Андреаса гурски: Устройство мира в работах Андреаса Гурски — Bird In Flight

Содержание

Лекция. Андреас Гурски. — Дюссельдорф с Татьяной Щён

И ещё немного рассуждений об интересном в искусстве.

«Работы Андреаса Гурски за сотни тысяч и миллионы долларов разлетаются на аукционах так же, как пирожки с повидлом за девять копеек. Дилетант не найдет 10 отличий между придорожным рекламным стендом и самым дорогим в мире фотоснимком Гурски» — Инна Корнелюк, Сергей Волохов (авторы статьи в журнале Контракты, февраль 2008 года)

Андреас Гурски наводит мировой порядок по-своему: «Я пришел к цифровым технологиям фотосъемки, и если меня что-то беспокоит в снимке, просто убираю ненужные элементы». При этом художник прохладно замечает: «Человек как личность меня не интересует, меня больше привлекают человеческие типы в их окружающей среде». Гурски убежден, что каждый человек — лишь маленькая частица из множества и не более; люди на его фотографиях присутствуют только для того, чтобы оживить индустриальные картины. Его работы за сотни тысяч и миллионы долларов разлетаются на аукционах так же, как пирожки с повидлом за девять копеек.

На мировых аукционах снимки Андреаса Гурски позиционируются не как фотография, а как медиаживопись. Поэтому попадают не в раздел фотоискусства, а в контемпорари-арт. В этой же категории в феврале 2007 года на лондонском аукционе Sotheby’s был установлен рекорд: снимок 99 Cent II Diptych (2001 г.) Андреаса Гурски ушел с молотка за $3,3 млн. Имя коллекционера традиционно не разглашалось. Наблюдатели строили разные догадки относительно покупателя диптиха. По одной из версий, владельцем рекордно дорогого снимка стала корпорация Nike. По другой — его приобрел московский галерист и предприниматель Владимир Овчаренко, владелец знаменитой галереи «Риджина». Тайну открыло информационное агентство Bloomberg. Сенсационное приобретение совершил украинский бизнесмен Виктор Пинчук. Стало быть, он экспонировал в киевском PinchukArtCenter работу из собственной коллекции, а не привозил произведение Гурски «на гастроли».

…Еще несколько десятилетий назад Sotheby’s и другие известные аукционы не признавали фотографию разновидностью искусства. А в позапрошлом году наиболее высоко ценились на мировом арт-рынке винтажные снимки, сделанные до 1920 года. Год назад современная фотография отодвинула их на второй план на фоне того, что цены на работы современных фотографов росли из года в год. В Европе и США художественная фотография на гребне волны.

…Гурски занимает достойное место в рейтинге наиболее влиятельных людей в мире искусства (Power 100 за 2007 год, по версии британского журнала Art Review).

Имя Андреаса Гурски вызвало интерес у арт-дилеров в 1988 году. Тогда 33-летний фотограф впервые использовал большой формат, если не сказать огромный. Доселе невиданный в фотоискусстве приступ мегаломании не мог остаться без внимания специалистов, как впрочем, и «случайных прохожих».

«Масштабность работ Гурски вполне оправдана. В меньшем размере такие снимки вряд ли имели бы большие шансы обратить на себя внимание, несмотря на их отменные технические характеристики» — известный украинский фоторепортер Александр Гляделов.

Дело в том, что немецкий фотограф, с одной стороны, работает с крупными объектами, которые люди изо дня в день видят перед собой, постепенно привыкают к ним и попросту перестают замечать. Гурски снимает заурядные здания, бесконечные полки супермаркетов, склады, свалки. Правда, в столь необычном ракурсе, что это потрясает воображение зрителя. С другой стороны, любимые сюжеты фотографа — большие скопления народа — биржи, спортивные состязания, поп-шоу, парады, как бы увиденные с высоты птичьего полета беспристрастным взглядом. А масштаб усиливает впечатление.
Однако критики часто упрекают Гурски в том, что он создает сугубо коммерческие проекты, в которых, несмотря на их выдающиеся размеры, сложно рассмотреть художественную ценность. Гляделов не соглашается с такой оценкой: «Фотографии Андреаса Гурски — объект искусства. Я назвал бы их мировоззренческими, ведь они наполнены глубоким смыслом. А это в современном искусстве главное. Работы многих других фотографов ничем не уступают снимкам Андреаса Гурски как с технической стороны, так и по художественной ценности. Однако им не достает глобальной идеи».

Гурски является членом так называемого бехеровского круга — группы талантливых учеников профессора Дюссельдорфской академии искусств Бернда Бехера. В него, помимо Андреаса, входят признанные фотографы Аксель Хютте, Томас Руфф, Томас Штрут и Кандида Хофер. Они тоже стали известными благодаря снимкам промышленной архитектуры. Однако самый дорогостоящий фотограф современности не желает ассоциировать себя с однокашниками: «Меня мало беспокоит то, что в моих снимках ищут аналогии с фотографиями «бехеровского круга», в котором я учился. Если бы мое развитие как художника зависело от результатов работы моих коллег, меня бы такой порядок вещей очень расстроил. Считаю вполне логичным плавный переход от наивных ландшафтов, которые я снимал в 80-х, до нынешних абстракций. Полагаю, что даже в ранних работах я был в определенном смысле абстракционистом».

