). Эти журналы, в свою очередь, были созданы благодаря достижениям в области фотографии и трафаретной печати. Они использовали картинки вместо модных принтов на страницах своих журналов, редакторы пытались с одной стороны обыграть конкурентов, а с другой — привлечь внимание широкой публики к стилю и выбору одежды, которая им предлагалась.В этой миссии редакторам помогли фотографы, многие из которых стали известными в области модной фотографии благодаря такому сотрудничеству. К 20 веку модная фотография приобрела новый статус с необычайным ростом общественного интереса. Дизайнерские показы и показ коллекций становятся мега-событиями в мире моды.

Источник: allposters.com (Сесил Битон, 1952)

До конца 30-х центром моды и модной фотографии был Париж.Французская столица привлекала известных фотографов того времени со всего мира. Многие немецкие фотографы переезжали в Париж, в том числе Адольф де Мейер, который также считается одним из пионеров модной фотографии, Хорст П. Хорст и Джордж Хойнинген-Хюэн, работавшие на Vogue. Вскоре после начала Второй мировой войны гонку модной фотографии подхватил Нью-Йорк, родина модных журналов. Многие получили известность в «Большом яблоке» (прозвище города Нью-Йорк), например, Эдвард Стейхен, Сесил Битон и венгерский фотограф Мартин Муканши.Муканши был первым человеком, который ввел движение в модную фотографию, которая до того времени основывалась исключительно на статичных и стереотипных позах.

Источник: liveinternet.ru (барон Адольф де Мейер 1914-1920)

Любая фотография — это отдельная философия, и модная фотография не исключение. Фотография в модной индустрии сама по себе уникальна, поскольку сочетает в себе как документальную, так и художественную работу. Французский философ Ролан Барт в своей книге «Система моды» предложил рассматривать мир как задний план, когда речь идет о модной фотографии.Этот фон можно преобразовать в определенное смысловое высказывание. Установление чувства моды сохраняет тонкий баланс между серьезностью и определенной причудливостью.

По словам Барта, модная фотография имеет три основных направления. Во-первых — это дословное представление в виде фотографий в каталоге, изображающих одежду. Второй связан с романтизированной демонстрацией, где мода — это своего рода история, в которой реальная жизнь становится искусством. Третий тренд — это мода до абсурда, где модель показана в нестандартной ситуации или в нереалистичном сравнении, где нет романтики, нет повода и царит тотальный абсурд.Барт склоняется к описанию модной фотографии как некоего экзорцизма, в котором каждый хочет добиться «возмутительной» фотографии.

Источник: leopardandlipstick.blogspot.com (Адольф Браун, 1856 год, графиня Кастильоне)

Поскольку фотоаппарат и печать были дорогим удовольствием, многие из первых модных фотографов были богатыми и образованными людьми. Самой ранней коллекцией модной фотографии считается небольшая книга, опубликованная в 1856 году Адольфом Брауном, содержащая 288 фотографий тосканской дворянки при дворе Наполеона III и графини Кастильоне Вирджиния в различных нарядах.В 1909 году издательство Journal Publishers Condé Nast купило журнал Vogue. Он поставил цель сделать журнал одним из самых влиятельных в мире моды. Для достижения этой цели он пригласил к сотрудничеству европейского фотографа барона Адольфа де Мейера.

Источник: londoncatwalk.blogspot.com

Следует отметить, что в то время работа в модном издании считалась предательством идеалов высокого искусства, ради простой коммерческой выгоды.В 1911 году фотограф Эдвард Штайхен при поддержке Люсьена Фогеля, издателя Jardin des Modes и La Gazette du Bon Ton, решил использовать фотографии для продвижения моды как изобразительного искусства. Затем Стейхен сделал фотографии платьев, сшитых для модельера Поля Пуаре, которые были опубликованы в апрельском номере журнала Art et Décoration за 1911 год. Некоторые считают, что эти фото по праву следует считать первыми в истории современной моды. В 1932 году благодаря сотрудничеству со Steichen на обложке журнала Vogue появилась цветная фотография.С тех пор журнал был посвящен исключительно фотографии. За Vogue последовал его конкурент — Harper’s Bazaar. Обе компании были лидерами в области модной фотографии в 1920-е и 1930-е годы. Vogue, в частности, был ответственен за славу многих фотографов, таких как Мейер, Стейхен, Сесил Битон, Хорст П. Хорст, Тони Фриссел и многих других, которые превратили жанр модной фотографии в выдающийся вид искусства.

