Путеводитель по японскому искусству • Arzamas

17 октября 2018Искусство

Гравюра, каллиграфия и живопись: Arzamas составил инструкцию, как смотреть японское искусство

Автор Анна Егорова

Европейцы познакомились с японским искусством во второй половине XIX века, после вторжения американской эскадры коммодора Мэттью Перри в 1853 году. На международных выставках оно произвело фурор, и в моду тут же вошло все японское: кимоно, ширмы, фарфор, гравюры. «Японизм» проник в европейскую живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров ар-нуво. И все же для большинства японское искусство оставалось диковинкой: картины казались незаконченными эскизами, свитки напоминали обои, а гравюра — карикатуру. И даже сегодня многие аспекты японского искусства не вполне понятны западному зрителю. Как же его понимать?

Живопись

Японская живопись опиралась на принципы, разработанные в Древнем Китае: система жанров, мировоззренческие основы живописи, символизм и многие другие чисто художественные средства были заимствованы с континента одновременно с буддизмом. Система жанров разительно отличалась от евро­пей­ской. Даже самый, казалось бы, понятный — пейзаж — в традиции Дальнего Востока имеет свои особенности.

Что такое японский пейзаж

Хаттори Нанкаку. Пейзаж. Период Эдо, не позднее 1759 года Wikimedia Commons

Главная идея спрятана в названии: японское слово сансуй и китайское шань-шуй переводятся как «горы и воды». Это не портре­тирова­ние какого-то уголка природы, но создание образа идеального космического порядка, опирающегося на натур­филосо­фию  Натурфилософские представления диктуют и особенности других жанров — например, «цветов и птиц», а также «цветов и насеко­мых» и даже декоративной живописи на ширмах, раздвижных перегородках и стенах.. Горы и воды — репрезентация противоположностей, составляющих движительную силу Вселенной. Мужское и женское начала, твердое незыблемое и мягкое изменчивое, светлое и темное (все то, что скла­дывается в пару ян и инь) — противоположности, бесконечно порождающие друг друга и присутствующие друг в друге, формируют гармонию мироздания, отражение которой (а заодно утверждение) и есть главная задача художника. Восточный пейзаж, как правило, умозрительный, это плод кабинетной работы художника-мыслителя. Реалистичность, схожесть, копирование природы, которые стали основой классической живописи Запада, не имели для японцев безусловной ценности.

Как читать свитки

Формат горизонтального или вертикального свитка связан с формой рулона шелка — одного из самых ранних носителей письменности на Дальнем Востоке. Живопись на свитках шелка или бумаги не имеет рамы; четкой границы между изображением и окружающим пространством нет. Именно поэтому у первых западных коллекционеров и возникла ассоциация с обоями. Европейскому взгляду оказалось сложно приспособиться и к технике живописи, и к организа­ции пространства в изображении. В классической японской живописи прост­ранство выстраивается с помощью особой системы приемов. Четко обозначен­ные деталями (постройками на берегу, лодками на воде и т. д.) или тональ­ны­ми акцентами планы композиции на вертикальных свитках легко расслаива­ются, часто отделенные друг от друга туманными полосами пустоты. Эти паузы в изображении и диагональные композиции помогают неторопливо переходить от рассматривания первого плана к дальним, создавая эффект глубины пейзажа.

Сюгэцу. Пейзаж в китайском стиле. Не позднее 1529 года Honolulu Museum of Art

В горизонтальных свитках, рассчитанных на медленное рассматривание по ходу чтения справа налево, этот «временной» аспект живописи еще более очевиден. В пейзаже мастера Сюгэцу зритель «входит» в изображение из пустого пространства воды и неба в правой части свитка, беседует с поэтами и мудрецами на скалистом берегу, любуется старой сосной и «поднимается» в беседку, откуда перед ним открывается вид на темный абрис пологих гор на втором плане, а потом, глубже и выше, — на дальние вершины третьего плана, подернутые дымкой.

Почему дома изображены без крыш

Отсутствие в классическом репертуаре дальневосточной живописи сцен в замкнутых помещениях и городских пейзажей делало неактуальной линейную перспективу. А там, где следовало придерживаться строгих геометрических форм, на помощь как художнику, так и зрителю вновь приходило воображение.

В японской живописи ямато-э с эпохи Хэйан (794–1185) для изображения сцен в дворцовых покоях использовался прием «интерьера со снятой крышей», когда художник и зритель смотрели на происходящее в дворцовых залах сверху, словно заглядывая в кукольный домик и видя фрагмент помещения со скошен­ными балками, занавесями и сидящими в них героями.

Иллюстрация к одной из глав «Повести о Гэндзи» Мурасаки Сикибу. Около 1130 года 徳川美術館 (Художественный музей Токугава)

Этот прием, появившийся еще в ХII веке в иллюстрированных свитках (так называемых эмакимоно), позднее широко применялся в росписи ширм или по­движных перегородок фусума в дворцовых и замковых интерьерах. Японские мастера вообще любили взгляд с высоты птичьего полета, открывавший перед зрителями широкую картину празднеств, военных действий или городских видов. Чтобы подчеркнуть эту высокую точку зрения, удаленность объектов и их отделенность друг от друга, использовался прием ункин. Купы деревьев, показанных как бы сверху, или декоративные позолоченные стилизованные облака позволяли разделить плоскость изображения на регистры и планы. Сам термин ункин состоит из иероглифов «облако» и «парча»: это отсылка к пыш­ным облакам цветущей сакуры и парче осенних краснеющих кленов, сквозь которые показаны пейзажи.

Монах Юкинаги. Императорское шествие в Охару (иллюстрация к «Повести о доме Тайра»). Период Эдо, начало XVII века The Metropolitan Museum of Art

Отделенные друг от друга фрагменты императорской процессии кажутся раз­не­сенными в пространстве, и каждое из них обладает собственной перспек­ти­вой. Художник следует принципу «подвижного ракурса», когда в одном произ­ведении действует множество точек зрения и точек схождения перспек­тивы.

Саэн Хосай (Сиюа Фанци). Майна на ветке сливы. Период Эдо, XVIII век The Metropolitan Museum of Art

Что же касается моделирования объема предметов, то переходы от насыщен­ного цвета туши к акварельной прозрачности были призваны не столько передать реальные светотеневые соотношения, сколько выявить «костяк» формы, который может внушить ощущение объема. А живописный фон часто вовсе исчезает из изобразительного текста, заставляя поверхность бумаги или шелка работать как бесконечное пространство.

Каллиграфия

Хакуин Экаку. Доблесть. Период Эдо, середина XVIII века The Metropolitan Museum of Art

Практически все принципы дальневосточной живописи так или иначе приме­нимы к произведениям каллиграфии — искусству красивого письма. Первая причина этого родства лежит в общности материалов и инструментов письма и живописи. Кисть и тушь, бумага или шелк диктуют одни и те же особенности визуального языка: мазок, формирующий абрис гор или ствол бамбука, мало чем отличается от черты в написании иероглифа. В письме и живописи движе­ния руки художника одинаковые. Также одинаково мастер регули­рует толщину и яркость линии или пятна нажатием на кисть, скоростью пись­ма, насыщением кисти водой.

Вторая причина — сложная природа иероглифа. Иероглиф обладает формой, цветом, композиционной связью с форматом произведения и другими эле­мен­тами изображения. Как письменный знак, восходящий к пикто­грамме — схема­тизированному, упрощен­ному изображению реального объекта, — он сохра­няет далекую связь с формой предмета или природ­ного явления (и наибо­лее близкими к пикто­грамме остаются иероглифы, обозначающие устойчивые при­родные формы: гору, воду, огонь, человека и другие). Как знак письмен­нос­ти он обладает фонетическим звучанием и значением, которое связано с целым рядом литературных, религиозных или философских ассоциаций.

Системы почерков: кайсё, гёсё и сосё

Шестистворчатая ширма с каллиграфией китайской поэзии в стиле гёсё. Япония, XIX векNaga Antiques Gallery

Каллиграф Дальнего Востока создает каллиграфическое произведение, не просто чтобы зафиксировать смысл, но чтобы выразить и воплотить идею отдельного слова, целого стихотворного или прозаического произведения. При этом, как правило, он связан устоявшимися формами письменных знаков: основой каллиграфии является система почерков, каждый из которых обладает смысловыми нюансами и соответствует замыслу автора.

Нейтральный и легко читаемый уставной стиль кайсё ближе всего к печатным знакам; «полукурсив» («бегущий стиль») гёсё — свободнее и выразительнее, динамичнее и гибче: движения кисти тут более плавные и слитные. Но наи­боль­­шим выразительным потенциалом обладает сосё, или «травяное пись­мо», в котором отдельные знаки сливаются в плавно изгибающиеся строки, похожие на спутавшиеся или стелющиеся травы. Каллиграф сокращает письменные знаки, опуская или объединяя мелкие элементы.

Хонъами Коэцу. Каллиграфия стихотворения из сборника «Син кокин вака-сю», украшенная изображениями оленей, в стиле сосё. Не позднее 1637 года MOA美術館 (Художественный музей в Атами)

Иероглифическая письменность пришла в Японию из Китая. Чтобы приспо­собить ее к японскому языку, к концу первого тысячелетия были созданы две слоговые азбуки — хирагана и катакана, которые дополняли иероглифические тексты. Знаки письменности хирагана, часто встречающиеся в каллиграфии наравне с иероглифами, составляли особый связный стелющийся текст, кото­рый у великого мастера ХVII века Хонъами Коэцу превращает строки стихов в продолжение свисающих побегов плюща или травы и кустарник, в которых пасутся олени.

Текст, изображение и иероглиф

1 / 2

Хакуин Экаку. Два слепца переходят по мосту-бревну. Период Эдо, не позднее 1768 года萬葉庵 The Manyo’an Collection of Japanese Art

2 / 2

Хакуин Экаку. Хитомаро. Период Эдо, не позднее 1768 года萬葉庵 The Manyo’an Collection of Japanese Art

За этой самой общей классификацией стилей, или почерков, стоит огромное разнообразие авторских вариаций. Один знак может быть написан по-разному даже у одного мастера, поскольку в каждом новом случае он будет выражать новую идею и новый аспект явления. Именно родство каллиграфии и живо­писи, гибкость японской письменности, связь каллиграфии с литературой и поэзией породили уникальные японские синтетические жанры. Хайга — это небольшой живописный набросок на тему японского трехстишия с каллигра­фией. Дзэнга — каллиграфия и живопись буддийской школы дзен, призванная в лаконичной и часто парадоксальной форме выразить суть учения. Этот синтез проявляется в органичном и порой изобретательном сочетании живо­писи и каллиграфии. Так, дзенский художник Хакуин Экаку (1685–1768) как одну горизонтальную черту проводит бревно-мост, перекинутый через поток. У него же широкие и плавные мазки, формирующие абрис одежд великого поэта Какиномото Хитомаро, одновременно являются и изображе­нием, и каллиграфией, частью текста.

Сэнгай Гибон. Вселенная. Не позднее 1837 года 出光美術館 (Художественный музей Идэмицу)

Экстравагантная манера письма дзенских мастеров иногда делала иероглиф практически нечитаемым, а вера в способность знака передавать суть сложных философских идей породила такие, казалось бы, современные художественные формы, как абстрактная живопись. Сложно определить, к какому виду искус­ства — живописи или каллиграфии — отнести знаменитый свиток Сэнгая Гибона (1750–1837), получивший на Западе условное название «Вселенная».

Гравюра

Гравюра укиё-э, «картины изменчивого мира», стала, пожалуй, самым ярким явлением городской культуры XVII–XIX веков. Именно с бытованием в город­ской среде связано и жанровое многообразие гравюры, и особенности ее художественного языка.

Жанры: красавицы, герои, актеры и пейзажи

1 / 3

Судзуки Харунобу. Влюбленные под зонтом в снегопад. Около 1767 годаArt Institute of Chicago

2 / 3

Китагава Утамаро. Ханацума из дома Хёгоя. Период Эдо, 1794 год東京国立博物館 (Токийский национальный музей)

3 / 3

Утагава Куниёси. Миура Дзироэмон Камэцукэ (из серии «47 преданных вассалов»). Около 1847 годаKuniyoshi Project

Наиболее известными жанрами печатной графики Японии стали изображения красавиц бидзин-га, портреты актеров театра кабуки и изображение сцен из спектаклей якуся-э, героический жанр муся-э, пейзажи фукэй-га, поздрави­тельные листы суримоно и эротическая гравюра сюнга. Эта тиражная художе­ственная продукция выполняла функции рекламы, афиши, постера и, разу­меется, служила развлечению, а порой и просвещению.

Художественный язык гравюры должен был быть максимально ясным и выра­зительным, автор должен был ухватить типичное или, наоборот, уникальное (в той же степени, в которой живописец должен был показать идею пейзажа, а каллиграф — иероглифа). Стремление граверов к простой вырази­тельности изображения и возможности резчиков, переносивших их эскизы на деревянные доски, привели к формированию особого стиля японской гра­вюры с присущей ей игрой линий и пятен цвета и обобщенностью форм  Некоторые подобные обобщения имели в искусстве Японии глубокие корни. Еще в живописи свитков «Гэндзи-моногатари» для изображения миниатюрных лиц героев использовался прием «хикимэ-кагихана (кагибана)» — «глаз штрихом — нос крюч­ком».. Основную информа­цию о героях, а также об их настроении и чувствах несли композиционные приемы, костюмы, колористическое решение. Так, в «портретах» красавиц прославленного Китагавы Утамаро (ок.  1753 — 1806) героиня узнавалась не по внешнему сходству, а благодаря платью, аксессуарам, гербам и, конечно, текстам, сопровождающим гравюру.

Что касается гротескно яростных поз и физиономий прославленных героев, то они восходят к иконографии гневных буддийских божеств — и словно стя­нутая кверху кожа головы, и резко поднятые углы глаз под сведенными бро­вями, и открытый рот, и преувеличенная, порой фантастическая муску­латура должны были подчеркивать сверхъестественную силу и божест­венную ярость таких героев. Так изобразил одного из 47 преданных вассалов Утагава Куниёси (1798–1861), признанный мастер гравюры муся-э.

В то же время бидзин-га и муся-э были связаны с театром кабуки — с его утри­рованными сценическими движениями, выразительными позами и броскими костюмами.