Работы Гурски также напоминают панорамы художников «гудзонской школы», возникшей в Америке в 1820 году. Деятели этого направления исповедовали прямоту взгляда на мир, а живопись была способом создания эффектного зрелища и не более. Лидер «гудзонской школы» Фредерик Черч изображал дикую природу Америки, Гурски снимает «дикие» ландшафты мегаполисов.
На обвинения в конъюнктурности Гурски особо не реагирует. Помимо Бехера, у него был хороший учитель — отец, который был самым настоящим ремесленником, не стеснявшимся называть себя «коммерческим фотографом».

Технология съемки Гурски довольно трудоемкая. Он использует специально сконструированную фотоаппаратуру, которой снимает панорамы, объекты огромных размеров, причем с нескольких точек. Расходы на масштабные фотосъемки, которые организовывает немец, достигают, по оценкам специалистов, $100 тыс. «Как мне известно, только затраты на технику, с помощью которой возможно осуществить подобную съемку, составляют порядка $50-100 тыс., — говорит Виктор Марущенко. — Очевидно, что Гурски использует камеры большого формата, к которым прикрепляются цифровые приставки (стоимостью не меньше $20-50 тыс.)». Цифровые приставки при сложной съемке гарантируют высокое качество изображения, причем они удобнее пленочных кассет. Кроме того, Гурски работает не один, а с напарником — к такому выводу пришли Марущенко и его знаменитый коллега Борис Михайлов, обсуждая работы Андреаса. Возможно, что в съемках участвуют несколько человек различной квалификации вплоть до ассистентов по свету. При этом надо учитывать и другие издержки: например, аренду вертолета, расходы на дорогу и проживание.

Но на этом процесс создания фотополотна не заканчивается. Сделав необходимые снимки, Гурски с помощью компьютерного монтажа искусно прячет «швы». В результате получаются настоящие картины. Еще в 20-е годы возникновение такого «картинного» фотомонтажа предсказывал конструктивист Ласло Мохой-Надь. Правда, он не подозревал о чудесах «фотошопа». Например, на фотографии «Бундестаг» (1998) немец зафиксировал интерьеры сразу трех этажей здания. Кого не впечатлит вот такой «биллборд» во всю стену директорского кабинета?

Еще одно принципиальное отличие фотографий Гурски от уличных рекламных стендов — тираж. Немец не производит на свет более двух-трех идентичных отпечатков.

В 2002 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в торгах за современную работу Андреаса Гурски победила компания Nike. Производитель спортивной экипировки заплатил за фото EUR701 тыс., чтобы повесить масштабную фотокартину в своем офисе

Газета China Daily насчитала в коллекции украинского магната (Виктор Пинчук) шесть фоторабот Гурски, в том числе самый дорогой диптих «99 центов». Отечественные эксперты полагают, что их не менее десятка. По словам Виктора Пинчука, он пополняет коллекцию, участвуя в торгах Sotheby’s и Christie’s, но в основном покупает произведения напрямую: у художников и их представителей.

…Участники арт-рынка, специализирующиеся на светописи, спасаются от этого «фотоэффекта», приобретая отпечаток вместе с негативом (в случае с цифровой фотографией — с оригинальным файлом) и уничтожая последний. Впрочем, это экстремальный вариант. Обычно в фотографии соблюдаются те же правила игры, что давно установились на рынке других воспроизводимых арт-объектов: гравюр или скульптур, где художник обязуется произвести оговоренное количество отпечатков или отливок с матрицы. В художественной фотографии эта цифра традиционно варьирует в пределах 10-20 экземпляров (при этом в договоре четко фиксируется тираж). Таким образом, Андреас Гурски невольно пошел «навстречу пожеланиям трудящихся», создавая и того меньше копий.

…Доступность фототехники априори понижает ценность фотоискусства в глазах обывателей. Этот эффект усилился с появлением на прилавках дешевых цифровых фотоаппаратов, позволяющих делать технически удовлетворительные снимки даже ребенку. В результате люди, готовые вкладывать средства в искусство, не рассматривают фотографию в качестве объекта инвестиций…

Ретроспектива Андреаса Гурски в Hayward Gallery • ARTANDHOUSES

После двухлетней реновации в Лондоне открылась знаменитая Hayward Gallery, в этом году отмечающая свое 50-летие. Первой выставкой в обновленных пространствах стала масштабная ретроспектива немецкого фотографа Андреаса Гурски.

Ровно десять лет назад, в 2008 году, в рамках Московской фотобиеннале в Фонде культуры «Екатерина» тоже проходила ретроспектива знаменитого немца. С тех пор объемы его ретроспектив увеличились более чем вдвое — в Лондоне показывают около семидесяти масштабных снимков-полотен. А в рейтинге самых дорогих фотографий в мире он успел побить свой собственный рекорд 2007 года, когда на Sotheby’s «99 центов II» были проданы за $3,3 млн, — в 2011-м работа «Рейн II» ушла на Christie’s за $4,3 млн.