Если вас интересует, почему я опубликовал эту статью на своем сайте свадебной фотографии, ознакомьтесь с моей статьей SEO для фотографов здесь.

Вы можете присоединиться к нашему курсу SEO здесь.

Сто лет модной фотографии

Мелвин Сокольски, Симона носит одежду от Venet, Река Сена, Париж, American Harper’s Bazaar, март 1963 г., © Мелвин Сокольский / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Фотограф Дэвид Бейли описал модную фотографию просто как «портрет того, кто носит платье ». Корни профессии уходят в портретную живопись викторианского общества.Еще с 1840-х годов дебютантки, актрисы и танцовщицы позировали фотографам-портретистам в своих нарядах, как их матери позировали для великих художников-портретистов своего времени.

Тем не менее, собственные работы Бейли демонстрируют преобразующую силу объектива фотоаппарата. Ирвинг Пенн, фотограф с самым продолжительным стажем работы в истории журнала Vogue, видел свою роль в том, чтобы «продавать мечты, а не одежду». Помимо простой записи деталей ткани и поверхности, самые запоминающиеся изображения удовлетворяют или бросают вызов желаниям и чаяниям. зритель.

Модная фотография никогда не существовала на пустом месте. Фотографы постоянно раздвигают границы, и противоречие между художественными и коммерческими требованиями порождает большой творческий потенциал и технические инновации. Будь то фотосессии в моде или реклама, эти изображения отражают современную культуру, мировые события и драматические изменения в ролях женщин на протяжении ХХ века.


Сесил Битон, Мэри Тейлор носит эдвардианский манер на канале Channel, американский Vogue, 1935 год.Музей № PH.191-1977, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Сияющий новый век

В 1911 году, на пике европейского золотого века процветания и элегантности, американский фотограф Эдвард Стайхен сфотографировал моделей в платьях от дизайнера Поля Пуаре. . Тринадцать изображений с мягким фокусом были напечатаны в журнале Art et Décoration, и Штайхен позже назвал их «первыми серьезными модными фотографиями, когда-либо сделанными». Dames et des Modes включали гравированные иллюстрации, но имели лишь ограниченное число читателей.Достижения в процессах печати в 1890-х годах позволили печатать фотографии на одной странице с текстом, и журналы мод стали более доступными.

В 1909 году издатель Condé Nast купил американский социальный журнал Vogue. Он превратил его в высококлассное модное издание с международными устремлениями. Вскоре после перезапуска Harper’s Bazaar, Vogue стремился передать дух и моду Нью-Йорка, Лондона и Парижа с помощью новаторской фотографии и растущего предложения гламурных моделей.


Ильзе Бинг, Салют де Скиапарелли, Реклама парфюмерии, 1934, © Estate of Ilse Bing / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Сложное восприятие

Культурное движение сюрреализма оказало глубокое влияние на журналы мод в 1920-х и » 30-е гг. Картины Сальвадора Дали и Джорджо де Кирико были представлены в Vogue наряду с авангардными фотографиями Мана Рэя. Некоторые модные фотографы переняли свои революционные принципы, пытаясь визуально выразить бессознательное.Новые техники и неожиданные сопоставления использовались, чтобы бросить вызов восприятию реальности, развлечь и взволновать.

Такие смелые эксперименты взбесили редактора Vogue Эдны Вулман Чейз, которая в 1938 году гневно написала своим сотрудникам:

«Сосредоточьтесь полностью на демонстрации платья, зажгите его для этой цели, и если этого нельзя сделать с искусством, тогда искусство будет. треклятый. Покажи платье ».

Как главный фотограф французского Vogue, а затем и Harper’s Bazaar, барон Джордж Хойнинген-Хюэн вдохновил целое поколение.Его собственные работы отражали живописное увлечение светом, тенью и классическими формами. Его протеже Хорст П. Хорст создавал аналогичные изобретательные образы, сочетая сюрреалистические и классические мотивы.


Эрвин Блюменфельд, модель и манекен, обложка американского журнала Vogue, 1 ноября 1945 г. © Поместье Эрвина Блюменфельда / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Послевоенное возрождение

Во время Второй мировой войны «делать и исправлять» было преобладающий подход к моде. По мере того, как мир постепенно оправлялся от ужасов войны, появилась новая когорта дизайнеров.Стремление окунуться в гламур и женственность после многих лет жесткой экономии во время войны нашло свое самое яркое выражение в новом образе Christian Dior, выпущенном в 1947 году, с зауженными талией и экстравагантно пышными юбками.