Почему власти боялись гравюру

1 / 3

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве. 1832 годThe Metropolitan Museum of Art

2 / 3

Утагава Хиросигэ. Мoст Суидо и Саругадай (из серии «100 знаменитых видов Эдо»). 1857 годFreer Gallery of Art

3 / 3

Утагава Хиросигэ. Лунная сосна в Уэно (из серии «100 знаменитых видов Эдо»). 1857 годГосударственный Эрмитаж

С усложнением техники многоцветной печати в XVIII веке гравюра превра­щается в сложное художественное произведение, предмет любования и кол­лекционирования. За ней стоит мир японской городской культуры с его слож­ной иерархией, особым языком иносказаний, аллюзий, символов, своей мифо­логией, специфическим духом свободы (или ее иллюзии в жестко устроенном феодальном мире Японии) и особой эстетикой. Эта эстетика нашла выражение в понятии ики, олицетворявшем свободу от условностей и откры­тость к воз­можностям. Эстетика ики чужда вульгарности, но наполнена глубоким пережи­ванием полноты жизни, напряженностью восприятия каждого момента. Это именно то, что также заключалось в понятии укиё (изменчивый бренный мир), ставшем общим названием японской гравюры.

Гравюра никогда не считалась высоким искусством и, напротив, вызывала опасения японского военного правительства как продукция, способствующая моральному разложению и вольнодумству. Как любая печатная продукция, укиё-э проходила цензуру, и многие темы попадали под запрет. Дух ики, несом­ненно содержавший протестное начало, к новому прочтению традицион­ных повествовательных приемов в гравюре, например уподобления митатэ, когда запрещенные сюжеты и герои появлялись в печатных листах в «под­ставных» образах, а события преподносились в иносказательной форме.

Эти запреты на некоторые жанры, вкупе с так называемыми «Указами против роскоши»  «Указы против роскоши» — ряд законов, введенных военным правительством Току­гава (1603–1868), которые ограничивали владение предметами роскоши для разных социальных слоев, в том числе регламен­тировали использование дорогих тканей, драгоценных материалов, стоимость некото­рых ремесленных и художественных изде­лий. , особо строгими в 1840-х годах, значительно меняли репертуар гравюры и влияли на палитру. Но те же ограничения вызвали расцвет пейзаж­ной гравюры, в которой блистательно работали такие мастера, как Кацусика Хокусай (1760–1849) и Андо Хиросигэ (1797–1858). Их серии пейзажей, объеди­ненные единой темой — будь то виды на гору Фудзи, окрестности столицы или дорога Токайдо, соединяющая Эдо (Токио) и Киото, — не только прослав­ляли достопримечательности Японии, но и были своеобразными виртуальны­ми путешествиями для горожан, ограниченных в передвижениях по стране. Надо ли говорить, что многие из этих видов были так же умозри­тельны, как и философские пейзажи живописцев прославленных школ.

Как возникли новые жанры

1 / 2

Пара грабителей. Иллюстрация из «Токийской газеты» от 26 ноября 1872 годаnishikie.com

2 / 2

Цукиока Ёситоси. Девочка успокаивает лошадь, накинув ей на морду свою куртку. Иллюстрация для газеты «Почтовые новости» № 472 от 1875 годаLACMA

Именно в гравюре разных жанров проявилось отдаленное влияние западного искусства, в том числе и попытки применения прямой линейной перспективы, оказавшейся актуальной в театральных интерьерах и городских пейзажах. Но, несмотря на гибкость и способность к переменам, гравюра укиё-э была так тесно связана с реалиями японской жизни эпохи Эдо (1603–1868), что после коренных изменений Японии с реставрацией Мэйдзи  Реставрация, или революция, Мэйдзи — политические, военные и социально-эконо­мические реформы в Японии 1868–1889 го­дов. В результате этих изменений из от­ста­лой аграрной страны Япония преврати­лась в одно из ведущих государств мира.  в 1868 году она испы­тала кризис. Появление фотографии и снижение спроса на прежние темы укиё-э привели к появлению двух художественных форм. Син-ханга — новая гравю­ра, создававшаяся по старой схеме разделения труда всех участников процесса, но изображавшая новые реалии современной Японии. Сосаку-ханга — автор­ская гравюра, в которой один мастер вел все этапы производства, от наброска до печати. Прежде актуальные темы потеряли свою насущность, и появились новые: с развитием периодической печати в Японии в 1870-е годы возникли «новые парчовые картины» (син-нисикиэ) как приложения к газетам, в привыч­ной форме информировавшие читателей о сенсационных, скандальных или просто любопытных событиях. В этом жанре работал и последний боль­шой мастер гравюры Цукиока Ёситоси (1839–1892), и целый ряд его совре­мен­ников.

Декоративно-прикладное искусство

В японском прикладном искусстве нарочито скромные, если не грубые пред­меты сосуществуют с вызывающе роскошными вещами. В зависимости от предпочтений западного зрителя первое может расцениваться как народное ремесло, интересное лишь в этнографическом аспекте, а второе — как резуль­таты пагубного внешнего влияния и экспортного стиля, спрос на который возник на Западе после революции Мэйдзи. Однако на самом деле и то и дру­гое — отражение разных аспектов японской культуры и много­образия эстети­ческих систем, сосуществующих в Японии.

Керамика

Сёню. Чайная чаша. Мастерская Раку. Период Эдо. Около 1700 годаКерамика, черная глазурь.
Museum für Asiatische Kunst, Berlin

Под японским стилем в прикладном искусстве сегодня часто подразумевают минимализм и лаконичность художественного языка. Благодаря популяриза­ции чайной церемонии и икебаны на Западе стали известны такие эстети­чес­кие категории этих искусств, как ваби — безыскусность, непритязатель­ность, даже кажущаяся грубость, и саби — меланхоличное очарование старины. Особенно ярко эти представления о красоте выразились в керамике, и этало­ном ваби в керамике по праву считаются произведения мастерской Раку, с XVI века работавшей в Киото. Непритязательность чайной керамики ваби сродни нарочитой небрежности и грубости живописи дзэнга: за ней стоит осознанная и возведенная в эстетический и этический идеал идея сущности вещи и содержания понятия «красота». Для адептов дзена поистине прекрасная вещь не принадлежала системе противопоставлений «прекрасное — безобраз­ное», а являла собой нераздельную, целостную природу Будды. Для последо­вателей чайной церемонии тя-но ю предметы, участвующие в чайном действе, помимо функциональности и удобства должны были быть философскими собеседниками.

Японская керамика — в подкасте «Зачем я это увидел?»

Как нелепые и кривоватые горшки стали национальной гордостью и символом страны? И какие идеи за ними стоят?

Сибуй и карэй

1 / 2

Интерьер японского дома в стиле сибуй. Фотография Бернара Лангийе. Йокогама, 2013 год© Bernard Languillier

2 / 2

Шкатулка для бумаг в стиле карэй. Период Адзути-Момояма, начало XVII векаThe Metropolitan Museum of Art

Однако принципы ваби и саби появились и имели ценность в ограниченном социальном и интеллектуальном кругу и не могут представлять японскую эстетику в целом. При сёгунах Асикага в XIII веке в Киото, императорской столице Японии, утонченная роскошь описывалась словом сибуй. Это прила­гательное, в зависимости от контекста, можно перевести как «терпкий», «приглушенный», «тонкий», «со вкусом» (содержание этого «вкуса» часто сравнивали со вкусом хурмы). К XVII веку красота сибуй стала предполагать элегантную сдержанность и благородство, отсутствие эксцентричности или вульгарности. Это определение подходит к интерьерам традиционного японского дома, в котором цвет старого дерева сочетается с деталями пати­нированного металла, а бумажные окна пропускают мягкий свет без ярких бликов. По отношению к человеку сибуй означает «скромный и полный достоинства», а образ жизни сибуй подразумевает умение наслаждаться простыми вещами и видеть красоту в окружающем мире.

Однако ни фарфор с полихромной росписью, ни лаковые изделия уруси с зо­лотым декором, ни яркие кимоно и аксессуары не попадают под определение ваби и саби или сдержанной красоты сибуй. Противоположное этому духу уме­ренности понятие карэй, «пышная (цветущая) красота», с IX века использо­ва­лось для описания церемоний императорского двора эпохи Хэйан (794–1185). Позднее и церемониальное платье, и костюмы театра Ногаку, золотофонные ширмы, лаки отвечали представлению о роскоши аристократии и попадали в эстетическую категорию карэй.

Кабуку

Фурута Орибэ. Чайная чаша формы куцугата («смятого башмака»). Период Адзути-Момояма. Начало XVII века The Metropolitan Museum of Art

Представления о пышной красоте карэй и спокойной элегантности сибуй, не­смотря на заметную разницу в содержании и визуальных воплощениях с ваби и саби, предполагали следование нормам социального поведения своего вре­мени. Философу и интеллектуалу, стремящемуся к идеалу древнего мудреца, следовало окружать себя вещами утонченными и сдержанными, аристокра­тия же должна была демонстрировать блеск своего положения. В то же время в искусстве Японии, в том числе прикладном, есть и гротеск, и экстравагант­ность — все то, что вызывало у образованных японцев осуждение и возмуще­ние.

Одним из возмутителей эстетического спокойствия был городской театр кабуки, оформившийся как особый театральный жанр в начале XVII века. Само название несло явно негативную оценку того, что творилось на сцене: оно про­исходило от глагола кабуку, означающего «отклоняться, кривляться, вести себя вызывающим и неподобающим образом». Позднее название театра стали запи­сывать другими иероглифами, чтобы слово можно было прочитать как «песня, танец, мастерство», но понятие кабуку стало обозначать не только яркие дина­мичные представления, но и особый стиль в прикладном искусстве. Таким «отклонением», например, была чайная утварь Фуруты Орибэ (1544–1615), которая отличалась преувеличенно искаженными и экстравагант­ными форма­ми, контрастными сочетаниями цветов, броским, намеренно грубоватым деко­ром. Эта нарочитость была чужда органичности старой чайной утвари и порой вызывала осуждение. Но Орибэ создавал свой дизайн уже в иных исторических условиях, чем основоположники стиля Раку, и дерзкие формы его керамики были одинаково эпатирующими как для чайных мастеров стиля ваби, так и для военной аристократии, устанавливав­шей в то время правление последней династии сёгунов Токугава.

Аудио!

Курс «Культура Япо­нии в пяти предметах»

Искусствовед Анна Егорова о том, почему японский меч — не меч, как ширма спасает от злых духов и зачем всем пить чай из одной чаши

Басара

1 / 4

Мужские доспехи в стиле басара. Япония, XVIII векThe Metropolitan Museum of Art

2 / 4

Кусама Яёй. Работа из серии «Сон, который мне приснился». 2014 год© 草間 弥生 (Кусама Яёи) / 예술의전당 (Центр искусств Сеула)

3 / 4

Кусама Яёй. Работа из серии «Сон, который мне приснился». 2014 год© 草間 弥生 (Кусама Яёи) / 예술의전당 (Центр искусств Сеула)

4 / 4

Такаси Мураками. «В 500 Архатов». © 村上 隆 (Такаси Мураками) / Arthive

Стремление к экстравагантности, а вернее к сильному эмоциональному воз­действию, почти шокирующему и внушающему смятение, разрушающему все эстетические конвенции традиционного японского общества, руководило многими художниками и ремесленниками, создававшими и живописные свитки, и доспехи самураев или предметы воинского снаряжения.

Применительно к подобным брутальным экзальтированным внешним формам использовали слово басара, изначально — имя одного из Двенадцати небесных генералов, божеств гневной формы, охраняющих престол Будды. Специалисты и галеристы склонны видеть эстетику басара даже в работах современных японских художников, восстающих против любых авторитетов в искусстве, классических принципов живописи, привлекающих маргинальные сюжеты и образы или создающих китч. Ярким примером может служить Такаси Мураками, чья выставка в Москве вызвала много дискуссий, или Кусама Яёй, чьи работы в керамике, инсталляции и живописи вполне укладываются в систему басара.

Все эти представления о смысле и функции искусства, о красоте — далеко не исчерпывающий список принципов, лежащих в основе искусства Японии. Для его понимания нужно учитывать не только разницу эстетических и худо­жественных принципов Востока и Запада, но и исключительное разнообразие внутри самой японской художественной культуры — родст­венную близость к континентальным культурам Китая и Кореи, удивительную способность к адаптации внешних идей, сложное синкретическое мировоззре­ние японцев, особенности истории и богатство мифологической, фольклорной и лите­ратур­ной традиций.

Можно ли воспринимать японское искусство, не имея представления о его основах, истории и языке? Конечно. Так и происходит с большинством зри­телей, восхищающихся гравюрами Хокусая или пышными вышивками на ки­моно. Но они открывают в японском искусстве прежде всего нечто свое. Зна­ние же принципов творчества и восприятия, исходных функций произве­дений и технических особенностей в конечном счете помогают постичь смысл, кото­рый эти произведения несли при своем рождении для самих японцев. А это означает приблизиться к адекватному пониманию японского искусства.

посмотрите наш большой видеокурс о японии

Как понять Японию

Александр Мещеряков о главных японских символах и о том, как менялось к ним отношение японцев под влиянием европейской цивилизации

Изображения: Утагава Куниёси. Гравюра из серии «Известные виды восточной столицы». 1834 год

LACMA

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

Картины Японских Художников Пейзажи

Японский пенсионер создаёт в великолепные картины

Но с течением времени в ней появляются контурные линии. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью.

В период Муромати (1392-1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней.

Всего понемногу, но сразу: Яркие картины японского художника

Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле или стиле ямато-э (живопись Ямато). В них много солнца, бликовые переливы игра цвета и тени Они живые. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч. Соответственно в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей.

Суми-э буквально означает «чернильный рисунок», сочетающий в себе каллиграфию и рисование чернилами для создания редкой красоты композиций, нарисованных кистями. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. А японцы, особенно чутко относятся к таким философским вопросам. Японская живопись (яп.

Робот заменит художников граффити

А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Но выглядят они у него чарующе нежно и очень по-японски.

Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры. Созерцание работ вносит гармонию и умиротворение в мир смотрящего. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи. выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными, грубыми мазками. Японская гравюра в 1780-1790 гг.

Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Цвета на всех пейзажах немного приглушенные, подернутые легким утренним туманом, природа спокойна, величественна и настолько осязаема, что кажется еще чуть-чуть и почувствуешь легкий ветерок на склонах гор. кайга, «картина, рисунок»)— один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Этот образ был весьма влиятельным в XIX и XX веках.

Молчаливое очарование японских пейзажей от художника

Искусство Мураками включает в себя целый ряд сред и обычно описывается как суперплоскость. Не случайно ее так и назвали — «укиё-э» (слово «укиё» означает в переводе темное, мирское, обиходное»). Если следовать строгим определениям, эту удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как живопись, так как оно является ксилографией жанра укиё-э из книги «Молодые сосны» (Kinoe no Komatsu), которая представляет собой трёхтомную книгу сюнга.

вступает в период расцвета. А у этого японского художника картины именно такие.

Японские картины: все тонкости восточной живописи

Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле или стиле кара-э. И это даже заметно в практике японской живописи. Абе Тошиюки родился в 1959 году в Японии. При этом подверглись изменению как формы «бытования» искусства, так и его общественная функция. В буддийской живописи также появляются новые формы.

Надо только очень захотеть) В течение долгих 2-х десятилетий он был рядовым учителем рисования (хоть, думаю, многие его ученики с благодарностью вспоминают своего преподавателя) и за какие-то 5 лет японский художник прославился как художник. Ваби, что означает кратковременную и суровую красоту, саби (красота натуральной патины и старения) и югэн (глубокая грация и тонкость) по-прежнему влияют на идеалы в практике японской живописи. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них художник наносил необходимые цвета. Содержание его картин часто описывается как «милое», «психоделическое» или «сатирическое».

«Японский дух 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА» интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу. Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. Развитие гравюры граничит с художником Хасикава Миранобу, который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разнообразные не связанные между собой события.

весенние пейзажи в японской живописи

Он 20 лет преподавал рисование, но всегда мечтал стать художником и творить. Она была написана в 1814 году известным художником Хокусаем. Такаши Мураками, вероятно, самый популярный японский художник современности.

Одна из самых узнаваемых японских картин – «Сон жены рыбака». В 49 лет Абе решил изменить свою жизнь и довериться мечте. Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Это как музыка для релаксации, только в виде иллюстраций. Эта красота парадоксальна – древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но подчиненная, несомненно, отражающая духовную основу искусства в дзен-буддизме. Одной из самых известных серий этой великой художницы является серия «Тыква». Особенно он проникся акварельной техникой живописи.

Невероятные 3-картины художника из Японии

В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от тех, что были в остальном мире. В связи с этим профессия художника стала очень распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров, занятых созданием картин, развивалась даже специализация: одни делали общий набросок рисунка, другие раскрашивали его, третьи обводили контуры. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называтьсяукие-э.

Примером такого сочетания является живопись на ширмах. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Вообще искусство эпохи Эдо (1615-1868) характеризуется особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального. Покрытая узором горошек обычная тыква ярко-жёлтого цвета представлена на фоне сети.

У всех предметов в композиции обязательно есть контур. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись. Традиционный японский пейзаж – горы. Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. Одна из этих техник – суми-э.

Павлины в картинах японских художников

Она основана на более чем тысячелетней традиции, а картины обычно создаются кистями на ваши (японская бумага) или егину (шёлк). В композиции изображена молодая ныряльщица ама, обвитая сексуально парой осьминогов. Например. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. В истории искусства это влияние называют «японизмом» и оно особенно существенно для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модернизмом. Наконец, если мы концентрируем внимание на выборе десять самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э, который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре.

Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира. Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма простой, близкий к символическому характер изображениям не хватало динамики. Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. Яой Кусама также является одной из самых известных японских художниц.

Пейзаж Живопись Япония

Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж. С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи. С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи.

Японские картины: все тонкости восточной живописи

Его пейзажная монохромная живопись тушью отмечена проникновенным пониманием свободной природы, лаконичной образной передачей пространства, сочетанием мягких тонов и энергичных линий. Слово э в термине укиё-э означает «картина». В XVIIвеке формируется особое направление в искусстве, получившее название укиё-э.

Японская живопись (яп. В юности он ушел в монастырь, где принял учение Дзэн. «Реальные виды» Хякусэна и Бусона также далеки от этого. Один из самых известных и популярных – Такаши Муроками (Takashi Murakami), вместе со своими коллегами по студии Каикаи Кики (Kaikai Kiki). Темой для живописного свитка «Ловля сома тыквой-горлянкой» послужила дзэнская загадка (коан) о том, как поймать скользкого сома при помощи отполированной тыквы-горлянки. Ее придумал Асикага симицу и приказал художнику выполнить для него ширму с данным сюжетом.

Благодаря данному приему зритель изучающий пейзаж, в определенной степени также является его создателем, поскольку пытается разгадать «секрет» художника через собственные эмоции и мироощущение. Кано Эйтоку (Kano Eitoku) разработал способ изображения грандиозных пейзажей на скользящих дверях, огораживающих комнаты. Монастыри были главными очагами культуры в средневековой Японии. То же назначение сохранялось у них и в последующем периоде Эдо (Edo), когда сёгунат Токугава (Tokugawa) продолжил продвигать работы школы Кано как официально санкционированный вид изобразительного искусства для сёгуна, феодалов (daimyo) и императорского двора. Однако, в период Азучи-Момояма существовали и развивались художники и течения в живописи, не относящиеся к школе Кано они перенимали китайские тематикии применяли их с использованием японских традиций. Гравюру создавали художник, резчик и печатник. кайга, «картина, рисунок»)— один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.

Практиковались и многие старые школы, особенно периода Токугава. Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др. После этого художники японской «южной школы» тоже рисовали «реальные виды», однако по сравнению с эпохой Бусона и Тайга число таких картин стало заметно меньше и можно сказать, что это было шагом назад. Следовательно, если подразумевать под «сансуй» пейзажную живопись в чисто китайском стиле, то назвать «Сэндзуй-бё:бу» «сансуй» в полном смысле этого слова довольно затруднительно. Популярными были изображения театра кабуки, проституток и пейзажи. Не случайно ее так и назвали — «укиё-э» (слово «укиё» означает в переводе темное, мирское, обиходное»). Среди эскизов Бунтё из-за свободной манеры письма на первый взгляд не похожие на него иллюстрации «Свитка с видами главных городов провинций» отличаются блистательной мягкостью, свежестью и живостью. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара (Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо.

Традиционная японская живопись и гравюра

Примером такого сочетания является живопись на ширмах. Украшали этот «земной рай» беззаботные красавицы, законодательницы мод известность некоторых из них соперничала со славой знаменитых актеров театра Кабуки. К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. Например, даже если мы возьмем «Шесть знаменитых видов Киото», то в ней он подражал основным чертам манеры Фань Куаня, Ми Фэя, Цзюй Жаня, Ли Бо, Ли Тана, Ся Гуя и других художников школ Бундзинга и Интайга (придворная живопись), начиная с северной Сун и заканчивая Южной Сун. Традиционный японский пейзаж – горы.

вступает в период расцвета. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называтьсяукие-э. Вместе с тем, подавляющее большинство художников эдоской «южной школы» отошло от ограниченности формы традиционного китайского пейзажа. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен. На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм. Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма.

«Реальные виды» Хякусэна и Бусона также далеки от этого. Спустя век, художник Корин (Korin) переработал стиль Сотатсу и создал великолепные картины в своем собственном стиле. Другой важный жанр, появившийся в период Азучи-Момояма, но достигший пика своего развития в начале периода Эдо – Намбан (Namban), который изображал экзотичных иностранцев и использовал экзотичный иностранный стиль изобразительного искусства. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи. Японский исследователь Такаси Исикава, говоря о ма, отметил: «Художник через пустое пространство может выразить такие явления природы, как туман, дымка, облака, вода или дать намек на бесконечность мира». Важной деталью является то, что сам по себе китайский пейзаж – это не реальное отображение какого-либо участка местности, а собственное творение автора, плод его восприятия окружающей действительности, фантазии.

Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Одна из значительных школ, появившихся в начале периода Эдо – школа Римпа (Rimpa), которая использовала классические сюжеты, но представляли их в смелом и ярком формате. Именно на парных ширмах написаны Красные и белые цветы сливы — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658—1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

весенние пейзажи в японской живописи

выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными, грубыми мазками. Первым и наиболее популярным стал жанр бидзинга («картины красавиц»). Даже когда он работал над свитком с китайскими пейзажами «Красная скала и озеро Дунтин», он часто приходил к озеру Бива, чтобы изучить, как выглядят волны – говорит Куваяма Гёкусю. И-маки также являются одними из самых ранних и великолепных примеров стилей живописи отоко-и (otoko-e, мужские картины) и онна-и (onna-e, женские картины).

Эти «художники западного стиля», не осознавая этого, считали себя новыми реформаторами, но на самом деле продолжали старое и находились в противоречии с попытками создать новые картины. Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Но есть в них и нечто общее, характерезующее почерк мастера. Первым художником, обратившимся к новым сюжетам в гравюре, стал Кацусика Хокусай (1760-1849).

Этот термин достаточно сложен и многозначен. н. э. ). В двадцатилетнем возрасте он рисовал «Горный водопад Мино», «Иллюстрированный свиток живописных мест провинции Муцу», главной темой которого был остров Мацусима, «Вид вершины Асама», в 30-летнем возрасте «Альбом с видами цветов-волн (брызги волн, образующие форму, похожую на цветы – прим. Это был особый мир, где не существовало обыденных житейских проблем и социального неравенства.

Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храмеУджи (Uji) вКиото. Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая.

Верхняя часть свитка покрыта каллиграфическими надписями, большей частью поэтическими. Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. Живопись в традиционном стиле (нихонга) продолжала оставаться модной, обновляя техники изображения, при этом сохраняя свойственные им особенности. В ней к этому времени выделились два основных направления: ямато-э – придворная живопись светского направления, основанная на сочетании четких, плоских силуэтов и декоративных цветовых пятен и суйбокуга (или сумиё-э) – монохромная живопись тушью, зародившаяся в дзэнбуддийских монастырях, где проповедовались интуиция и созерцание как путь достижения истины. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле или стиле ямато-э (живопись Ямато).

Первое время дзэн-буддизм в Японии находился под сильным китайским влиянием. Художники прошлого в своих пейзажах стремились создать обобщенный образ природы исполненный величия и внутренней гармонии.

В отличие от обычных гравюр суримоно не продавали в книжных лавках. Он стал рисовать в китайской манере и имел большое количество учеников и последователей.

Презентация к уроку по изобразительному искусству (ИЗО, 4 класс) по теме: Пейзажная живопись и графика Японии

Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них художник наносил необходимые цвета. Школа Кано (Kano) получила покровительство Оды Нобунаги (Oda Nobunaga), Тойотоми Хидеёши (Toyotomi Hideyoshi), Токугавы Иеясу (Tokugawa Ieyasu) и их последователей, её размер и престиж сильно выросли. Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э.

В пропаганду правительства было вовлечено множество художников и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось. После войны, в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств (Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin), включающая отделы как по нихонге, так и по йоге. В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными. Искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального.

Картина панно рисунок Мастер-класс Педагогический опыт Рисование и живопись Японский пейзаж Гуашь

Вся творческая жизнь Минтё прошла в монастыре Тофукудзи в Киото, входившем в так называемую систему «пяти храмов» (годзан), проповедовавшую китайскую культуру. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч. В эдоской «южной школе», уже у учителя Кадзана появляются эскизы пейзажей с натуры. Реальные пейзажи в этом стиле абсолютно очевидно отличались от традиционных сансуй.

Этот синтетический вид искусства соединял в себе живопись, поэзию и каллиграфию, где все составляющие были равнозначны. Эти огромные ширмы и настенные рисунки должны были украшать дома и дворцы военной знати. Таких героев называли «уединенным человеком, вольным мужем», который наслаждался покоем и созерцательностью одинокой жизни в горах, предавался беседам с друзьями и размышлениям о природе. Непревзойденный шедевр Сэссю — картина «Зимний пейзаж» (1480 -е годы).

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Природа в работах художника величественна и спокойна, краски умиротворяюще приглушены. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой прозрачной бумаге. В период Муромати (1392-1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Позднее, с периода Хэйан (794–1185), на гравюрах появились божества и исконно японского синтоистского пантеона, а также священные животные (черепаха, журавль, карп). Запад соприкоснулся с принципиально иной системой, где были решены задачи, которые ставили перед собой импрессионисты и постимпрессионисты: усиление роли локального пятна и чистого цвета, передача в картине эмоционального образа природы. одно из нескольких сохранившихся произведений, «Сэндзуй-бё:бу» («ширма с горами и водами»), являясь пейзажем с элементами жанровой живописи использовалась для религиозных обрядов.

Центром этого жанра стал портовый город Нагасаки (Nagasaki), который, после введения сёгунатом Токугавы политики изоляции, стал единственным японским портом, получившим разрешение вести торговлю с иностранными государствами Нагасаки стал единственным путем проникновения китайских и европейских влияний на искусство в Японию. Живопись в Японии появилась в самый древней период истории страны. Всюду царит гармония, а от каждой картины буквально веет спокойствием. Возникшая в XVIIвеке в среде набиравшего силу «третьего сословия» – горожан, ремесленников, торговцев – ксилография отражала их взгляды на искусство.

Презентация по изобразительному искусству Японский пейзаж часть 1

Не случайно ее так и назвали — укиё-э (слово укиё означает в переводе темное, мирское, обиходное).

Ма может содержаться в спектакле театра Но или Кабуки, в архаических танцах и песнях – пауза во время действия встихотворении – тогда это цезура вживописи или гравюре – это незаполненные «пустые» части поверхности бумаги или шелка. Например, декоративный натурализм школы римпа (rimpa), для которого характерны великолепные чистые цвета и подтеки краски, был отражен в работах многих художников после войны и в картинах Хикосаки Наоёши (Hikosaka Naoyoshi) в 1980-х. В этом стиле работали такие художники, как Ике но Таига (Ike no Taiga), Урагами Гиокудо (Uragami Gyokudo), Йоса Бусон (Yosa Buson), Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden), Тани Бунчо (Tani Buncho) и Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu). Из-за строгой финансовой и социальной политики сёгуната Токогава дорогие произведения этих жанров и стилей были лимитированы для высших слоев общества и недоступны, даже запрещены для низших классов. Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле или стиле кара-э.