Andreas Gursky
«Rhine II»
1999
remastered 2015
© Andreas Gursky/DACS, 2017
Courtesy: Sprüth Magers

Шестидесятидвухлетний фотограф принадлежит к прославленной дюссельдорфской школе. Еще в конце 1980-х он начал свои эксперименты с компьютерными преобразованиями снимков с изображениями символических мест планеты, жанровыми сценами из мировой экономики и обыденной жизни. Гурски мастерски соединял один и тот же геометрически выверенный кадр несколько раз, превращая изображение в «бесконечную», порой абсурдную, но неизменно притягательную последовательность. Таким «свойством» у него обладали здания, моря и реки, плантации, биржи, улицы, а также коллективы людей на дискотеках, в цехах, парках и аренах. И основу экспозиции в Hayward Gallery как раз составляют самые известные из этих его произведений. Среди них — «Paris, Montparnasse», последняя работа-рекордсмен «Rhine II» », «May Day IV».

Из работ недавнего времени, выполненных в его узнаваемой стилистике, в экспозицию вошли снимки из Северной Кореи с выступлениями местных спортсменов на Массовых играх и усыпанное мусором шоссе в испанском Эль-Эхидо. Не обошлось и без камеры смартфона: серии «Ibiza», «Mobile Nr.1» и «Utah» выставлены здесь в непривычно малом для мастера формате.

Andreas Gursky
«Les Mées»
2016
detail
© Andreas Gursky/DACS, 2017
Courtesy: Sprüth Magers

Andreas Gursky
«Amazon»
2016
© Andreas Gursky/DACS, 2017
Courtesy: Sprüth Magers

Andreas Gursky
«El Ejido»
2017
Copyright: Andreas Gursky / VG Bild-Kunst, Bonn 2018
Courtesy Sprüth Magers

Andreas Gursky
«Pyongyang VII»
2007/2017
Copyright: Andreas Gursky / VG Bild-Kunst, Bonn 2018
Courtesy Sprüth Magers

Hayward Gallery London

Глобализация в работах самого дорого фотографа мира Андреаса Гурски

Как известно, фотографы смотрят на мир через объектив. И каждый из них видит абсолютно другой мир, который отличается от всех остальных. А вот показать увиденное другим людям — это и есть искусство фотографии.

Когда смотришь на что-то настолько прекрасное, что не поддается никаким словесным объяснениям, остается только наслаждаться моментом и быть признательным фотографу за приоткрытую завесу в неизведанное.

Андреас Гурски, фотограф из Дюссельдорфа, рассказывает свои истории посредством фотоснимков с 1980 года. Переняв любовь к запечатлению внешнего мира от отца, Андреас был погружен в мир искусства с самого детства, познавая все тонкости и нюансы работы. Увлечение переросло в желание заниматься фотографией профессионально, поэтому следующим шагом в жизни фотографа стало поступление в Академию искусств в Дюссельдорфе, которая известна во всем мире, как место зарождения авангарда. Работая с великими учителями, Андреас открыл для себя свое направление в фотографии, которое позже получило очертание так называемой глобализации. Внимание к мелким деталям на фоне массового хаоса принесло фотографу узнаваемость и востребованность. Еще одной отличительной чертой фотографа стал размер полотна, на котором он печатает свои работы. Андреас изначально использовал самые крупные форматы бумаги, которые мог найти, чтобы не упустить из вида ни одну деталь. На его выставках часто можно встретить работы, разделенные на несколько рядом стоящих полотен. Будь то пейзаж или индастриал, его фотографии настолько насыщенны действием, что иногда зритель начинает чувствовать легкую панику, как бы погружаясь куда-то далеко в мир, где была сделана фотография.

На фотографиях художника видны масштаб и величие окружающего мира, по сравнению с которыми люди теряют свою ведущую роль и выглядят, как если бы мы смотрели сверху на муравейник.

После окончания учебы Андреас отправился путешествовать по миру, заранее продумав каждый ракурс места или здания, которое стремился запечатлеть. Путешествуя, он начал с пейзажей, но быстро переключился на заводы, офисы и массовые мероприятия разных уголков планеты. Олимпийские игры не стали исключением. Он исколесил практически всю планету, собирая материалы, которые и по сей день пользуются бешеной популярностью. Андреас акцентирует внимание на технологиях и массовости, используя при этом яркие краски. Несмотря на неумолимость прогресса, он все еще снимает на широкоформатные пленочные камеры, после чего сканирует изображения. Часто одного его работа может быть результатом нескольких обработанных фотографий одновременно.

Не удивительно, что Андреас со своим особым виденьем стал самым дорогим фотографом за всю историю. Его работа «Рейн II» размером 1,85х3,63 м, сделанная им в 1999 году, ушла на аукционе за 4,34 млн. долларов США. Казалось бы, что особенного в фотографии реки? На самом деле, Андреас изобразил берега в том виде, который они имели много лет. Во время проведения съемки, местность была плотно застроена зданиями. Так что он вложил в эту работу совсем нешуточную философию, которую оценили почти в 4,5 миллиона. Неплохо, да?