Элегантно-чувственное видение фотографа Лилиан Бассман дополнило новую моду. Она была пионером в подходе, при котором пробуждение настроения имело приоритет перед изображением деталей одежды. Зернистые изображения Бассман разочаровали редактора Harper’s Bazaar Кармел Сноу, которая предупредила ее в 1949 году,

: «Вы здесь не для того, чтобы творить искусство, вы здесь, чтобы показывать пуговицы и банты.’

Эрвин Блюменфельд также раздвинул границы экспериментальной модной фотографии. Он отдавал предпочтение цветной пленке Kodachrome, которая позволяла его ярким изображениям «прыгать» со страницы журнала.


Джон Френч, фигуристка в бархатном пальто с меховой отделкой Digby Morton, городской джентльмен, Майкл Бентли на заднем плане, Лондон. Daily Express, 1955, © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Съемка в городе

В 1950-х годах основные журналы мод заразились свежим динамизмом, поскольку фотографы приняли более спонтанный, фотожурналистский подход.Модели рассыпались на городские улицы, студийные декорации сменились городскими горизонтами.

В 1957 году Ричард Аведон сфотографировал модель, шагающую по площади Франсуа Премьер в Париже, для американского Harper’s Bazaar. Она появляется на полпути, ее карденовское пальто развевается позади нее. Обе ноги оторваны от земли, как будто порыв ветра поднял ее в воздух. Аведон назвал фотографию In Homage to Munkácsi, отсылку к одному из первых модных фотографов, который работал преимущественно вне студии.Опережая тенденцию в своей статье 1935 года «Думай, пока стреляешь», Мартин Мункачи посоветовал:

«Никогда не позируйте своих объектов. Позвольте им двигаться естественно. Все великие фотографии сегодня — это снимки ».

Это новое кинематографическое видение активно продвигалось влиятельными арт-директорами Алексеем Бродовичем в Harper’s Bazaar и Александром Либерманом в Vogue.


Рональд Трэгер, Твигги носит платья Твигги, Парк Баттерси, Лондон. Неопубликованное исследование моды для британского Vogue, Young Idea, июль 1967, © Estate Рональда Трегера / Vogue The Condé Nast Publications Ltd / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Освобождение шестидесятых

В 1960-х феминистское движение набирало обороты, когда женщины выступали против неравенство.В мире моды структурированная формальность дизайна 1950-х годов уступила место более молодому виду, и тело было освобождено от стеснения нижнего белья и корсетов. Появились новые дизайнеры и фотографы, их работы были представлены в таких журналах, как Queen (возобновлено в 1957 году) и Nova (запущено в 1965 году).

Фотограф Дэвид Бейли работал над обновлением раздела «Молодая идея» британского Vogue. Его энергичный документальный подход, а также подход других лондонских фотографов, превратили юных моделей, таких как Джин Шримптон и Твигги, в международных звезд, воплощение Swinging London.Это настроение было запечатлено в фильме Микеланджело Антониони «Взрыв» (1966), в котором Дэвид Хеммингс сыграл персонажа, частично основанного на Бейли.

Начиная с 1966 года, экзотические ткани, противоречивые узоры и цвета стали смело сочетаться. Нетрадиционная внешность Пенелопы Три сделала ее идеальной моделью для модных хиппи, популярных во второй половине десятилетия.


Артур Элгорт, Венди Уайтлоу, Парк-авеню. Личный снимок, сделанный на съемках американского журнала Vogue, июль 1981 г., © Артур Элгорт / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Изображение женственности

В 1970-х фотографы все чаще проверяли пределы допустимых модных образов.Они занимались изменяющимся отношением общества к женственности и сексуальности, а потенциально противоречивые темы религии и насилия часто определяли их работу.

Эти модные образы приглашали зрителей полюбоваться яркими сценами. Работа Хельмута Ньютона объединила темы эмоциональной двусмысленности и секса, запечатлевая уверенных в себе женщин в гламурной и надуманной обстановке. Гай Бурден и Джан Паоло Барбьери создали мрачно-провокационные образы, в которых внимание было сосредоточено не столько на одежде, сколько на характере женщины внизу.

Представление об идеальной красоте расширилось в основных журналах с более регулярным использованием черных и андрогинных моделей. Фотографы Дебора Турбевилль и Сара Мун были бывшими моделями, и их отношение к женской форме было отличным от того, что их коллеги-мужчины. Их созерцательные образы давали женский взгляд на темы красоты и сексуальной объективации.