Одновременно оно могло пониматься как «быстротекущий мир наслаждений». Часто одни и те же художники работали и в той и в другой технике. Японская гравюра в 1780-1790 гг.

Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава Моронобу (1618—1694). Эта идея «нравоучительной живописи» Кокана, так и продержалась у художников в западном стиле конца сегуната вплоть до Такахаси Юити и в этом отношении она была архаичной, вот таким образом нельзя делать безоговорочный вывод, что они были новыми из-за того, что рисовали в западном стиле. Даже если посмотреть на труды Сиба Кокана по изобразительному искусству, то он одновременно с новыми теориями, взятыми у европейской живописи, с другой стороны был глубоко убежден в идее старинной китайской нравоучительной живописи, которая считала, что картина должна иметь практическое значение, как инструмент «поощрения добродетели и наказания порока». Хотя Ниттен изначально являлась выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею заведовала отдельная частная корпорация. Большая часть пространства картины оставалась незаполненной, «пустой», а предстающие зрителю еле различимые вершины гор и пагод, человеческие фигуры, почти скрытые деревьями или камнями, как бы окутаны туманом.

Основные мотивы японской живописи

Сохраняется даже портретное сходство. Но, пожалуй, самыми заметными являются отличия в тематиках. Их основой, вероятно, была ностальгия по чисто японским видам природы, как в «Ширме с соснами на морском берегу» школы ямато-э, но ее выражение абсолютно другое и не преследуя целью модную декоративность, как в тех произведениях, они показывают лиричность и любовь к японской природе через изобразительные приемы живописи тушью. В их основе лежала идея Пустоты. Гравер, наклеив рисунок лицевой стороной на доску продольного распила (для этого использовалась древесина вишни иногда груши или самшита), вырезал первую печатную форму. В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма.

Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. До XIXвека японцы практически не знали печатного станка. Реализм школы Маруямы Окио (Maruyama kyo) и каллиграфический и спонтанный Японский стиль также практиковались в восьмидесятых.

Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры. Именно в Эдо (Токио), новой столице страны, началось становление нового направления в изобразительном искусстве – жанровой живописи, получившей название укиё-э («картины повседневной жизни»). Например.

Лоскутная живопись в технике кинусайга

Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото. Никаких бурных страстей, лишь радость созерцания и радость мирного труда.

Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен (Nitten), которые были даже обширнее. Китайские мастера придерживались принципа: разнообразие — закон природы, но не композиции. Вот из-за этого то луна и становится яркой. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Известные японские художники периода Муромачи

Их издавали частным образом и для этого применяли особые краски и особую технику печати. Это «Коё-тансё», который Бунтё нарисовал по следам своего путешествия в сопровождении начальника береговой охраны провинций Сагами и Идзу пожилого Мацудайра Саданобу, однако их стиль немного натянутый и несвободный. Красавицы, запечатленные в живописи, утрачивали индивидуальные черты, поскольку художникам важно было передать в создаваемом образе идеализированное представление о прекрасной женщине, отстраненное от обыденности реальной жизни (рис. 72). Простые рисунки из палочек и геометрические композиции встречаются на гончарных изделиях периода Йомон (Jomon) и на бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (Yayoi) (300г.

Созерцание работ вносит гармонию и умиротворение в мир смотрящего. Однако если главной темой пейзажа нового времени была природа сама по себе, то пейзаж укиё-э до конца не отходил от изображения людей. Однако к середине периода Нара стали популярны изображения в стиле династии Танг (Tang). Хокусай в своих пейзажах первым заечатлел в искусстве реально существующие виды Японии. После абстракционизма 1960-х, 1970-е застали возвращение к реализму под влиянием таких течений, как «оп» и «поп», которые воплотились в 1980-х в великолепных работах Шиохары Ушио (Shinohara Ushio).

Известные японские художники периода Азучи-Момояма

С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala). Интерес к женским персонажам не случаен. Этот период ознаменовался разделением изобразительного искусстваЯпонии на конкурирующие западные и традиционные стили. Западный стиль живописи (Йога, Yga) официально поддерживался правительством: подающих надежды молодых художников посылали учиться за границу иностранные художники нанимались, чтобы проводить занятия в японских школах. Однако после начальной популярности западного стиля, маятник качнулся в другую сторону и, ведомое критиком Окурой Какузо (Okakura Kakuzo) и преподавателем Эрнестом Феноллоса (Ernest Fenollosa), возродилось признание традиционных японских стилей. Настенная живопись с геометрическими и образными композициями были найдены во множестве склепов периода Кофун (Kofun) (300-700гг. Шубун, монах монастыря Шококу-джи (Shokoku-ji) в Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще» (Reading in a Bamboo Grove), реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве.

Эмакимоно включали в себя иллюстрированные художественные произведения (например, Генджи Моногатари (Genji Monogatari) исторические хроники (например, Бэн Дайнагон Экотоба (Ban Dainagon Ekotoba) и религиозные записи. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов, гейш. С Сэссю Тоео (1420– 1506) началась японская живопись дикой природы. Стиль онна-и, представленный в свитке «Сказание о Генджи», обычно изображает жизнь при дворе, чаще всего жизнь придворных дам и романтические сюжеты. Почему Тайга стал изображать так много реальных видов.

Известные японские художники периода Эдо

Важную роль в жизни городов играли так называемые «веселые кварталы», бывшие единственным местом, где горожанин мог ощутить себя свободным, независимым человеком, которому доступны все земные радости. Живопись укиё явилась непосредственным предшественником гравюры укиё. В суримоно обязательно вводилась поэтическая надпись, дополняющая, а иногда и поясняющая художественный образ. Не существовало даже четкого деления на мастеров живописи и гравюры. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto). Пейзажная живопись Японии получила развитие уже в ХIV веке.

Монастырь Сёкокудзи относился к школе Риндзаи-дзэн известной также под названием «школа внезапного просветления». Однако, главным в творчестве мастера стали пейзажи, выполненные в монохромной технике суйбокуга («живопись тушью и водой»). Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле или стиле ямато-э (живопись Ямато). Традиция любования цветущей сакурой появилась в Японии в VII веке. Возможно, следуя этой традиции, Кадзан Ватанабэ (1793–1841) на своем свитке «Весенний пейзаж» (шелк, тушь, подрисовка) изобразил поэта Басё, создателя трехстиший хокку (хайку). Отсюда будет проблемой приблизить укиё-э так, как оно есть, к пейзажу Нового времени.

С одной стороны, даже в ямато-э со второй половины эпохи Муромати и до эпохи Момояма, «картины четырех времен года», «виды знаменитых мест» и другие крупные категории живописи эпохи Хэйан были «скрытым течением», но многочисленные декоративные ширмы, такие как «Ширма с изображением сосен на берегу» или «Ширма с видами солнца и луны», богатые очарованием новых сюжетов, обнаруживают яркие образы. Все шло к объединению Востока и Запада. К тому же, китайские и японские буддийские свитки были не просто живописными картинами, а объектами медитации, длительного созерцания, с помощью которых монах или самурай постигали учение Дзэн.

Восточные мастера намеренно изолировали один персонаж от другого (что видно в работе Кано Мотонобу), вводили между ними интервалы, считая, что формы (персонажи) нужно связывать не столько зрительно, сколько мысленно. После этого художники японской «южной школы» тоже рисовали «реальные виды», однако по сравнению с эпохой Бусона и Тайга число таких картин стало заметно меньше и можно сказать, что это было шагом назад. Художник Сотатсу (Statsu) развивал декоративный стиль живописи, воссоздавая сюжеты классической литературы используя блестяще раскрашенных персонажей и картины природы, противопоставленные фону из позолоты.

Когда рисунок приклеивался из него вырезались части, которые не были закрашены, таким образом получалась печатная форма. Все «учения» живописи Нью-Йорка и Парижа были приняты с широко раскрытыми объятиями. Икэно Тайга с молодости начал изображать реальные пейзажи. Одной из важных групп художников была школа Тоса (Tosa), которая использовала традиции ямато-и и была известна, в основном, благодаря работам небольших масштабов и иллюстрациям к литературной классике в книгах или эмаки (emaki). Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле или стиле кара-э. Некотопые художники уже преодолели это расстояние, подобно знаменитому живописцу Шиноде Токо (Shinoda Toko).

Известные японские художники периода Мейджи ()

Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару (Yasui Sotaro) и Умехара Рязабуру (Umehara Ryuzaburo), которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной. «Осада дворца Санджо» (Siege of the Sanj Palace) – еще один знаменитый пример этого стиля. второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой. Считается, что «новый стиль» живописи, появившийся в Японии около 1413 года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода. К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей (сансьюга, sansuiga) получили одобрение правящей семьи Ашикага (Ashikaga) и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности. Наиболее известные художники периода Муромачи – священники-художники Шубун (Shubun) и Сесшу (Sesshu). Яркий пример — панно «Цветы и птицы», состоящее из сорока девяти свитков. Это как музыка для релаксации, только в виде иллюстраций. С постоянным развитием буддизма в Япониив направлениинового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise).

У Кадзана в «Иллюстрированном свитке с видами Кюсю» она тоже есть, но для эскизов Кёсё больше подходит название «фукэй» (пейзаж»), чем «сансуй» в традиционном смысле. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль Нинонга (Nihonga) развивался под влиянием европейских движения периода до Рафаэля и европейского романтизма. Художники, работающие в стиле Йога, образовали Мейджи Биджусукаи (Meiji Bijutsukai, Общество изобразительного искусства Мейджи), чтобы проводить свои собственные выставки и вновь пробудить интерес к западной живописи. Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы. Картина «Ловля сома на тыквенную семечку» (Catching a Catfish with a Gourd), написанная священником-художником Джосетсу (Josetsu), которая находится в храме Тайзо-ин (Taizo-in) в районе Миошин-Джи (Myoshin-ji) в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи.

до н. э. – 300г. Картина относится к жанру сигадзику («стихоживопись»). Живопись в современном стиле начала искать выгоду в использовании традиционных японских жанров, механизмов и сюжетов.

Произведение Дзёсэцу выполнено в монохромных тонах, с несколькими акцентами красной краски (на тыкве-горлянке). Этот курс продолжили Леонард Фоуджита (Leonard Foujita) и Общество Ника, добавив элементы сюрреализма. Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных мастеров.

Тончайшая пейзажная живопись воспроизведена на натуральном шелке. Вообще искусство эпохи Эдо (1615-1868) характеризуется особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального.

Несомненной находкой Кано Масанобу стало соединение в рамках одного произведения элементов двух классических жанров — пейзажа и катёга («цветы-птицы»). Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской.

Резчик изготавливал необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Направление формирования этого вида живописи во многом определялось вкусами горожан.

Известные японские художники периода Тайшо

Он ввел в нее пейзаж в качестве самостоятельного и самоценного жанра. Среди немногих (около 40) сохранившихся работ художника — портрет священника Сойти (1202—1280), основателя этого монастыря, отличающийся высокой драматичностью и реалистичностью изображения. Традиционные жанры японской живописи – пейзаж, цветы и птицы находят новое осмысление. Цветы сакуры украшают монету достоинством в 100 иен. перев. )», «Вид озера Синдзи», «Шесть знаменитых видов Киото», в 40 лет – «12 знаменитых видов Японии», «Вид залива Кодзима», то есть он рисовал реальные виды на протяжении всей жизни.

В XVI веке эти картины положили начало развитию гравюр на дереве для оттиска или укиёи (ukiyoe), которые в середине и в конце периода Эдо были основными носителями письменной информации. Примеры этого жанра включают в себя работы школы Нагасаки, а также работы школы Маруяма-Шиджо (Maruyama-Shijo), объединившей китайские и европейские влияния с традиционными японскими элементами. Третья важная тенденция периода Эдо – подъем жанра Бунджинга (Bunjinga иллюстрации к литературным произведениям), также известного как школа Нанга (Nanga, Южная школа живописи). Мы хотели обратить внимание именно на этот аспект.

Известные японские художники периода Шоуа

Японские художники в отличие от западных не создают иллюзию сплошной поверхности картины, а оставляют большие пространства незаполненными, называя этот прием ма – «промежуток», «пауза». Японские пейзажи Хокусая бесконечны в своем разнообразии.

Первой причиной было то, что Тайга изображая пейзаж, осознавал необходимость того, что он должен быть близок к реальности. – Хсен-цу (Hsien-tzu) в момент, когда он достиг просветления. Но выглядят они у него чарующе нежно и очень по-японски. Эпоха Эдо (1603–1868) характеризуется определяющей ролью интенсивно развивающихся городов, ставших центрами расцвета торговли, ремесел и искусств. Однако позднее ямато-и стал использоваться и по-другому (особенно в конце периода Хэйан), например, на свитках эмакимоно (emakimono). Слово укиё в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный мир» или «юдоль скорби».

Простолюдины разработали альтернативный вид живописи – фузокуга (fuzokuga), в котором изображались сцены простой, повседневной жизни обычных людей. Техника печати с деревянной доски, пришедшая из Китая одновременно с распространением буддизма известна уже с периода Нара (710–794). Принципы китайской живописи прослеживаются и в композиционном построении. На свитке изображен рыболов, стоящий на берегу реки и пытающийся поймать сома.

Современный период в японской живописи

Басё узнаваем, как и на изображенных тушью иллюстрациях к его дневнику «По тропинкам севера»: круглая лысая голова, большой нос, сосредоточенный грустный взгляд. н. э. ). С принятием китайской письменности (канджи), китайской модели государственного управления буддизма в период Асука, в Японию пришли множество картин из Китая, начали появляться местные произведения в таком же стиле. По стилю они напоминают китайские картины времен династии Су (Sui) или позднего периода Шестнадцати королевств. В живописи тушью в эпоху Момояма, с одной стороны существует подражающая во внешней форме манере Сэссю школа Ункоку, а с другой изображаются и довольно сильно отличающиеся от них по характеру произведения излучающие броские цвета, такие как «Ширма с изображением соснового леса» Хасэгава Тохаку. В настоящее время цветы сакуры используется на гербах полиции и вооружённых сил Японии.

Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира. Главное место в суйбокуга заняла живопись «гор и вод» («сансуйга»), развивающая традиции классического китайского пейзажа XI-XIII веков. В этом отношении можно сказать, что укиё-э сходно по характеру с пейзажем нового времени. Но с течением времени в ней появляются контурные линии.