Разумеется, известность фотографа не ограничивается одной только фотографией. Сегодня даже самые ранние его работы разлетаются с молниеносной скоростью и за большие деньги сразу же, как появляются в качестве лота на аукционах. Если опустить эстетическую сторону, то это еще и удачное капиталовложение — картины Гурски стремительно растут в цене. Так что если вы хотите работу Андреаса к себе в личную коллекцию, то копить на нее нужно начинать уже сейчас.

Чтобы быть ближе к прекрасному, не забудьте заглянуть на официальный сайт Андреаса Гурски.

Автор: Екатерина Паланчук

2017

Андреас Гурски в Gagosian Gallery

Выставка снимков немецкого фотографа Андреаса Гурски откроется сегодня, 15 мая, в гонконгской галерее Ларри Гагосяна. Упор в первой экспозиции Андреаса Гурски, проходящей в Азии, сделан прежде всего на «местные» фотографии — ее основой послужило все то, что автор отснял за последние 20 лет в Северной Корее, Таиланде, Китае и Японии. В 1994 году немецкий фотограф работал в Гонконге, запечатлев шанхайский банк, аэропорт и многие другие детали города. Одна из последних его серий, созданная в 2011 году, обозначает иное направление в творчестве — Гурски отходит от привычных урбанистических пейзажей с идеальной симметрией к изображению природы, в частности, реки Чао Прайя (Chao Praya) в Бангкоке.

Гурски оказывается зачарован феноменом этой реки — главного водного потока Бангкока, загрязненного настолько, что напоминает море после кораблекрушения. Чао Прайя проходит через весь город, неся с собой множество токсичных отходов и мусора, что не могло не привлечь внимательный взгляд немецкого фотографа. На его снимках водная гладь больше напоминает абстрактную живопись, чем говорит о плохой экологии Бангкока.

Bangkok VI, 2011

Hong Kong Stock Exchange (1994)

«99 центов» (1999)

На выставке можно будет увидеть и общепризнанные шедевры, например, снимок «99 центов» (1999), изображающий американский супермаркет. В 2007 году он был куплен украинским бизнесменом Виктором Пинчуком более чем за 3,3 миллиона долларов, установив тем самым рекорд цены на фотографию. Правда, в 2011 году арт-сообщество ожидал еще один рекорд — на аукционе Christie’s снимок «Рейн II» ушел с молотка за $4,3 млн, став самой дорогой фотографией из когда-либо проданных на торгах.

Елена Перминова и Мирослава Дума на фоне снимка Андреаса Гурски «99 центов» в PinchukArtCentre

Экспозиция Андреаса Гурски в Gagosian Gallery Hong Kong будет открыта до 16 июня. До галереи Ларри Гагосяна масштабную выставку работ фотографа проводил датский музей «Луизиана», а к концу этого года ретроспектива Гурски планируется в Музее искусств Дюссельдорфа.

Kathedrale (2007)

Nha Trang (2004)

Текст: Дарья Горшкова

Выставка Андреаса Гурски в Кунстпаласе

С 23 сентября в музее Кунстпалас (Kunstpalast) Дюссельдорфа пройдет масштабная выставка Андреаса Гурски, автора самой дорогой в мире фотографии «Рейн II» и мастера идеальной композиции в кадре. В экспозиции представлено 60 работ немецкого фотографа — как широкоформатные, так и небольшие снимки пейзажей, интерьеров и архитектуры, которые Гурски делал с 80-х годов до настоящего времени. Здесь и фотографии из серии «Бангкок», на которой Гурски запечатлел реку Чао Прайа, и снимки из Бахрейна, а также совсем новые работы, созданные в последнее время («Катар» 2012 года, например, широкая публика увидит впервые). В экспозиции сочетаются как широкоформатные, так и небольшие снимки пейзажей, интерьеров и архитектуры, которые Гурски делал с 80-х годов до настоящего времени.

Андреас Гурски «Бахрейн I», (2005), 306 x 221,5 x 6,2 cм

«То, чем я занимаюсь, нельзя назвать чисто фотографией, — комментирует Гурски свою работу. — Все свои снимки я извлекаю из визуального опыта, из которого я выношу живописную идею, обрабатываю и тестирую ее в своей студии, определяю ее пригодность для фотографии и наконец применяю ее на компьютере».

Андреас Гурски, «Океан I», (2010), 249,4 x 348,4 x 6,4 cм

Почти все работы Гурски созданы с помощью множества изображений, которые, соединяясь, образуют целостную композицию. Идеально выстроенные снимки, на которых пейзажи и строения становятся похожими на настоящие произведения искусства, в дюссельдорфском музее можно увидеть до 13 января 2013 года.