Коринн Дэй, Женщина танцует в лондонском клубе, 1992, © Поместье Коринн Дэй / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Съемка реальной жизни

В 1980-х годах в качестве контрапункта появились публикации о новом стиле, предназначенные для обоих полов. к совершенству крупных глянцевых журналов.В них были представлены статьи о современной музыке, культуре и новых тенденциях. Их страницы были заполнены фигурами, представляющими альтернативные типы красоты, которые часто не были профессиональными моделями.

Портреты Стива Джонсона о панках и молодежи Новой волны появились в журнале i-D. Изображения стали известны как «прямые взлеты», поскольку они отображали фигуру полностью. У этого подхода появилось много подражателей, стремящихся запечатлеть личную и новаторскую уличную моду.

В 1990-х годах ведущими представителями этого натуралистического документального подхода к модной фотографии были Коринн Дэй, Дэвид Симс, Крейг МакДин и Джейсон Эванс.В основе их работы лежит интерес к повседневной жизни и к реальным людям, отмеченный всеми недостатками, которые делают их индивидуальными и уникально красивыми.


Майлз Олдридж, Blooming # 3, 2007, © Майлз Олдридж / Музей Виктории и Альберта, Лондон

Художественная литература и фэнтези

Самые яркие модные образы сегодня богаты красочными и поэтическими повествованиями. Большие бюджеты, декораторы и несколько стилистов работают для создания сложных фантазий. Фотограф Майлз Олдридж описывает этот процесс как создание фильма:

«Если бы мир был достаточно красивым, я бы все время снимал на месте.Но мир просто не создается с эстетикой в ​​качестве приоритета. Я пытаюсь взять что-то из реальной жизни и воссоздать это кинематографическим способом… сжатые эмоции, сжатый цвет, конденсированный свет ».

Так же, как модельеры заново изобретают и перерабатывают тенденции прошлых десятилетий, фотографы часто смотрят своим предкам за вдохновением. Тим Уокер создает причудливую красочную Англию, вдохновленную богатством ранних работ Сесила Битона и классических детских сказок.

В прошлом веке женская мода преобладала в журналах, но в последние годы появилось больше публикаций, ориентированных на читателей-мужчин. Сейчас V&A сознательно собирает образы мужской моды, чтобы отразить эту растущую область.

Изначально этот контент был написан для сопровождения выставки «Продажа мечтаний: сто лет модной фотографии», проходившей в Южном Кенсингтоне, Виктория и Альберта, 28 марта — 4 мая 2014 г.

Одежда 1830-х годов

Фартуки всегда носили для защиты юбки во время работы, и часто нарядные фартуки носили, когда женщина была дома, даже по вечерам.Фартуки обычно были льняными, хотя некоторые из них делались из прочных тканей, например, из джинсов.

Нарядные платья обычно открывались по спине, а также закрывались крючками и ушками. Для летней и праздничной одежды рукава были короче. Однако они все еще были полны. Все швы лифа были «прорезаны кантом», с узкой окантовкой из одинаковой или контрастной ткани. Подол был глубоким и облицован более тяжелой тканью для защиты от износа. Лиф всегда был на подкладке.

Под этой одеждой женщины носили сменные или сорочки из льна или хлопка.Они были просто сделаны, с короткими рукавами и вырезом, которые можно было собирать на кулиске. Линии талии не было, но сорочка собиралась надетым поверх нее платьем. Это изделие служило единственным предметом «нижнего белья».

В течение смены женщина носила «шубу». или корсеты. Они были изготовлены из плотного хлопка, замысловато прошиты и обшиты китовым усом, чтобы добиться соответствующей линии тела. В 1830-е годы это был высокий бюст, небольшая, но не преувеличенная талия и слегка завышенная.

Конструкция платьев была спланирована с учётом остатков; шитье одежды и определение, предоставляемое стойками, дополняли друг друга. Ожидалось, что каждая женщина будет носить одежду как летом, так и зимой. Только женщина без каких-либо социальных претензий считала себя одетой без остатка. Нижние ящики обычно не носили, однако женщины всегда носили по крайней мере три нижних юбки, или больше, когда было холодно или платье того требовало. Обычно они были из хлопка или льна.

Деревенские женщины часто надевали простые рабочие ботинки, когда их нужно было обуть. Более модные городские женщины носили легкие детские кожаные тапочки, черные на каждый день, но пастельные тона, чтобы соответствовать их праздничным платьям. На некоторых ботинках были завязки-ленты. В этот период каблуки были очень низкими. Поскольку платья были длиной до щиколотки, видны были чулки. Женские чулки были связаны из шерсти, хлопка и льна. Иногда чулки украшали трикотажными узорами по бокам либо цветными нитками, либо узорной строчкой.Шланги были примерно по колено и были либо черными, либо белыми.