Молчаливое очарование японских пейзажей от художника

В произведении Минтё присутствуют все основные элементы «идеального пейзажа»: небольшая хижина с фигуркой человека, камни, омываемые горным ручьем и проступающие сквозь туманную дымку вершины гор. Буддийские сюжеты были одной из важных составляющих китайской живописи, хотя сам Кано Мотонобу редко обращался к этой теме. Свиток «Патриархи дзэн-буддизма» представляет собой групповой портрет основоположников Дзэн (всего их 6) в окружении учеников и на фоне канонического китайского пейзажа сан суй («горы-воды»). Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. Творческая судьба Хокусая необычна.

Его отец, Кано Масанобу, происходил из военного класса и был придворным живописцем сегуна Аси-кага Как художник, обслуживающий аристократические кланы, Масанобу был приверженцем китаизированного направления (канга) в искусстве. В буддийской живописи также появляются новые формы. Они включают в себя настенные рисунки в гробнице Такамацузука, относящиеся к 700г. «Пустота» такого рода рождает образы и идеи, которые иным образом появиться не могут. При этом подверглись изменению как формы «бытования» искусства, так и его общественная функция. Соответственно в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Возможно, это одна из причин, по которым в эпоху Мэйдзи укиё-э не развилось пейзажную живопись. Примером такого сочетания является живопись на ширмах.

Простая картина в японском стиле

Центрами распространения нового учения стали монастыри, а проживавшие в них монахи — хранителями знаний и создателями дзэн-буддийской культуры. Дзёсэцу — один из первых японских мастеров, работавших в стиле суйбокуга (живопись тушью). Это их конкретность и достоверность.

Для продолжения работы в этом направлении, в 1931 году была сформирована Независимая ассоциация искусств (Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai). Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. В период Мейджи, в Японии произошли огромные политические и социальные изменения в рамках кампании по вестернизации и модернизации, начатой новым правительством. Сьюбокуга (Suibokuga), строгий одноцветный стиль живописи использующий чернила, появившийся в эпоху династий Сунг (Sung) и Юань (Yuan) в Китае, в значительной степени заменил собой многоцветные иллюстрации в свитках предыдущего периода, хотя многоцветная портретная живопись сохранилась, в основном в форме картин «чинзо» (chinso) монахов Дзен. Этот стиль стал основой жанра Кара-и, который оставался популярным в начале периода Хэян.

А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Художники и-маки (E-maki) разработали системы условных рисунков, которые визуально передавали эмоциональное содержание каждой сцены. Жанр «стихоживописи» пользовался большой популярностью среди монахов школы Дзэн и среди художников и поэтов, связанных с дзэнским учением.

Китайский концептуальный пейзаж сан суй («горы-воды») носил созерцательно-философский характер, его образный строй основывался на передаче в живописи идеи беспредельности пространства, в котором жизнь природы и человека сливалась в единое целое. Такой взгляд отвечал главной мысли дзэн-буддизма, рассматривавшего природу как высшее проявление истины, гармонии и красоты, а сам пейзаж представал больше культовой и философской, нежели эстетической, категорией. Они указывают на то, что это произведение относится к синтетическому виду искусства — сигадзику («стихоживопись»), объединившему в себе живопись, каллиграфию и поэзию. Обязательной, но очень малой частью почти в каждом пейзаже присутствует человек (истинный герой произведений в стиле «сансуй» – крестьянин, живущий простой жизнью в согласии с природой). Каждая гравюра — ценный памятник живописного искусства, а серии в целом дают глубокую, своеобразную концепцию бытия, мироздания, места человека в нем, традиционную в лучшем смысле слова, т. е. укорененную в тысячелетней истории японского художественного мышления и абсолютно новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения. Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као (Kao) легендарного монаха Кенсу (Kensu, в кит.

Пейзажная живопись – базовый стиль китайской эстетики

.

Сосна в японской живописи. работы японских художников с изображением сосен.

Настоящая публикация служит иллюстрированным дополнением к заметке «Сосна как символ [в восточной культуре]». Здесь представлены работы японских художников с изображением сосен, в основном пейзажного (сансуй, «горы и воды») жанра, относящиеся к разным эпохам, начиная с периода Хэйан и заканчивая периодом Сёва (20 век).

Период Хэйан (794—1185)

Как и многие другие японские темы, мотивы и предметы живописи, тема сосен, была заимствована из китайской традиции. И одними из ранних сохранившихся в Японии образцов живописи с изображением сосен могут служить работы китайских художников — декоративные росписи ширм в стиле кара-э из коллекции субхрама Сёсо-ин (正倉院) в монастыре Тодай-дзи (東大寺) в Нара (картины с изображением женщин под деревьями).

Ширма из храма Сёсо-инШирма из храма Сёсо-ин
VIII век

Сосны были любимым мотивом в живописи ямато-э (やまと絵) периода Хэйан. Для художников ямато-э было характерно стилизованное изображение сосен, как и других элементов пейзажа в целом. Наиболее ранний из сохранившихся пейзажей того периода — «Сансуй Бёбу» (山水屏風) из коллекции Национального музея Киото, ранее принадлежавшей киотоскому храму Тодзи (東寺). На многостворчатой ширме изображён популярный поэт китайской династии Тан в своем любимом горном убежище. Пейзаж состоит из невысоких, покатых холмов и широкого водного пространства, которые напоминают пейзажи из района Киото.

ПейзажРоспись ширмы (бёбу)
«Пейзаж». Поздний период Хэйан

Исторические документы свидетельствуют о том, что на «картинах с известными видами» (名所絵, мэйсё-э) периода Хэйан иногда изображался морской берег с соснами (см. «Песчаный берег и сосны», хамамацу-дзу, 浜松図), например, побережье Суминоэ (住之江, Осака), Исэ (伊勢, префектура Миэ) или Сэтцу (摂津, префектура Хёго). Представляется вероятным, что в прибрежных пейзажах, изображённых на этих хэйанских картинах с известными видами, было мало отличий, потому что ни одна из них не была написана с натуры.

Период Камакура (1185—1333)

Фрагмент свитка «Легенды храма Дзинъо-дзи»«Легенды храма Дзинъо-дзи». (фрагмент)

Представленная выше картина относится к заключительной части двух рукописных свитков (эмакимоно) четырнадцатого века, повествующих о легендах храма Дзинъо-дзи. Согласно преданию, японский горный отшельник Эн-но Гёдзя отправился в Корею просить божество Хосё Гонген приехать в Японию, чтобы защитить место будущего Дзинъо-дзи. Хосё Гонген согласился, и храм был основан в 684. Дзинъо-дзи, расположенный в городке Кисивада (современная префектура Осака), в настоящее время представляет собой небольшой храм, принадлежащий школе японского буддизма Тэндай. Сцена из свитка изображает паломников, очищающих себя в реке перед входом в храм. На берегу реки, под двумя деревьями, связанными вместе священной верёвкой сименава, синтоистский священник использует гохэй (ритуальный деревянный посох с бумажными полосками) для очищения буддийского монаха.

Период Муромати (1336-1573)

Сосновая рощаТоса Мицунобу (1434-1525). «Сосновая роща»
Песчаный берег и сосныНеизвестный автор. «Песчаный берег и сосны»
конец 15 века

В творчестве художников, работавших в стиле «кара-э» или «канга», изображения сосен были более натуралистичными и часто следовали манере Ма Юаня и Ся Гуя и южнокитайской школы живописи.

Пейзаж в стиле Ся ГуяСюбун Тэнсё. «Пейзаж в стиле Ся Гуя»
Четыре сезонаСэссю. «Четыре сезона: Осень, Зима»
Четыре сезонаСэссю. «Четыре сезона: Осень, Зима»
Длинный свиток пейзажейСэссю Тойо. «Длинный свиток пейзажей» (фрагмент)
Длинный свиток пейзажейСэссю Тойо. «Длинный свиток пейзажей» (фрагмент)
Пейзажи с соснамиКано Мотонобу. Пейзажи с соснами
Япония, период Муромати

Период Адзути-Момояма (1573—1603)

В период Адзути-Момояма были созданы знаменитые ширмы Хасэгава Тохаку «Cосновый лес», которые сейчас находятся в собрании Токийского национального музея и причислены к Национальным сокровищам Японии.

Cосновый лесХасэгава Тохаку. «Cосновый лес». Период Адзути-Момояма
Токийский национальный музей

Период Эдо (1603-1868)

Цветы и птицы четырёх сезоновШкола Тоса. «Цветы и птицы четырёх сезонов»
Пара шестистворчатых ширм. Япония, период Эдо, 17 век
Сосны четырёх сезоновКано Танъю. «Сосны четырёх сезонов», стиль ямато-э
Япония, период Эдо
Учёный муж, созерцающий озероКано Танъю. «Учёный муж, созерцающий озеро», стиль канга
Япония, период Эдо
Птица на соснеНеизвестный автор. «Птица на сосне»
Три друга зимы и птицыНеизвестный автор. «Три друга зимы и птицы»
Сосна на берегуНеизвестный автор. «Сосна на берегу»
Дикие гуси и заснеженные сосныОгата Корин. «Дикие гуси и заснеженные сосны»
Сосна, цветы и травы четырёх сезоновОгата Корин. «Сосна, цветы и травы четырёх сезонов»
Заснеженная ветка сосныОгата Кэндзан (1663—1743). «Заснеженная ветка сосны»

Особого внимания заслуживают «золотые» ширмы Маруяма Окё «Заснеженные сосны», причисленные в наше время к Национальным сокровищам Японии. Считается, что Окё одним из первых японских художников стал сдвигаться от глубины и символизма восточной живописи в сторону натурализма западной живописи.

Заснеженные сосныМаруяма Окё. «Заснеженные сосны»

Период Мэйдзи (1868-1912)

Две сосныСудзуки Сонэн (1848-1918). «Две сосны»
Река ХодзуТакэути Сэйхо (1864-1942) . «Река Ходзу». 1888 г.
СосныУэнака Тёкусай (1885-1977). «Сосны». 1910 г.
Заснеженные сосныЯмамото Сюнкё (1872-1933). «Заснеженные сосны». 1908 г.
Дух ястребов на заснеженных соснахЯмамото Сюнкё (1872-1933). «Дух ястребов на заснеженных соснах». 1912 г.
Весна в горах | Сосны под снегомЯмамото Сюнкё (1872-1933). «Весна в горах» (слева)
Ямамото Сюнкё (1872-1933). «Сосны под снегом» (справа)

Период Тайсё (1912-1926)

Сосна и восходящее солнцеХироси Ёсида (1876-1950). «Сосна и восходящее солнце»

Период Сёва (1926-1989)

Сосны и поэзияФукуда Кододзин (1865 — 1944). «Сосны и поэзия». 1932 г.
Луна и сосна | Утёсы и сосна | Солнце и соснаФукуда Кододзин (1865 — 1944)
«Луна и сосна» (слева)
«Утёсы, сосна и восходящее солнце» (в центре)
«Солнце и сосна» (справа)

Из истории пейзажа. Информационно-познавательный проект

1. Информационно-познавательный проект

Информационнопознавательный проект
Из истории
пейзажа
Презентацию выполнила
Сапожникова Анастасия
ученица 7 класса
МОУ «ООШ №2 г.Юрюзань»
Наставник: Сухина А.Н.
2019год

2. Проблема: Искусство пейзажа народов Японии отличается от России

3. Пейзажи И. Левитана и И. Шишкина

И.Левитан «Золотая осень» и «Лето»
И.Шишкин «Ручей в лесу» и «Дождь в дубом лесу»
Цель проекта:
познакомиться со страной
Японией, ее искусством,
красотой природы в японском
пейзаже;
составить иллюстрированный
рассказ об отличительных
особенностях пейзажа
Японии.
Задачи:
расширить знания о японской
культуре и искусстве,
познакомиться с традициями
японского искусства и
основными особенностями
искусства пейзажа
учиться бережному
отношению к природе и
окружающему миру;
учиться ориентироваться в
информационном
пространстве;

5. Эпиграф «Не сотвори, а найди и открой»

8. Японцы-загадка нашего века

Это натуры самые
чуткие, живые,
артистичные и в то же
время самые
невозмутимые,
примитивные, самые
непрактичные,
безразличные и
молчаливые люди

9. Принципы японского искусства

•Простота и отсутствие вычурности
•Сохранение первозданной красоты
самого предмета
•Недосказанность и
незавершенность
•Соразмерность и гармоничность

15. Тайна искусства Японии – вслушиваться в несказанное, любоваться невидимым

Художник: Харунобу
«Цапли и тростник
Главная черта японского искусства –
стремление к гармонии с природой

17. Человек, как правило, изображен в виде одинокого отшельника у своей хижины, у горного ручья или изогнутого ствола вековой

сосны, символизирующей долголетие
человеческой жизни

18. Пейзаж не передает конкретные черты определенной местности, но представляет обобщающий, типичный образ японской природы

19. Классическая пейзажная живопись Японии обычно выражает грандиозность и величие природы

20. Творчество японского художника-пейзажиста Хокусая

Творчество японского художникапейзажиста Хокусая
Любимые мотивы – горы и воды, цветы и
птицы, травы и насекомые

22. Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Животные , птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные

павлины, ласточки, незаметные воробьи и
даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

24. Поэты и живописцы Японии, выделяя в природе одни и те же моменты, подчеркивают свое отношение к ним

25. Хокку-жанр японской поэзии. Это маленький стих, состоящий из трех строк.