Андреас Гурски «Бангкок V», (2011), 307 x 227 x 6,2 cм

Андреас Гурски «Бангкок IX», (2011), 307 x 221 x 6,2 cм

Андреас Гурски «Без названия XV», 2008, 237 x 506 x 6,2 cм

Андреас Гурски

Текст: Дарья Горшкова
Фото: Andreas Gursky, VG BILD-KUNST, Bonn

Андреас Гурски — самый дорогой фотограф в мире

Мрачный и пустынный пейзаж, запечатленный Андреасом Гурски (Andreas Gursky), стал причиной того, что теперь этот немецкий фотограф носит звание самого дорогого в мире. Его фотография “Рейн II” была продана за $ 4,3 млн на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Знаменитый снимок был сделан в 1999 году. Изначально серия состояла из 6 фотографий, но особо удачной оказалась именно вторая – это и дало название фотоработе.

Рейн II, 1999 г.

Ценность этого кадра очевидна не только с художественной точки зрения. Дело в том, что на фотографии запечатлена река и ее берега в том виде, в котором они уже не существуют – к настоящему моменту набережная Рейна уже практически полностью застроена. Сама же композиция снимка выполнена в классическом стиле: все линии в ней соотносятся друг к другу в масштабе один к четырем – это облегчает зрителю восприятие панорамного изображения.

К слову, эта работа Гурски – не первая, побившая рекорд. В 2006 году его снимок “99 центов. Диптих” на котором запечатлены ряды супермаркетов, заваленные разнообразными товарами, достиг стоимости в $ 3,35 млн. Фотография поражает обилием деталей и ярких красок. Рассматривая масштабное полотно во всех подробностях, можно буквально утонуть в цветовой гамме товаров.

“99 центов. Диптих”, 1999 г.

Будущий знаменитый фотограф родился в 1955 году в Лейпциге. Отец и дед Андреаса Гурски к тому времени уже успешно занимались фотографией, и хотя Гурски долгое время не хотел учиться этому искусству, в конечном итоге он пошел по их стопам. При этом, по словам фотографа, он не воспринимал свое новое увлечение как средство заработать, а рассматривал его как шанс войти в мир искусства.

С 1978 по 1981 Гурски учился в Университете искусств Фолькванг, где он освоил мастерство документалистики, а затем продолжил учебу в дюссельдорфской Академии искусств. В Академии сильное влияние на его дальнейшую творческую судьбу оказали учителя – семейная пара фотографов Бехер, известные своим методом систематической «каталогизации» индустриальных видов. Такой подход позже стал ощущться и в художественном почерке Андреаса, когда тот стал снимать огромные, масштабные фотографические полотна, которыми впоследствии он покорил весь мир.

Андреас Гурски любит необычные ракурсы. Делать панорамные снимки такими захватывающими Гурски помогает техника”God’s-eye view” – невооруженный человеческий глаз такого физически не может увидеть. Например, эта техника хорошо заметна по его работе “Тур де Франс “, на которой изображен красивый горный пейзаж. Но достичь желаемого результата фотографу помогает не только метод съемки – чтобы сделать идеальный кадр, фотограф часто прибегает к помощи вертолетов, строительных кранов и крыш.

“Тур де Франс”, 2007 г.

“Бахрейн I”, 2005 г.

Саму съемку фотограф осуществляет на камеру большого формата (размер кадра 9 на 12 сантиметров). Однако при помощи программных средств и печатной техники фотоизображения «разгоняются» до 2-4-метровых полотен. Несмотря на масштабность работ, Гурски удается сделать так, чтобы все детали на фотографии получились четкими, независимо от расстояния. Он с удовольствием «набивает» свои кадры огромным количеством людей, предметов и архитектурных элементов.

Монпарнас, Париж, 1993 г.

Собственное творчество Андреас Гурски описывает как область искусства, которую нельзя отнести к чистой фотографии. Действительно, из-за серьезной цифровой обработки его работы нельзя назвать фотографиями в полном смысле слова – скорее, это масштабные, псевдореалистические фотокартины. Сам автор говорит: «Истоком всех моих работ является непосредственный визуальный опыт, на его основе я развиваю идею фотографии, пригодность которой проверяю в ателье, а затем разрабатываю ее и уточняю с помощью компьютера».

“Без названия #96″, 1981

Умные и сложные работы Андреаса Гурски пользуются большой популярностью у публики и частных коллекционеров, интересующихся произведениями современного искусства. Спектр его фоторабот охватывает самые разные темы – от архитектуры и природных ландшафтов до музыкальных концертов с массовым скоплением людей. Но везде мы видим огромный пространственный мир с идеальной структурой и детализацией.

По материалам art-sheep.com, fotokomok.ru

пространство не должно быть живописным, оно просто должно работать – Газета Коммерсантъ № 60 (3877) от 10.04.2008

Биеннале фото

Сегодня в фонде «Екатерина» при поддержке «Билайна» открывается одна из главных выставок Московской фотобиеннале — ретроспектива немецкого фотографа Андреаса Гурски. Его многометровые снимки-картины выставляли крупнейшие музеи современного искусства. АНДРЕАСУ ГУРСКИ принадлежит и мировой аукционный рекорд на фотографию — $3 млн 340 тыс. 456 (на Sotheby`s в 2007) году. Автор самой дорогой в мире фотографии ответил на вопросы ИРИНЫ Ъ-КУЛИК.