Создание стиля фотографии 1800-х годов с помощью Adobe Lightroom

Стиль фотографии 1800-х годов с использованием Lightroom www.sleeklens.com

В сегодняшнем уроке по Lightroom мы рассмотрим, как создавать классические эффекты фотографии.

Идея этого урока пришла мне в голову, когда я просматривал все свои старые записи из колледжа и увидел несколько интересных снимков, о которых совершенно забыл, когда мы использовали камеры-обскуры для воссоздания классической фотографии.

Я помню тот день, когда мы с другом ходили по кампусу, фотографируя старые здания, и когда мы их построили, они выглядели точно так же, как фотографии, которые мы видели в музеях и книгах.

Некоторые из них выглядели действительно круто, поэтому я подумал, что было бы неплохо поделиться с вами способом придать вашим изображениям вид старого 1800-х годов, чтобы вы могли сделать для себя очень интересные портреты или пейзажи.

Хорошо, пошли.

Образ, с которого я начну сегодня, — это образ Брата и Сестры.

У вас наверняка есть похожие изображения семьи или друзей, поэтому используйте одно из них.

Первые правки, которые я внесу в это, — открыть Develop & Basic, , а затем установить следующие ползунки следующим образом…

Highlights -100

Shadows +100

Ваше изображение должно внезапно появиться. более.

Затем чуть ниже них, удерживая клавишу Alt, я подниму свои белые и опущу свои черные.

Пока вы удерживаете клавишу Alt, ваш экран станет полностью белым или полностью черным.

Перемещайте ползунки до тех пор, пока вы не начнете видеть цветные пиксели, тогда у вас должен быть почти идеальный баланс белого / Баланс черного.

Следующим шагом будет повышение четкости, придание ему более резкого изображения в сторону HDR. Затем я хочу уменьшить цвет моей фотографии, чтобы уменьшить насыщенность.

Убедитесь, что цвет не истощен полностью, ровно настолько, чтобы изображение стало более серым, но все еще оставалось цветным. Кроме того, не сходите с ума от четкости, около +55 должно быть в порядке, но вы можете компенсировать фотографию, которую используете, поскольку она уже может быть довольно резкой.

Хорошо, на этом мы закончили, прокрутите панель вниз, пока не увидите Split Toning

И в двух полях, которые я указал выше, по одному мы будем использовать их для редактирования наших цветов. .

Итак, начав сначала с «Света», дважды щелкните поле и с помощью инструмента «пипетка» выберите желтовато-коричневый цвет.

Если вы не знаете, какой именно цвет использовать, поищите в Google изображениях Old Sepia Photography.

Затем установите оттенок Highlights около 40 и Saturation около 80.

Теперь оставив тени, установите только оттенок 25 и насыщенность 30, оставив цвет как есть.

* Обратите внимание, на этом этапе я решил, что моя насыщенность до Split Toning была не такой, какой я хотел, поэтому я вернулся и уменьшил ее еще больше, что вы увидите на следующем изображении.

Теперь прокрутите вниз до «Эффекты» и добавьте немного виньетирования, чтобы придать образу старины.

В некоторых случаях вы могли бы закончить прямо сейчас, но теперь давайте продолжим!

Волшебное прикосновение приближается прямо сейчас, в том, что мы собираемся добавить радиальный фильтр к паре.

(сочетание клавиш Shift + M) он также второй справа на панели инструментов.

Щелкните по нему и перетащите его по паре, уменьшая резкость всего остального вокруг них, чтобы фокус был прямо на них.

Я создал дублированный слой, щелкнув правой кнопкой мыши на Радиальном фильтре и выбрав Дублировать, затем я переместил его, щелкнув и перетащив, этот шаг был моим личным предпочтением и не нужен, если вы не хотите его включать .

Итак, взгляните на нашу готовую деталь.

Выглядит как старая фотография, сделанная в 1800-х годах, если вы действительно хотите пойти дальше, вы можете начать использовать костюмы или применить этот тип редактирования к старым зданиям, автомобилям или лодкам и т. Д.

У нас есть целое ряд пресетов Lightroom, которые имеют похожие эффекты, но с множеством их вариаций, если у вас есть время, чтобы заглянуть и проверить их, сделайте это и изучите возможности вместе с нами в наших уроках.

Рейтинг: 012345 0 на основе 0 оценок

Следующие две вкладки изменяют содержимое ниже.

Закончив колледж в 2002 году по специальности «Искусство и дизайн», я начал изучать свой путь в области графического дизайна и профессионального постпродакшна. Фрилансер, работающий полный рабочий день с 2011 года.