26. Сакура- не просто дерево. Это- дерево-символ. Символ Японии,символ красоты и юности. Цветение сакуры для японцев- национальный

праздник
Идешь по облакам,
И вдруг на горной тропке
Сквозь дождь – вишневый цвет.
Кито
Гляжу – опавший лист
Опять взлетел на ветку.
То бабочка была.
Кито

28. Уходящая осень Красные листья кленов По пути рассыпает. Оцую

Все сосны в горах уже обрели очертанья,
И ветви видны до самой последней иголки, Луна осенней ночи… Ясная луна в горах
Кагава Кагеки

29. Далеко в горах по красной листве кленов Ступает осень. Я услышал её крик, так грустно осень идет. Отомо-но Якамоти

Зимняя печаль в горной деревне.
Травы и даже шаги уходящих гостей
Замерзают на глазах
Осикомо-но Мицунэ

30. Последний лист Спорит с первым снегом Кто быстрее упадет. Максим Мейстер

Страна зелёных гор и морских заливов. В этой стране можно увидеть самую
разнообразную природу, можно сказать, что здесь соседствуют север и юг
Последний лист
Спорит с первым снегом
Кто быстрее упадет.
Максим Мейстер

31. Радость какая! Запел долгожданный сверчок. Ах, если б вечно длилась прозрачная ночь, Не заходила луна. Камо Мабути

32. И.Левитан -русский художник -пейзажист

Японский художник-пейзажист- Хокусая

33. Вывод

Я довольна результатами своей работы:
знакомством со страной Японией, ее искусством, красотой природы в
японском пейзаже, его историей.
Япония-страна давних культурных, художественных и бытовых традиций,
входящих составной частью в понятие японского образа жизни .
Мудрость гласит: « У соседа могут быть свои взгляды, склонности,
привычки, но чтобы жить дружно, надо узнать его характер».
Я много узнала о Японии. Мы очень разные. Мы по разному выглядим, у
нас разные обычаи и традиции, но мы все одинаково любим природу,
изображаем ее, хотя японские пейзажи имеют свои особенности. Своим
проектом я хочу повысить интерес к нашему восточному соседу, считаю
цель моего проекта достигнута, задачи в ходе работы выполнены.
Мудрость народов не сильно отличается . и если мы будем учиться друг у
друга самому лучшему и прекрасному, то мир будет добрее и радостнее.

34. http://fb.ru/article/192390/yaponskie-kartinyi-vse-tonkosti-vostochnoy-jivopisi- 

http://fb.ru/article/192390/yaponskie-kartinyi-vse-tonkosti-vostochnoy-jivopisihttp://fb.ru/article/192390/yaponskie-kartinyi-vse-tonkosti-vostochnoy-jivopisi

35. Спасибо за внимание

Вселенная творчества.  Пейзажная живопись  Часть 2

Японская пейзажная живопись

Мы рассказывали об особенностях  китайской пейзажной живописи, разделили наше повествование о пейзажной живописи Востока на две части, рассказ о китайской и японской пейзажной живописи. Как может показаться с первого взгляда, довольно близкие направления, но имеют свой путь развития и особенности.

Традиции пейзажной живописи Востока уходят вглубь веков, мы с трепетом узнаем о школах, династиях, изучаем работы каждого исторического периода. Материалы, техники исполнения. Горные ландшафты, озера, реки, водопады, деревья. Деревушки, храмы, монастыри. Монохромный и цветной. Пейзажи, выполненные на рисовой или хлопковой бумаге, на шелке. Бесподобная японская гравюра, особенностям и процессу в работе над японской гравюрой мы обязательно посвятим одну из наших статей.

Суми-Э, Укиё-э, Эпоха Эдо, Мэйдзи, Нихонга, Ёга – эпохи, стили, развитие

Повествование было бы не полным, если бы мы не упомянули о творчестве Кацусика Хокусая (1760-1849) и его знаменитой гравюре «Большая волна в Канагаве»  — 1832 г. Первое произведение из серии «Тридцать шесть видов Фудзи», одно из самых знаменитых и самых популярных произведений японского изобразительного искусства за пределами самой Японии. Отпечатки столь популярной гравюры делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться.

Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»

Укиё-э  (Ukiyo-e) — картины «бренного», изменчивого мира. Это особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как «бренный и быстротекущий мир».  В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово «э» означает «картина, изображение». Поэтому название искусства «укиё-э» говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугавы или Эпоха Эдо (1603-1868)  Эдо — по древнему наименованию столицы Японии г. Токио.

Удивительные, тонкие, наполненные воздухом гравюры Tsuchiya Koitsu 1870-1949.

Работы Tsuchiya Koitsu

В 1868 году в Японии произошла буржуазная револю­ция, положившая начало новому периоду в жизни страны, известному под названием Мэйдзи (1868-1912). Социальные изменения, вызванные революционным переворотом, оказали большое влияние на формирование культуры и искусства. в связи с прекращением изоляции Японии, длившейся более двух с половиной столетий. В этот период времени происходит некоторые трансформации в сторону Западного искусства. Но после сравнительно короткого промежутка времени интерес к западному новаторству был утрачен, и художники возвращаются к традициям японского искусства, это плодотворный период мастеров техники – Нихонга. Пытливый творческий подход мастеров к симбиозу Западного и Восточного искусства отображен в картинах направления Ёга.

О направлении живописи Ёга интересная статья на нашем сайте:

Ёга — направление японской живописи

О выдающихся художниках и направлении живописи Нихонга статьи на нашем сайте: 

Нихонга

Ватанаби Сэйтэй гений жанра нихонга (Watanabe Seitei)

Юкио Кондо — удивительный художник и потрясающий человек (Yukio Kondo)

Работы Юкио Кондо

Суми-э (Суйбокуга) – техника живописи тушью,  имеет глубочайшие исторические корни.

Техника живописи тушью, которую использовали китайские художники, творившие в эпоху танской династии (618 — 907), впервые была представлена японцам в VIII в.  Прошло еще несколько столетий, прежде чем монохромная живопись мастеров Китая, живших при сунской (960 — 1279) и юаньской (1279 — 1368) династиях претерпела трансформацию в основное направление японского изобразительного искусства как такового.

Настоящий расцвет Суми-Э произошел в XIV веке в эпоху Муромати. Произведения искусства Суми-Э украшали стены дворцов знатни и военачальников.  Самыми яркими представителями суми-э являются Дзёсецу, Тоё Сэссю и Кано Мотонобу. Именно монах Дзёсецу считается отцом стиля суми-э.

Работа Дзёсецу «Ловля сома с помощью тыквы — горлянки»

Пейзажи, выполненные в технике Суми-э наполнены воздухом, тончайшие переливы оттенков туши. Проникновенное созерцание картины от переднего плана к ускользающему, выходящему за грани картины заднему плану. В работе особое значение уделяется композиции, каждый персонаж пейзажа имеет свой облик. Монохромная живопись японского пейзажа завораживает, глубокие оттенки темной туши и многогранные оттенки более светлых тонов туши.

Кисти мастера подвластно все, уникальность техники Суми-э в изысканности владения кистью и множестве приемов.  Кисть, бумага, тушь участвуют в создании картины и успех в творческом замысле зависит от каждой из этих трех составляющих. Бумага с памятью и без, тончайшая Васи или более плотная Джунминтан, хлопковая или рисовая. Точка, линия, пятно, работа всей поверхностью кисти или кончиком.  Различные способы набора туши на кисть для изображения стеблей и листьев бамбука или тончайших прозрачных лепестков цветка. Работа сухой кистью позволяет отобразить великолепие коры дерева, движение струй водопада, фактуры деревянного строения.

Работа кисти по влажному или сухому листу, многослойная или легкая однослойная живопись. И совершенство работы выполненной мастером на бумаге с памятью, когда бумага обладает свойствами запоминать каждое движение кисти. Несомненно, в технике работы Суми-э очень важно владение кистью.  Современные мастера японской живописи прибегают к некоторым техническим приемам, работая с резервами, к ним относятся растворы «Доса» и «волшебный порошок» Ванпо. С помощью этих резервов можно добиться мягкости туманов и передать изящные веточки заснеженных деревьев.

В следующем разделе мы расскажем о разнообразии творческого мира современных японских художников.

И обязательно посвятим одну из статей искусству японской гравюры.

Приглашаем Вас к посвящению в   эстетику японской живописи

Автор: Ольга Соболь

Японская монохромная живопись — Традиционная японская живопись и гравюра — LiveJournal

 Монохромная живопись Японии – одно из уникальных явлений
искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее
воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не
так.  Духовный мир японского художника очень
богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной.
Искусство  Востока – это синтез внешнего
и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории
монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.
 

 
ширма «Сосны» Хасэгава Тохаку, 1593г.
 

То, что мы видим на монохромных картинах – это результат
взаимодействия художника с  основной
триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо
понимать самого художника и его отношение.

 
«Пейзаж» Сэссю, 1398г.
 

Бумага для японского мастера не просто подручный материал,
который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот —  это «собрат», поэтому и
отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы,
к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а
мирно сосуществовать с ней. Бумага – это в прошлом дерево, которое стояло в
определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она
все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера
прежде чем начать работу,  долго смотрели
на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали к  живописи. Даже сейчас современные японские
художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская
живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных
фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и
фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики  не продавать эту бумагу другим художникам) –
поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.
 

«Читая в бамбуковой роще» Сюбун, 1446г.
 

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие
известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи
моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить
сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на
которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а  манера написания текста соответствовала ее
фактуре.
 

«Мурасаки Сикибу в храме Исияма» Кёсэн
 

Кисть – вторая составляющая, это продолжение руки мастера
(опять же — это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но
чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер
кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой
другой.  (Из личного опыта: была на мастер-классе
китайского художника Цзян Шилуня, 
зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на
мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что
получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и
не знают как правильно ей пользоваться).
 

«Фудзи» эскиз тушью Кацусика Хокусай
 

Тушь – третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она
может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью
серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не
маловажен.

 
Ямамото Байцу, конец XVIII — XIX век.
 

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в
них нет цвета?

парная ширма
«Сосны»,  Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а
его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и
приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение — всегда намек, оно
обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность – это стимул
диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна – они образуют
художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил
жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал – в картине все имеет свой
смысл и значение, и не несет случайного характера.

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску
и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому
эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в
диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,  это
взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения
соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?
 

«Пейзаж» Сюбун, середина XV века.
 

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителя  в изображение; во-вторых, изображение
создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот
исчезнет – это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих,  на тех областях, где нет туши на первый план
выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на
деле это всегда взаимодействие двух материалов – бумаги и туши).
 

Сэссю, 1446г.
 

Почему пейзаж?
 

«Созерцание водопада» Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее
человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять.
Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они
всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин,
которые вписаны в окружающее их пространство и  даже не всегда заметны – это все символы
мировоззрения.
 

«Времена года: Осень и Зима» Сэссю.                                                                                 «Пейзаж» Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская
живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго
художника – это целая система образов и символов, это хранилище философской
мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у
зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут
вам  наиболее правильно понять ее и
воспринять при встрече.

Путешествие по ручьям и горам: пейзажная живопись в Восточной Азии

Эта двухчастная инсталляция, посвященная Японии и Китаю, посвящена пейзажной живописи, одному из важнейших видов искусства Восточной Азии. Хотя слово «пейзаж» лучше всего передает содержание представленных работ, такого слова не существовало в традиционном японском или китайском дискурсе. На обоих языках этот жанр называется «гора и вода» (японский: sansui, китайский: shanshui 山水, вызывая ключевые компоненты изображения природы в восточноазиатской живописи.
К XIV веку в Японии развились два различных направления пейзажной живописи. Один последовал примеру преимущественно монохромных пейзажей китайской династии Сун (960–1279). Созданные на основе китайской традиции, эти изображения, тем не менее, содержат множество формальных новшеств, в том числе резко обрезанные сосны и густой клубящийся туман. Другая пейзажная традиция в Японии сосредоточена на ярко раскрашенных сценах, весьма отличных от современных китайских работ. В этих картинах, скорее орнаментальных, чем топографических, часто использовались толстые слои краски или сусальное золото.Последняя техника видна в паре демонстрируемых экранов «Тигры и бамбук», на которых величественные тигры выходят из бамбуковой рощи в атмосферной дымке, которая ослепляет и мерцает на золотом фоне.
японских художников, работающих в обеих пейзажных традициях, были вдохновлены самобытными сезонами своей родины. Часто переход весны к лету или осени к зиме изображался на одном изображении или на нескольких экранах. Любимые живописные места, такие как изображенная на реке Хозу слева от вас, также были популярными объектами для пейзажистов — и остаются таковыми по сей день.

Пейзажи в Китае часто предназначались для приглашения зрителя мысленно путешествовать по сцене. Была предусмотрена точка входа в пейзаж, часто с помощью тропинки или участка земли на переднем плане. По мере того, как сцена продолжается вверх (в виде свитка) или влево (при свитке руками), перспектива и масштаб могут изменяться, и зритель отправляется в путешествие по горам и воде, времени и пространству.
Пейзаж возник как самостоятельный жанр в китайской живописи в последние бурные годы правления династии Тан (618–906).Когда династия рухнула, элиты стремились уйти в сельскую местность своих загородных имений. Художники ответили, создав изображения, которые отражают идеализированные уединения, представленные их покровителями. Во времена династии Северная Сун (960–1127) придворные художники создавали монументальные пейзажи, чьи внушительные горы, замысловато расположенные ручьи и деревья стали рассматриваться как визуальные метафоры упорядоченного государства. Династия также увидела рост художников, взятых из нового класса ученых-чиновников.Эти талантливые любители еще больше изменили жанр, создав пейзажи, нацеленные на выражение их собственного художественного видения.
После династии Сун художники начали перенимать и переосмысливать стили и образы более ранних художников до такой степени, что пейзажная живопись в Китае стала в значительной степени художественным диалогом с мастерами прошлого. Таким образом, окончательное вдохновение для естественных форм пейзажиста лежит не обязательно в личном опыте художника с сельскими пейзажами, но в истории самой пейзажной живописи.

10 самых известных шедевров японской живописи

Японская живопись имеет очень богатую историю; его традиции обширны, а уникальное положение Японии в мире во многом повлияло на доминирующие стили и методы японских художников. Хорошо известно, что Япония была изолирована на протяжении веков — не только из-за географического положения, но и из-за преобладающей в Японии культурной склонности к изоляции, которая характеризовала историю страны.

В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от остального мира.И это заметно даже в японской живописной практике. Картины Нихонга, например, являются одним из основных продуктов японской живописи. Он основан на традициях, которым более тысячи лет, и картины обычно выполняются кистями на васи (японская бумага) или eginu (шелк).

Вы заинтересованы в покупке и коллекционировании произведений искусства? Посмотрите эту замечательную картину Такаши Мураками, доступную на нашей торговой площадке!

Однако японское искусство и живопись находились под влиянием зарубежных художественных практик .Во-первых, это китайского искусства XVI века, а также китайская живопись и традиции китайского искусства, которые оказали особое влияние в ряде моментов. Начиная с 17 века японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, длившийся с 1868 по 1945 год, японская живопись находилась под сильным влиянием импрессионизма и европейского романтизма.