— Что изменилось после того, как ваша работа «99 центов» ушла на торгах за три с лишним миллиона долларов?

— Мне все время задают этот вопрос. Я не думаю, что это сильно влияет на мое творчество, но к тому, что работы становятся все дороже и дороже, постепенно привыкаешь. А почему так происходит — это должны мне объяснить вы, критики.

— Как вы находите такие поразительные точки съемки, так что в кадр помещаются обитатели целых бирж, супермаркетов и стадионов?

— Раньше я просто делал снимок, увеличивал его и наклеивал на плексиглас. А в последние годы я стал использовать «Фотошоп». Я делаю множество снимков, отбираю необходимые, делаю эскиз, по которому специально обученный человек уже делает компьютерную обработку. Я могу совместить в одной работе несколько снимков, сделанных в одном и том же месте, но в разные моменты времени. Или же, как на одной из представленных в Москве фотографий, сделать витражи готического собора не цветными, но черно-белыми — чтобы они воспринимались как некий текст. А для того чтобы добиться нужного ракурса, я снимаю с высотных зданий, с кранов, с вертолета.

— С чьей точки зрения вы стараетесь показать мир?

— Нет, это не взгляд бога — если вы это имели в виду. Но и не взгляд обычного человека, находящегося в гуще повседневной жизни. Скорее, это точка зрения некоего исследователя, который наблюдает мир на расстоянии, изучает его и пытается понять его конструкцию, логику его развития.

— Вашими учителями были классики концептуальной фотографии — чета Бехеров, прославившихся черно-белыми снимками водонапорных башен. Чему вы у них научились?

— Моим первым учителем был мой отец-фотограф, именно у него я получил технические навыки. А у Бернда и Хиллы Бехер я учился, в основном просто глядя на их работы. Хотя не менее значимым был и сам их образ жизни, который мы, студенты, могли наблюдать, потому что они часто работали с нами у себя дома.

— На московской выставке есть фотографии, сделанные в Северной Корее. Как вам удалось получить разрешение на съемки в такой закрытой стране?

— Эти снимки были сделаны во времена Ким Ир Сена. У меня не было специального разрешения на съемку, я просто нашел в Кельне маленькую туристическую компанию, которая вывозила в Северную Корею небольшие группы — благодаря связям, сохранившимся еще со времен ГДР. Требовалось заявить, что ты ни в коем случае не осуждаешь северокорейский политический строй и направляешься туда с визитом доброй воли. Меня совершенно потрясло хореографическое представление на стадионе. Чтобы получить нужные снимки, мне пришлось смотреть и снимать его семь дней подряд.

— Каким образом вы выбираете места для съемок, что вас интересует в тех или иных городах и странах?

— На всех моих снимках представлены образы, связанные с человеческой деятельностью. У меня нет каких-то идеологических предпочтений в выборе стран — это может быть Европа, Россия, США. Я не могу сказать, что я люблю одну страну больше, чем другую. Меня интересует не место, но пространство. Оно не должно быть живописным или экзотическим, оно просто должно работать — как исправная батарейка, от которой можно подзарядиться энергией. И мне бы хотелось, чтобы этот заряд передавался зрителям, чтобы, выходя с выставки на улицу, они узнавали какие-то мои образы в том, что их окружает…

— Чтобы мир казался им более упорядоченным?

— Не совсем так. Моя цель — познание мира. Обычно, когда мы идем по улице, мы с головой погружены в повседневные заботы, в наши собственные мысли, шум машин, движение толпы. Камера на штативе — это своего рода перископ, позволяющий нам подняться над этим потоком и взглянуть на мир более аналитически.

Андреас Гурски: немецкий фотограф, запечатлевший промышленные масштабы нашего времени

HERO DAILIES: основная культура, курируется ежедневно
WEDNESDAY ART IDOL: Карьера художников с непревзойденным видением

Андреас Гурски — немецкий фотограф, чьи крупномасштабные цветные изображения не только бьют рекорды на аукционах, но и меняют представление о фотографии.Как один из самых желанных фотографов, работающих сегодня, Гурски визуализирует невообразимые масштабы современности с помощью фотографий, которые заставляют вас стоять перед собой.

Ранняя жизнь

Андреас Гурски родился в Восточной Германии в семье фотографов. Он вырос и учился в Эссене и Дюссельдорфе, чьи сцены фотографии оказали глубокое влияние на его творчество. В Эссене Гурски впервые развил свои технические навыки, изучая визуальную коммуникацию у ключевых немецких фотографов-документалистов 20-го века Отто Штайнхарта и Михаэля Шмидта с 1978 по 1981 год.

Оттуда он перешел в Дюссельдорфскую художественную академию, всемирно известную Мекку современной фотографии, возглавляемую легендарными немецкими художниками-концептуалистами Берндом и Хиллой Бехер. В период с 1976 по 1998 год их фото-отдел выпустил поколения самых известных художников Германии — только Гурски считал своими сверстниками Акселя Хютте, Томаса Штрута, Томаса Руффа и Герхарда Рихтера.