Самые популярные сообщения в марте

Мода XIX века | Мистер Фатта

Мода 19-го века -го и -го больше всего известна своими широкими низами в форме колокольчика и высокой узкой линией талии.Формы платья поддерживаются нижним бельем; корсет носился, чтобы сжать талию женщины, клетка с проволочной рамкой, называемая кринолином, носилась для поддержки формы платья, а нижнее белье, известное как нижняя юбка, также носилось для поддержки внешней формы. Проанализируйте изображение, представленное ниже, определите элементы, очевидные в дизайне.

Каковы некоторые отличительные черты дизайна женской одежды в конце 1900-х годов?
Каковы общие тенденции того времени, как бы вы их описали?
Какие узоры видны в рисунках и как они нанесены на одежду?
Какие цвета и какие текстуры видны в дизайне?
Кто где некоторые из главных дизайнеров начала 1800-х годов?
Кто и что оказало влияние в то время?

  • викторианская-женская-мода_02

  • викторианская женская мода_03

  • викторианская женская мода

  • louise_1860s

  • Луиза и Елена

..

Используйте предоставленные изображения или найдите оригинальные, аутентичные фотографии одежды викторианской эпохи. Следующие изображения были собраны из музейных архивов и веб-сайтов, указанных ниже. Чтобы просмотреть или распечатать изображение в исходном размере, щелкните слайд-шоу, перейдите к избранному изображению, щелкните правой кнопкой мыши и выберите «Сохранить изображение как». Вы можете просмотреть или распечатать полноразмерное изображение в качестве справочного материала для создания эскиза и окончательных чертежей.

  • Женский халат с нижней юбкой

  • Дневное платье 1820-х годов

  • Дневное платье 1860

  • Платье американское_Crinoline_1913

  • Вечернее платье около 1860 года

  • WalkingDress_America_1860

  • Петтикоат_1830

.

Учебное пособие | Набросок одежды

Наблюдение за рисованием — хороший способ укрепить свои навыки рисования. Серия быстрых рисунков жестами иногда более эффективна для дизайнера, чем одна детализированная иллюстрация, на создание которой уходит больше времени. Художники и дизайнеры создают многочисленные эскизы предмета, чтобы познакомиться с его формами, формами и пропорциями. В приведенном ниже руководстве показано, как рисовать легкие наброски, строить пропорциональные формы, визуализировать детали и рисовать контурные линии для описания формы одежды.

  • Шаг 1 — Соберите материал

  • Шаг 2 — Трассировка рисунка

  • Шаг 3 — Слегка нарисуйте одежду на рисунке

    .

  • Шаг 4 — Затемните линии и сотрите схематичные линии и рисунок.

  • Шаг 5 — Небольшой набросок деталей

  • Шаг 6 — Затемните линии и сотрите схематичные линии и добавьте детали

.

Набросок Слегка
Цвет Слегка
Добавить тень

.

Фотография ранней моды

Самые ранние фотографии женской моды, часто принадлежавшие аристократическому и социально элитному сословию Европы того времени. С помощью недавно усовершенствованной камеры с 1839 года многие королевы, принцессы и герцогини с удовольствием позировали в своих прекрасно вышитых одеждах. С точки зрения истории фотографии и моды, историки могут датировать фотографию годом до года из-за ежегодного изменения тенденций и дополнений. Между тем, мужская мода оставалась относительно статичной и неизменной в течение нескольких лет.

В истории моды и фотографии леди Хаварден Клементина считается первым модным фотографом всех времен, дочерью адмирала Британского Королевского флота, Клементины в свое время прославили за свою портретную фотографию, поскольку она собрала более восьмисот портретов. ее дочерей. Ее короткая, но плодотворная карьера фотографа принесла ей множество художественных выставок и наград и сделала ее выдающимся фотографом викторианской эпохи.

  • clementina_lady_01

  • clementina_lady_02

  • clementina_lady_03

  • clementina_lady_04

  • clementina_lady_05

  • clementina_lady_06

  • clementina_lady_07

  • clementina_lady_08

  • clementina_lady_09

  • clementina_lady_10

.

.