В то же время новые европейские художественные движения также испытали значительное влияние японских художественных практик.Это влияние в истории искусства называется японизм , и оно оказало особое влияние на импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модерном.

Традиции в японском искусстве

Долгую историю японской живописи можно понять как синтез нескольких традиций, составляющих часть узнаваемой японской эстетики.

Во-первых, буддийское искусство и техника живописи, а также религиозная живопись оставили значительный след в эстетике японской живописи; рисование пейзажей тушью в традиции живописи китайских литераторов — еще один важный элемент, узнаваемый во многих известных японских картинах; Живопись животных и растений, особенно птиц и цветов, обычно связана с японскими композициями, а также с пейзажами и сценами из повседневной жизни.

Наконец, большое влияние на японскую живопись оказали древние представления о прекрасном из философии и культуры Древней Японии. Wabi , что означает преходящая и абсолютная красота, sabi (красота естественной патины и старения) и yūgen (глубокая грация и утонченность) по-прежнему являются влиятельными идеалами в японской живописной практике.

Если мы сосредоточимся на выборе десяти самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть ukiyo-e , который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре.Он доминировал в японском искусстве с 17 по 19 века, в то время как художники, принадлежащие к этому жанру, создавали гравюры и картины на такие темы, как красавицы-женщины, актеры кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествий и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.

Составить список лучших картин какой-либо художественной традиции всегда непросто. Многие удивительные произведения искусства будут исключены; Однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире.В этой статье будут представлены только те картины, которые были созданы с XIX века до наших дней.

Совет редакции: Искусство и техника рисования тушью суми-э: японская живопись тушью, как учил Укао Учияма

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японских художников разработали большое количество уникальных техник и стилей , которые представляют собой наиболее ценный вклад Японии в мир искусства.Одна из таких техник — Sumi-e . Суми-э буквально означает «рисунок тушью», сочетает каллиграфию и тушь для создания живописных композиций редкой красоты. Эта красота парадоксальна — древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но сдержанная — несомненно, отражает духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники привезли чернильную палочку и кисть с бамбуковой ручкой в ​​Японию из Китая в шестом веке, и за последние четырнадцать веков в Японии накопилось богатое наследие туши.

Прокрутите вниз и найдите 10 шедевров японской живописи

Кацусика Хокусай — Сон жены рыбака

Одна из самых узнаваемых японских картин — «Сон жены рыбака» . Он был выполнен в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, это удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как картину, поскольку это гравюра на дереве в жанре укиё-э из книги Kinoe no Komatsu , трехтомной книги сюнга эротики. .Композиция изображает юного ныряльщика ама, сексуально связанного с парой осьминогов. Эта японская картина имела большое влияние в 19 и 20 веках. Работа оказала влияние на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луи Осок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо.

Томиока Тессай — Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму, глядя на луну

Томиока Тессай — псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником традиции бунджинга и одним из первых крупных художников стиля нихонга.Традиция бунджинга была школой японской живописи, которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих японских художников, включая Тессая, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.

Фудзисима Такэдзи — Восход солнца над Восточным морем

Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным своими работами по развитию романтизма и импрессионизма в рамках художественного движения йога (западного стиля) в японской живописи конца XIX — начала XX веков.В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности импрессионизм, что можно увидеть в его картине « Восход солнца над Восточным морем », написанной в 1932 году.

Китагава Утамаро — Десять исследований женской физиогномики, сборник правящих красавиц

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником и живописцем, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен своей серией под названием Десять исследований женской физиогномики, Сборник правящих красавиц, Великие любовные темы классической поэзии (иногда называемый Влюбленные женщины , содержащий отдельные гравюры, такие как Открытая любовь и Задумчивая любовь ).Он — один из самых важных японских художников, принадлежащих к жанру укиё-э гравюры на дереве.

Каванабэ Кёсай — Тигр

Каванабэ Кёсай был одним из самых выдающихся японских художников периода Эдо. На его искусство повлияли работы Тохаку, художника Кано шестнадцатого века, который был единственным художником своего времени, который рисовал экраны полностью чернилами на тонком фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай наиболее известен как карикатурист, он создал одни из самых заметных картин в истории японского искусства XIX века. Тигр — одна из тех картин, на которых Кёсай использовал акварель и тушь для создания этой картины.

Хироши Ёсида — Фудзи из озера Кавагути

Хироси Ёсида известен как одна из самых важных фигур стиля син-хана (син-хана был художественным движением в Японии в начале 20-го века, в периоды тайсё и сёва, которые возродили традиционное искусство укиё-э, уходящее корнями в периоды Эдо и Мэйдзи (17-19 вв.) Он обучался западной традиции масляной живописи, которая была принята в Японии в период Мэйдзи.

Такаши Мураками — 727

Такаши Мураками, наверное, самый популярный японский художник сегодня. Его работы продаются по астрономическим ценам на крупных аукционах, а его искусство уже вдохновляет целые поколения художников не только в Японии, но и во всем мире. Искусство Мураками охватывает широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоское. Его работы были отмечены использованием цвета, включением мотивов японской традиционной и популярной культуры.Содержание его картин часто называют «милым», «психоделическим» или «сатирическим».

Яёи Кусама — Тыква

Яёи Кусама также является одним из самых известных современных японских художников. Она создает различные медиа, в том числе живопись, коллаж, скат-скульптуру, перформанс, окружающее искусство и искусство инсталляции, большинство из которых демонстрируют ее тематический интерес к психоделическим цветам, повторениям и узорам. Одна из самых известных серий этого великого художника — серия Pumpkin .Культовая тыква, покрытая горошком насыщенного желтого цвета, представлена ​​на фоне сетей. В сочетании все эти элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художника, который развивался и совершенствовался в течение десятилетий кропотливого производства и воспроизведения.

Найдите другие интересные работы Яёи Кусамы!

Tenmyouya Hisashi — Японский дух № 14

Тенмёя Хисаси — современный японский художник, наиболее известный своими картинами «Нео-Нихонга».Он участвовал в возрождении старой японской традиции живописи, которая представляет собой противоположность современной живописи в японском стиле. В 2000 году он также создал свой новый стиль «Бутуха», который через его картины показывает стойкое отношение к авторитетной системе искусства. Japanese Spirit No. 14 был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретируемой в японской культуре как бунтарское поведение аристократии низшего класса в период Сражающихся царств, чтобы отрицать власть в поисках идеального образа жизни, одеваясь в великолепные роскошные костюмы и действия по свободе воли не соответствовали их социальным классам.

Кацусика Хокусай — Большая волна у Канагавы

Наконец, Большая волна у Канагавы , вероятно, самая узнаваемая японская картина из когда-либо созданных. На самом деле это самое известное произведение искусства, «сделанное в Японии». На нем изображена огромная волна, угрожающая лодкам у берегов префектуры Канагава. Хотя иногда считается, что это цунами, волна, как следует из названия, с большей вероятностью будет большой волной-убийцей. Картина выполнена в традициях укиё-э.

Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Японские пейзажи, Картины с японскими пейзажами

Вначале японская живопись в основном вдохновлялась китайской живописью. Позже возникли различные другие школы мысли со своими собственными стилями и техниками. Японская живопись в основном изображает пейзажи как объекты живописи. В отличие от западных картин, небо, горы, озера и вода изображены пропорционально намного больше, чем люди на японских картинах.Пейзаж в Японии называют «Сансуи». Сан означает «гора», а Суй — «вода», поэтому на большинстве японских пейзажных картин изображены горы и текущая вода. Иногда солнце или луна также включаются, чтобы представить «естественные истины», лежащие в основе каждого пейзажа.

Характеристики японских пейзажей —

• Желание слиться с природой.
• Японские пейзажи не изображают отдельные темы; скорее они отстаивают универсальную идею.
• Японские пейзажи проникнуты философскими, моральными и символическими коннотациями.
• Японские пейзажи изображают природу как часть единого космического царства.

Японские художники используют различные медиа. Традиционно японские художники используют следующие основные медиа:

Японские художники используют различные медиа. Традиционно японские художники используют следующие основные медиа —

• Enakimono / Makimono / Emaki — Enakimono были сформированы путем соединения отдельных листов в один рулон.Энакимоно — одна из старейших форм живописи.

• Kakemono — Вертикальные свитки называются Kakemono. В период Эдо вертикальные свитки стали популярными. Маленькие японские домики предпочитали использовать их для украшения стен.

• Бёбу — Бёбу на самом деле был складными ширмами, которые стали основным средством для пышной и сложной японской живописи. В основном они использовались в храмах и дворцах из-за их размеров.

• Fasuma — Раздвижные двери на самом деле назывались Fasuma, что оказалось еще одним средством японской живописи.

• Учива — Учива на самом деле был японским веером, который служил популярным средством для рисования.

У различных японских СМИ были свои предпочтительные сюжеты живописи. Вот некоторые из тем, которые вызывали восхищение в японских картинах:

.

• Шики-э — Пейзажи четырех сезонов

• Meisho-e — Виды на известные места.

• Monogatari-e — Сцены из жизни при императорском дворе в Киото.

• Nanban-byobu — Изображения жителей Запада на экранах со времен высадки португальских и голландских кораблей в южных частях Японии.

• Rakuchu-rakugai-zu — Виды из Киото

• Кабуки-э — Кадры из театра кабуки.

• Bijinga — Изображения красивых женщин, обычно женщин из квартала удовольствий.

Развитие, вызванное технологиями, принесло с собой множество проблем, с которыми нужно было столкнуться. Поэтому сохранение и защита природы стали императивом в этот возрастающий век деградации окружающей среды. Японские пейзажи, которые всегда преклонялись перед символической и гармоничной красотой природы, служат источником руководства и вдохновения в этом отношении. Следовательно, нам необходимо заново пережить идеалы Мокити Окада, великого китайского философа, лидера, а также выдающегося художника, согласно которому создание художественной среды и священного мира красоты составляло высшую цель любого истинного художественного начинания.

10 самых известных японских картин

Японская культура имеет очень богатую историю, которая хорошо отражается на ее художественном влиянии. Страна долгое время была изолирована от остального мира во многих отношениях, но шумный, самобытный стиль живописи все же сумел найти свой путь к остальному миру.

На японскую культуру повлияло множество различных аспектов на протяжении всей истории страны — тот факт, что она окружена морями на каждом углу, играл важную роль в том, что страна оставалась изолированной от большей части известного мира на протяжении периодов истории, когда другие культуры распространяют свое влияние на большую часть известного мира.

Изоляция Японии заставила ее развивать свою собственную культуру разными способами. Живопись — это один из способов, который проявляется в изоляции, поскольку многие известные японские художники следовали аналогичному образцу в своих стилях и методах.

Только в 16 веке жители Японии в значительной степени познакомились с китайской культурой. Позже, в 17 веке, японское общество будет искать стили, связанные с западными традициями.

Тем не менее, японская живопись осталась одним из самых уникальных стилей искусства во всем мире.Вот 10 самых известных японских картин в истории.

Знаменитые японские картины

1.

Большая волна у Канагавы — Кацусика Хокусай

Кацусика Хокусай написал этот японский шедевр в то время, когда страна долгое время была изолирована от остального мира. Художник написал серию работ, посвященных горе Фудзи и морю.

Эта картина, посвященная океану, была написана где-то между 1830 и 1832 годами и фокусируется на бушующем море, окружающем остров Канагава, место, которое было хорошо известно японским рыбакам и купцам-мореплавателям.

Эта картина входит в серию под названием «Тридцать шесть видов горы Фудзи» и отличается от многих других, нарисованных Хокусаем, тем, что больше фокусируется на волнах-изгоях, обрушивающихся на беспомощные лодки внизу, а не на знаменитой горе. Фактически, гора Фудзи видна только немного и почти кажется меньшей волной на далеком фоне картины.

Многие искусствоведы и энтузиасты того времени прокомментировали эту работу, отметив, что перспектива картины заставляет легендарную гору казаться маленькой и незначительной по сравнению с гигантской волной.

2.

Тигр — Каванабэ Кёсай

Каванабэ Кёсай был одним из самых известных японских художников. Он был хорошо известен при жизни как художник и заработал репутацию смутьяна, поскольку регулярно рисовал карикатуры на политических лидеров, участвующих в различных комедийных сценах. Сын самурая, Кёсай изучал искусство рисования с самого раннего возраста.

В 1878 году он написал картину, известную как «Тигр», и долгое время она была одной из самых знаковых японских картин в истории.На его стиль живописи во многом повлиял Тохаку, который позже стал самым выдающимся японским художником 19 века.

Эта конкретная работа была выполнена акварелью и тушью, которые сочетаются друг с другом в особой манере, которая, кажется, точно передает высокий уровень детализации животного. Здесь, как и в большинстве работ Киосаи, изображен тигр, который принимает действенную позу, как будто собирается наброситься на свою добычу.

3.

Восход солнца над Восточным морем — Fujishima Takeji

Fujishima Takeji был известным художником, который был хорошо известен во всей Японии при жизни.В 1928 году ему было поручено написать серию работ, которые украсили бы кабинет Императора Сёва.

Художник решил написать сцену с восходом солнца, чтобы изобразить приход к власти Императора.

Он провел немало лет в путешествиях и поисках идеальных восходов в разных частях Японии, а также на Тайване, который в то время был японской колонией. Наконец, в 1932 году он написал «Восход солнца над Восточным морем».

Эта работа долгое время считалась шедевром японского искусства и известна своим любопытным изображением горизонта, плавно переходящего в спокойное море внизу.Парусник — единственный объект, не входящий в сцену, который естественно принадлежит картине.

4.

Sansui Chokan (Длинный свиток пейзажей) — Sesshū Ty

Один из первых художников в нашем списке самых известных японских картин в истории — Sesshū Ty. Родившийся в семье самураев, Тёё продолжал учиться, чтобы стать буддийским священником, но позже его побудили изучать изобразительное искусство после того, как в ранние годы он проявил склонность к рисованию и живописи.

Он написал «Сансуи Чокан» («Длинный свиток пейзажей») в 1486 году в последние годы своей жизни. Говорят, что Тёё был вдохновлен своими путешествиями в Китай в начале своей карьеры и был особенно поражен природными сценами, изображенными на многих различных китайских картинах.