Андреас Гурски, Рейн II, 1999, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

Влияние Бехера

Бернд и Хилла Бехер были не только дальновидными учителями, но и выдающимися художниками, которые до открытия Академии были первыми фотографами, получившими звание «художники» с их серией типологий исчезающей промышленной архитектуры Рура .Гурски воспринял эту эстетику и под руководством Бехера сам продвинул ее, чтобы расширить границы фотографии.

Как и многие ученики Бехера, Гурски размывает представление о фотографиях как о правдивых изображениях. Хотя он начал цифровую обработку изображений только в начале 90-х (после того, как Рафф уже сделал это), это определяющая черта его работы, которая подрывает традиционную роль фотографа. Таким образом, изображения Гурски объединяют и фотографию, и искусство, ссылаясь на визуальный язык живописи — ее техники и композиции — при этом экспериментируя в цифровых рамках.

Андреас Гурски, перевал Клаузен, 1984, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

Поздняя работа и слава

Первоначально Гурски повторял стиль Бернда и Хиллера Бехеров маленькими черно-белыми гравюрами, но к середине 80-х он начал бороться с эпическим масштабом, который с тех пор стал определять его работу.Первоначально это проявлялось в изображениях людей, которые ходят пешком, плавают и катаются на лыжах, будучи затмеваемыми своим окружением ( Klausen Pass , 1984), опираясь на чувство возвышенного, которое стало для него центральным мотивом.

Все действительно изменилось в 1990 году с выходом Salerno I , когда Гурски начал цифровую обработку своих фотографий. Этот едва вообразимый образ неаполитанского портового города и окружающих его гор действует в своего рода эпическом масштабе, который лучше всего ассоциируется с пейзажами 19-го века.Сочетая размер с деталями: многоцветный груз, ожидающий транзита, шумный порт и миниатюрные домики, каждая часть фотографии предлагает свою собственную глубину, требующую многочасового индивидуального осмотра. Это константа для Гурски, чьи фотографии колеблются между микро и макро как с точки зрения перспективы: огромное изображение с микроскопическими деталями, так и тематика: местное место, которое раскрывает универсальный дух современности.

Андреас Гурски, Салерно I, 1990, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

С этого момента Гурски начал создавать крупномасштабные изображения с высоким разрешением, которые исследовали масштабы созданных руками человека творений, но в значительной степени опускали людей.Аэропорты, супермаркеты, многоквартирные дома, массовые собрания в Северной Корее, реки, океаны, фондовые биржи и свалки — все это привлекало внимание Гурски не только своим размером (Гурски всегда фотографирует издалека, иногда с вертолета), но и тем, о чем они рассказывают. глобализация, капитализм и человеческое потребление.

Несмотря на то, что его фотографии не содержат явного политического послания, они связаны этим очарованием перспективой и масштабом не только с точки зрения физического размера (его фотографии часто превышают 2 метра), но и тех промышленных сил, которые они изображают, и того, что они говорят современная цивилизация.

Андреас Гурски Пхеньян II, Диптихон, 2007, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

99 центов (1999)

Есть что-то ироничное в фотографиях Гурски дешевых товаров массового производства, побивших рекорд самой дорогой фотографии, проданной на аукционе (за 3,34 миллиона долларов в 2007 году).Сделанная в магазине за 99 центов в Лос-Анджелесе, фотография представляет собой взрыв цвета и мельчайших деталей, которые, как и многие работы Гурски, поначалу трудно различить. Только как только глаз привыкает, цвет раскрывается как упаковка, и становятся видны знакомые бренды, сложенные в бесконечных проходах.

Андреас Гурски, 99 Cent, 1999, любезно предоставлено художниками, © Андреас Гурски

Гиперреальные детали и информационная перегрузка — общие элементы для Гурски, наряду с необычной перспективой изображения, которое, по словам датского куратора Фредерика Стьернфлета, создает впечатление человека, «видимого из ниоткуда».Это гипнотическое качество дает «странное ощущение избытка записанных деталей, выходящих далеко за пределы того момента, на котором внимание зрителя сосредоточено в любой конкретный момент».

По своей линейной композиции и огромным размерам (размером более 6 × 11 футов) фотография больше напоминает произведение абстрактного экспрессионизма, но сцена банальна и, вероятно, может быть где угодно в мире. В этом-то и дело. С его почти клаустрофобным чувством излишеств и сахаристости, цвета «выбери меня», 99 Cent выражает эпоху глобализированного потребительства в одном образе.Некоторые считают это резким заявлением о капитализме и материальной жадности, в то время как другие думают, что это просто способность Гурски находить искусство в повседневной жизни.

Верхнее изображение: Андреас Гурски, Салерно I, 1990, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

Андреас Гурски на фотографии, которая все изменила: «Это была чистая интуиция» | Фотография

Это был 1990 год, я ехал с семьей на машине, осматривая достопримечательности Неаполя и его окрестностей.Поздно вечером мы увидели этот вид на гавань Салерно. Солнце садилось над городом, поэтому пришлось спешить. Я установил штатив и камеру 4×5 дюймов, затем сделал четыре кадра. Некогда было взвесить, стоит оно того или нет.