Проект

| Узорчатый коллаж Photoshop

Используйте рекомендуемые руководства, чтобы помочь вам в создании многослойного изображения коллажа в Adobe Photoshop. Приведенная ссылка на Mudecu.be может помочь вам сгенерировать и собрать несколько шаблонных образцов, которые вы будете комбинировать, используя режимы наложения на панели слоев. Учебное пособие обеспечивает быстрый просмотр исходного видео на YouTube Кота Уиппла под названием How to Photoshop Collage Art , и исходное видео встроено сюда. Создайте изображение в стиле, описанном в ресурсе, выберите тему из поискового запроса 19th Century Fashion Photography . Соберите множество старинных фотографий, на которых изображены предметы в различных предметах одежды викторианской эпохи. Создайте винтажную сцену с узорами и мебелью в стиле, представленном на изображениях и в руководствах.

  • silent_actress_aim

  • silent_actress_01

  • silent_actress_02

  • silent_actress_03

  • silent_actress_04

  • silent_actress_05

  • silent_actress_06

  • silent_actress_07

  • silent_actress_08

  • silent_actress_09

  • silent_actress_10

  • silent_actress_11

  • silent_actress_12

  • silent_actress_13

  • silent_actress_14

  • silent_actress_15

  • silent_actress_16

  • silent_actress_17

  • silent_actress_18

  • silent_actress_19

  • silent_actress_20

  • silent_actress_21

  • silent_actress_22

  • silent_actress_23

.

Учебное пособие | Слои для коллажей в Photoshop от Кота Уиппла

.

Mudecu.be

MudCube Используйте этот онлайн-инструмент для рисования
для создания различных узоров с помощью приложений
узоров и панелей образцов. Сохраните изображения
на свой диск, который вы будете использовать в проекте.

Источники изображений

Robe à l’Anglaise, около 1780 г., источник: Метрополитен-музей

Женский халат с нижней юбкой, Англия, около 1775 г., источник: Музей искусств округа Лос-Анджелес

Day Dress, 1820 г., источник: Леди Сьюзен Остин, Mores, Manners Fashioning Society

Корсет, нижняя юбка, обручи, 1830 г. Источник: История моды

Вечернее платье, около 1860 г., источник: Леди Сьюзен Остин, Mores, Manners Fashioning Society

Day Dress, 1860 г., источник: Леди Сьюзен Остин, Mores, Manners Fashioning Society

Платье с кринолином, около 1913 г.источник: Музей Виктории и Альберта

Машина времени в библиотеке Первый модный фотограф: Клементина, леди Хаварден, Дэйв Уокер, получено 10.8.2016

.

https://docs.google.com/presentation/d/1OgO_IprbfJvsyHvq1VkYpx4vmT9GyfgGpEB30COu9E8/edit?usp=sharing

Китай XIX века: редкие фотографии на заре фотографии

Написано Оскаром Холландом, CNN

До прихода фотографии западное воображение Китая основывалось на картинах, письменных рассказах о путешествиях и депешах из, казалось бы, далекой страны .

Однако с 1850-х годов группа новаторских западных фотографов стремилась запечатлеть пейзажи, города и людей страны, увлекая аудиторию на родине и тем самым разжигая отечественное фотографическое движение.

Среди них были итальянец Феличе Беато, прибывший в Китай в 1850-х годах, чтобы задокументировать англо-французские подвиги во Второй опиумной войне, и шотландский фотограф Джон Томпсон, чье путешествие по реке Мин дало людям на Западе редкую возможность взглянуть на отдаленный интерьер страны.

Шотландский фотограф Джон Томпсон задокументировал свое путешествие вверх по реке Мин, предлагая редкий вид на отдаленные районы Китая. Предоставлено: Коллекция китайской фотографии Loewentheil

Это лишь некоторые из фигур, чьи работы представлены в 15-тысячной коллекции фотографий, собранной нью-йоркским антикваром и коллекционером Стефаном Лёвентхейлом. Его изображения 19-го века охватывают уличные сцены, торговцев, сельскую жизнь и архитектуру, показывая — с беспрецедентной детализацией — все, от слепых нищих до караванов верблюдов на Шелковом пути.

Торговец раритетными книгами, Loewentheil последние три десятилетия приобретает картины на аукционах и у коллекционеров как в Китае, так и за его пределами. Они составляют то, что, по его словам, является крупнейшей в мире частной коллекцией ранней китайской фотографии. (И, учитывая количество произведений искусства и артефактов, утерянных в неспокойном 20-м веке в стране, в частности, во время культурной революции Мао, это утверждение вполне обосновано.)

В 2018 году он выставил 120 гравюр в Пекине для первый раз.Масштаб выставки простирался с 1850-х годов, самого зарождения бумажной фотографии в Китае, до 1880-х годов. В нем были представлены примеры самых ранних форм фотографии, такие как белковая печать, в которой используются яичные белки для связывания химикатов с бумагой, и процесс «мокрой пластины», при котором негативы обрабатывались на стеклянных пластинах в переносной темной комнате.