«Длинный свиток пейзажей» — это произведение длиной 15 метров, в котором одинаково показаны четыре времени года. Картина имеет тяжелый оттенок произведений китайского искусства того периода, но долгое время оставалась известным произведением искусства в японской культуре.

5.

Изображение кипариса — Кано Эйтоку

Кано Эйтоку жил в 16 веке и был широко известен своей способностью запечатлеть природные сцены на своих картинах. Его работа под названием «Картина кипариса» уже давно считается одной из самых известных японских картин в истории, поскольку она впечатляет как размером, так и стилем.

Эйтоку нарисовал работу на нескольких соединенных панелях, которые в основном состоят из бумаги японского типа, популярной в 16 веке.Считается, что работа была написана в 1590 году и изображает раскидистый кипарис, корни которого уходят глубоко в землю на склоне холма.

Многие энтузиасты искусства и критики считают эту картину настоящим японским шедевром, поскольку на ней изображен высокий уровень детализации, на достижение которого у художника ушло немало времени.

6.

Десять исследований женской физиогномики, собрание красавиц, великие любовные темы классической поэзии — Китагава Утамаро

Китагава Утамаро — один из самых известных японских художников в истории.Художник был хорошо известен своими изображениями длинных, стройных женщин, которые были написаны таким образом, чтобы действительно подчеркнуть женские формы.

Его самая известная работа — это серия «Десять исследований женской физиогномики», «Собрание правящих красавиц», «Великие любовные темы классической поэзии», которая, как полагают, была написана около 1800 года.

Утамаро запечатлел женщин из самых разных слоев общества и общества. классы. Его картины изображают их в различных занятиях, которые в большинстве своем считались повседневными делами или действиями.

Эта серия является культовой для всей японской культуры, а изображение женщин Утамаро уже давно является представителем классического взгляда на японских женщин.

7.

A.K.A. Геро Тан: Ноев Ковчег — Такаши Мураками

Современное японское искусство само по себе проложило путь к величию по сравнению с классическими японскими стилями, которые были разработаны столетия назад. В 2016 году картина Такаши Мураками под названием A.K.A. Геро Тан: «Ноев ковчег» возник как произведение, которое быстро завоевало популярность благодаря уникальному творческому стилю художника и его композиционному использованию.

Картина, кажется, сочетает в себе множество разных жанров в одной работе, столь же красочной, сколь и любопытной. Любители искусства и критики считают, что это произведение каким-то образом отражает большую часть близости современной японской культуры к искусству в стиле аниме.

Картина была вдохновлена ​​вымышленным существом из японского фольклора Китаро, который, как говорят, обладает сверхъестественными способностями. Мураками черпал вдохновение в этой картине из изображений, которые он помнит из своего детства, из серии манги, датированной примерно 1960 годом.

8.

Чтение в бамбуковой роще — Тэнсё Шубун

Одно из самых ранних произведений японской живописи, долгое время считавшееся классическим шедевром, — это картина Тэнсё Шубуна «Чтение в бамбуковой роще». Эта работа, написанная в 1446 году, представляет собой простую и элегантную сцену человека, сидящего на склоне холма с видом на бамбуковую рощу.

Такие рощи — обычное дело в Японии, а бамбуковое дерево на протяжении веков считалось символом страны и ее культуры.Художник находился под сильным влиянием японских пейзажистов Ся Гуй и Ма Юань, которые обычно рисовали сцены, изображающие бамбуковые рощи и склоны холмов, похожие на сцену, изображенную в этой работе.

Эта конкретная работа была выполнена в особом стиле японской живописи тушью, который впоследствии стал популярным и стал одним из наиболее заметных методов рисования в культуре.

9.

Сон жены рыбака — Кацусика Хокусай

Одна из наиболее ярких и противоречивых работ в нашем списке самых известных японских картин — это работа Кацусики Хокусая «Сон жены рыбака».Эта картина была написана в 1814 году и изображает юную ныряльщицу, занятую двумя осьминогами в эротическом действии.

Эта работа была частью серии картин, посвященных эротическому искусству, которая стала странным предшественником многих других работ, на которых изображены осьминоги и другие существа, участвующие в эротических сценах с женщинами. Жанр, известный сегодня как эротика с щупальцами, возник в результате творчества Хокусая.

Эта сцена и стиль многократно воссоздались с помощью различных средств и остается спорной формой выражения, которую не очень хорошо принимают в западной культуре.

10.

Тыква — Яёи Кусама

Яёи Кусама — один из самых уникальных художников современной эпохи в японской живописи, и ее работы в основном сосредоточены на тыквах в самых разных формах.

Когда Кусаме было всего 10 лет, она страдала от причудливого приступа галлюцинаций, в которых она представляла точечные и искривленные тыквы, расположенные по-разному.

Позже она попытается запечатлеть эти видения с помощью поразительных работ, граничащих с оптической иллюзией.

Ее картины являются одними из самых известных произведений японской культуры и выставлялись по всему миру. Она написала ряд гигантских картин, в центре которых были тыквы, усыпанные большими черными точками в горошек, которые она называет «сетками бесконечности».

Говорят, что большая часть ее работы возникла в детстве, когда она была полна сексуальных и других травм. С 1980 года она была провозглашена одним из самых знаковых японских художников, и ее работа охватывает различные виды искусства, включая живопись, скульптуру, письменные работы и многое другое.

Китайские и корейские пейзажи

ГАЛЕРЕЯ 2600 | ВОСТОЧНО-АЗИАТСКОЕ ИСКУССТВО

Вот уже более тысячи лет произведения искусства, которыми восхищаются в Китае и Корее, отражают глубокое уважение к природе. Сюжеты светских картин Восточной Азии разнообразны: от пейзажей до флоры и фауны, фигур и сюжетных сцен. Среди них пейзажи заняли почетное место. Работы в этом разделе галереи представляют корейские пейзажи династии Чосон (1392–1910), а также современные китайские рисунки тушью, которые раскрывают непреходящее наследие великой китайской пейзажной традиции.

Термин для пейзажной живописи в Восточной Азии переводится как «горы и вода» (китайский: shanshui ; корейский: sansu ; японский: sansui ), потому что пейзажи всегда содержат эти два элемента, часто в форме величественная горная вершина и водопад или холмы вдоль реки. Будь то реальные места или воображаемые декорации, нарисованные пейзажи вызывали ощущение пребывания на природе и становились виртуальным средством бегства от невзгод городской жизни.

На протяжении всей династии Сун (960–1279) натуралистическое изображение было основной целью китайской живописи. Во времена династии Юань (1279–1368) художники-литераторы — ученые-джентльмены, овладевшие искусством каллиграфической кисти, осуждали отшлифованные, традиционно реалистичные работы профессиональных художников и превозносили выразительную ценность кисти. Влиятельные художники-литераторы и искусствоведы последующих династий Мин (1368–1644) и Цин (1644–1911) продолжали продвигать идеал пейзажной живописи как выражение образованности, этики и личности художника.Этот идеал грамотности приобрел популярность в Корее во время династии Чосон и в некоторых школах японского искусства в период Эдо (1615–1868). Корея, в частности, приняла многие китайские эстетические и культурные ценности, со временем преобразовав их в новые, отчетливо корейские стили. Будучи наследниками выдающегося художественного наследия, многие современные китайские художники тушью разработали новые стили и способы представления в традиционных рамках.

16 ноября 2014 г. — 31 мая 2015 г.

Sesshu | Биография, искусство и факты

Sesshū , оригинальная фамилия Oda , также называемая Tōy, Unkoku или Bikeisai , (родился в 1420 году, Акахама, провинция Битчу, Япония, умер 26 августа 1506 года, недалеко от Масуда, провинция Ивами), Художник периода Муромати, один из величайших мастеров японского искусства суми-э, или монохромной живописи тушью.Сэссю адаптировал китайские модели к японским художественным идеалам и эстетическим чувствам. Он писал пейзажи, картины дзен-буддизма и ширмы, украшенные цветами, птицами и другими животными. Его стиль отличается силой и энергичностью мазков кисти, а также интенсивностью концепции.

Ранние годы и карьера

В отличие от многих мастеров японского искусства, о жизни которых мало что известно, биография и творческая карьера Сесшу подробно описаны.Его фамилия была Ода; его настоящее имя больше не известно. В 1431 году, в возрасте 10 лет, он был зачислен в местный храм дзэн, известный как храм Хофуку, где получил имя Тойо, что означает «подобный иве» (возможно, потому, что он был стройным и изящным). Дзен-буддийские храмы были художественными и культурными центрами того периода, а также центрами духовной жизни. Таким образом, будучи молодым послушником, Сесшу, несомненно, получил не только религиозное руководство, но и обучение каллиграфии и живописи.

Примерно в 1440 году он покинул свою родную провинцию и отправился в Киото, в то время столицу Японии, интеллектуальный и художественный центр Японии. Молодой монах жил в храме Сёкоку, известном храме дзэн, расположенном рядом с Императорским дворцом сёгунов Асикага, которые были великими покровителями искусства. Сюбун, самый известный японский художник того времени, был смотрителем зданий и территорий храма Сёкоку. В дополнение к изучению живописи под руководством Шубуна, Сесшу изучал буддизм под руководством известного мастера дзэн Сюрин Суто.Хотя нет картин, которые можно было бы с уверенностью отнести к этому раннему периоду карьеры Сесю, считается, что он, должно быть, работал в стиле Шубуна, на который в выборе сюжета и стиля оказали глубокое влияние китайские живописцы Песенный период (960–1279). Мастера песни пользовались большим уважением у японских художников дзэн, и их работы с энтузиазмом собирались как японскими знатоками, так и художниками. Таким образом, у молодого Сэссю было много возможностей изучать шедевры китайской живописи.

Проведя 20 лет в Киото, Сэссю уехал из столицы в Ямагути в западной части острова Хонсю, города, который стал важным культурным центром клана Оучи. В Ямагути художник стал главным жрецом храма Ункоку, и именно в это время, вероятно, в 1466 году, он начал называть себя Сесшу («Снежная лодка»). Кажется очевидным, что одной из причин, по которой Сесшу решил переехать в Ямагути, было его желание поехать в Китай. Стратегически расположенный этот район Японии был отправной точкой для многих экспедиций на материковую часть Азии.У лордов Чучи фактически было разрешение на торговлю, которое позволяло им проводить очень прибыльные коммерческие операции с Китаем.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Путешествие в Китай

Сэссю удалось присоединиться к одной из этих японских торговых миссий в качестве эксперта по искусству и высадиться в 1468 году в Нинбо на юге Китая. Он должен был действовать как «священник-покупатель», который покупал китайские картины для своих покровителей, а также учился в монастырях Чань (китайское слово для Дзэн).Сесю был разочарован современной китайской живописью, которая при династии Мин (1368–1644) отвернулась от духовных и эстетических идей, преобладавших в период Сун. Тем не менее, великолепные пейзажи Китая, а также общение с монастырями Чань были источником большого вдохновения для Сесшу, который часто упоминал об этом опыте в своей более поздней жизни.

Как к высокопоставленному гостю из Японии, Сесшу относились с большим уважением. Он был удостоен «Первого престола» (то есть места рядом с настоятелем в знаменитом монастыре Чань на горе Тяньтун), что побудило его подписать несколько своих картин «Занимающий первое место в Тяньтун».Он также побывал в столице Китая Пекине. Друг, сопровождавший его в этой поездке, сообщил, что Сесшу пригласили расписать стены одного из залов Министерства обрядов Императорского дворца. Неизвестно, правдива ли эта история или является преувеличением какого-то другого приглашения, но она указывает на то, каким большим уважением пользовался этот японский мастер его китайские современники. То, как могла выглядеть картина Сесю этого периода, возможно, лучше всего иллюстрирует набор из четырех пейзажных свитков в Токийском национальном музее, подписанных «Тёё, японский дзен-священник», что вряд ли необходимо, если они были написаны в Японии.

Художественный музей Филадельфии — Выставки

Японские пейзажи

8 октября 1996 — 31 июля 1997

Пейзаж , XIX век
Кано Томонобу, японский
[Подробнее]

Японские пейзажи

8 октября 1996 — 31 июля 1997

На этой выставке представлены два стиля японской пейзажной живописи, которые веками развивались по параллельным линиям: китайский
традиция монохромной живописи тушью и исконная традиция «Ямато-э».Набор из пейзажей Four Seasons в центральной галерее находится в
стиль Сэссю (1420–1506), одного из основных ранних интерпретаторов китайского пейзажного стиля в Японии. Характеризуется высоким, далеким
горы и пересеченная местность, эти монументальные сцены были вдохновлены китайскими картинами, а не реальными видами, увиденными художниками в Японии.

Пейзаж в китайском стиле стал визитной карточкой художников школы Канё с шестнадцатого века до периода Мэйдзи (1868-1912).В
Китайский стиль также оказал большое влияние на художников-литераторов бунджин периодов Эдо (1615-1867) и Мэйдзи, в результате чего были созданы такие произведения, как
небольшие наброски тушью Ике-но Тайги или впечатляющие горы осенью 1910 года, выполненные художницей Ногучи Шохин. Китайский стиль
Эффектно переведен и на подглазурные синие сюжеты на керамике.

Традиция Ямато-э, подчеркивающая более мягкий и интимный масштаб японского пейзажа, развивалась с появлением иллюстрированных сказок, как показано в
фрагменты свитка четырнадцатого века, изображающие легенды храма Дзин’одзи.Пейзажи на лаковых подносах и ящиках также отражают
Стиль Ямато-э, как и изысканная миниатюрная сцена на банке из перегородчатой ​​эмали, созданная Намикавой Ясуюки. Разделение на китайцев
стиль и стиль Ямато-э не всегда четко определены, и элементы обоих часто смешиваются в гармоничных композициях, которые могут быть
Видно на складных веерах, созданных группой друзей-художников в 1840-х годах.

Японское восприятие красоты природы и ее времен года восходит к самым ранним верованиям синтоистской религии, которые почитают ее.
присутствие священного в деревьях, скалах и горах.Любовь к природе часто выражается в изображениях горы Фудзи, которая
вдохновляли поколения японских художников. Гора Фудзи часто ассоциируется с драконами, которые обитают в облаках и являются благоприятными символами
небо и дождевые облака. Гора Фудзи также стала популярным предметом в керамике и декоративном искусстве.

.