В 15-тысячной коллекции фотографий представлены обычные китайские торговцы середины XIX века, такие как этот ткач. После проявления некоторые изображения были раскрашены вручную художниками.Предоставлено: Коллекция китайской фотографии Loewentheil

Эти технологические разработки возвестили рождение коммерческой фотографии в Китае, поскольку они впервые позволили быстро воспроизвести и распространить изображения.

«Люди хотели вернуть отличные изображения, которые можно было бы продавать в других местах», — сказал Лёвентхейл. «Люди, которые побывали там, все, от дипломатов и бизнесменов до миссионеров, все хотели привезти домой записи этой прекрасной культуры Китая, которая была настолько уникальной.

«У некоторых из них был рынок дома, но они сразу же обнаружили у китайцев любовь к фотографии и создали сильный рынок внутри страны. Китайские фотографы (тогда) подхватили это и обслуживали оба рынка».

Чен Ман: «Техника и искусство должны идти вместе»

Китайские пионеры

Несмотря на выдающуюся роль иностранцев в ранней китайской фотографии, коллекция Loewentheil также отмечает достижения отечественных специалистов-практиков.

Некоторые покупали камеры у выезжающих с Запада, которые хотели продать свое громоздкое оборудование, в то время как другие воспользовались преимуществами китайских инноваций в этой области, например, математик Цзоу Боки, который использовал продукты иностранного производства для создания своей собственной камеры со стеклянной пластиной.

Изображение двух актеров, сделанное новаторским китайским фотографом Лаем Афонгом. Фотостудии распространились по Китаю во второй половине XIX века. Предоставлено: Коллекция китайской фотографии Loewentheil

Фотография, впервые прибывшая в портовые города, распространилась по всему Китаю во второй половине XIX века.Это привело к созданию коммерческих студий, специализирующихся на портретах людей и семей, многие из которых позже раскрашены вручную обученными художниками.

Пионеры, такие как Лай Афонг, создавали портреты, пейзажи и городские пейзажи, которые, по мнению Лёвентхейля, не уступали по качеству портретам их западных современников.

«Существует равенство китайской фотографии и китайских фотографов, которое недостаточно известно в Китае», — сказал коллекционер.«Некоторые из самых ранних китайских фотографов были блестящими».

Вместо того, чтобы копировать своих зарубежных предков, китайские фотографы часто вдохновлялись собственными художественными традициями. По словам Лёвентхейла, к портретам, например, относились больше как к картинам по составу и использованию света. Натурщиц часто изображали лицом к камере, прямо и практически без выражения, а ранние портреты выглядели как «имитирующие нарисованные портреты китайских предков».

Портрет молодой женщины без указания имени, датируемый примерно 1860 годом.Предоставлено: Коллекция китайской фотографии Loewentheil

Изображения архитектуры, тем временем, охватывают окружающую природу, а не сосредотачиваются на отдельных зданиях, что является еще одним отклонением от западной традиции.

«Очень часто, когда у нас есть неопознанный фотограф, мы довольно хорошо представляем, китаец он или западный», — добавил Лёвентхейл.

Хранители истории

Помимо своей художественной ценности, изображения Loewentheil представляют также академический интерес: его выставка 2018 года проходит в Пекинском университете Цинхуа, одном из ведущих колледжей Китая.

Появление иностранных технологий, в том числе фотоаппаратов, в 19 веке было лишь одним из радикальных изменений, которые положили конец имперской эпохе (Китай стал республикой в ​​1912 году после четырехмесячной революции). Таким образом, на фотографиях того времени запечатлен мир, который быстро исчезнет из поля зрения.

Возьмем, к примеру, работу англичанина Томаса Чайлда, инженера, который задокументировал тонкости традиционной архитектуры Китая. Его фотографии Летнего дворца в Пекине, который впоследствии был сожжен английскими и французскими захватчиками, представляют собой бесценное свидетельство его утраченной архитектуры.

На фотографиях Томаса Чайлда показаны архитектурные детали Старого летнего дворца в Пекине, который был в значительной степени разрушен англо-французскими войсками в 1860 году. Предоставлено: Коллекция китайской фотографии Loewentheil.

«Фотография — величайший хранитель истории», — сказал Левентхейл. «В течение многих лет письменное слово было способом передачи истории. Но самая ранняя фотография сохраняет культуру в Китае и в других местах, как это было на протяжении многих сотен лет, потому что она происходила одновременно с технологическими революциями, которые должны были все изменить.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.