Визуально все полностью расходилось с тем, чему меня учили. Мои учителя, художники-концептуалисты Бернд и Хилла Бехер, говорили мне избегать фотографирования при солнечном свете, голубом небе или сильных тенях. Но я думал, что теплый солнечный свет здесь сделал что-то довольно китчевое.Кроме того, до этого момента в центре моей работы были люди, но здесь никого не было видно. И все же меня поразило то, что я увидел: сложность изображения, скопление товаров, машин, контейнеров. Я не был уверен, что фотография подойдет. Я просто чувствовал себя обязанным. Это была чистая интуиция.

Только когда я вернулся домой и составил первый контактный лист, я понял, что у меня есть. Я сразу увидел этот узор, эту изобразительную плотность, эту индустриальную эстетику.Этот образ стал для меня важной частью, поворотным моментом. Это открыло новое ощущение возможности стилистически и тематически. Я попытался сфотографировать другие порты, но понял, что это не то, что заставило изображение Салерно работать. Это был баланс между большим масштабом и огромным количеством резких деталей.

Снято с вертолета… Без названия XVIII, 2015, Андреас Гурски. Фотография: Андреас Гурски / DACS, 2017, любезно предоставлено Sprüth Magers

. Я продолжил разработку этих вещей. В том же году я сделал почти монохромное изображение бесчисленных мужчин в черных костюмах и белых рубашках в торговом зале Токийской фондовой биржи.За этим последовало такое же крупномасштабное изображение завода Siemens в Карлсруэ, Германия, с рабочими, скрытыми бесчисленными проводами, коробками и прочим. Салерно с его уплощенной композицией и повторениями сделал возможным оба этих образа.

После этого я сосредоточился на аэропортах и супермаркетах, океанах и реках, таких как Рейн [объект Рейн II, который был продан за рекордные 4,3 миллиона долларов в 2011 году]. В начале 1990-х я начал работать в цифровом формате, комбинируя кадры, вырезая одни детали, повторяя другие.Финальные работы больше не были простыми, прямолинейными кадрами, как Салерно, а представляли собой построенные изображения. Мое внимание уделяется пространству, а не деталям. Критики говорят, что я всегда снимаю сцены с поднятого ракурса, но мои изображения потолка были сняты снизу, а моя Формула 1 работает прямо.

Расстояние также является важным фактором, что я унаследовал от Бехеров. Если бы фотожурналисту поручили запечатлеть сцену, они бы подошли намного ближе. Но, всегда соблюдая дистанцию, я позволяю зрителю высказывать собственное мнение.Хотя все мои изображения состоят из множества деталей — которые вы можете подробно изучить из-за высокого разрешения, — они не о них. Каждый из них всегда является собственным миром, созданным.

Рекордсмен… Rhine II, 1999 г. (обновлен в 2015 г.), проданный за 4,3 миллиона долларов. Фотография: © Андреас Гурски / DACS, 2017; Предоставлено: Sprüth Magers

. В наши дни я больше не хожу в места без плана в надежде просто открыть для себя что-то. Мой процесс гораздо более концептуален и основан на исследованиях. Вы не поедете в Северную Корею — как я сделал в 2007 году для своей серии о Пхеньяне — без предварительной разработки идей.Точно так же моя серия тюльпанов 2015 года, снятая с вертолета, началась с изображений, которые я видел в журнале.

Тем не менее, я до сих пор натыкаюсь на вещи случайно. Как я всегда говорю своим ученикам: сидя за столом и думая, вы никуда не денетесь. Вы учитесь на практике. Вот как вы продвигаетесь вперед. И даже если вы сделаете что-то не так, результат может быть намного интереснее того, что вы искали.

В последнее время работаю с нерезкостью. Я ехал с женой в поездку в Юту.Как и любой турист, меня впечатлил пейзаж. Однажды я сфотографировал на свой iPhone, пока мы ехали. Я любил их. Когда мы приехали в отель, я сказал жене: «Хорошо, завтра ты будешь водить машину, и я постараюсь получить похожие изображения в более высоком разрешении с помощью моего профессионального оборудования». Полученное изображение — плоский, сухой пейзаж с горами вдалеке — в основном не в фокусе, хотя разрешение высокое. У него совершенно другая перспектива по сравнению с моими более ранними работами, которые во всем остры.

«Старый мир на заднем плане, современный впереди»… Les Mées, 2016, Андреас Гурски. Фотография: DACS, 2017, любезно предоставлено Sprüth Magers

. Я решил попробовать то же самое в Токио, снимая с высокоскоростного поезда Синкансэн. Я провел там три дня в одиночестве и сделал около 2000 снимков. С поднятого ракурса поезда я запечатлел миниатюрную архитектуру, плотность и неравномерность зданий.

Я всегда восхищался жилыми районами Токио.В Германии, моей родной стране, все стандартизовано: оконные проемы, размеры дверей, они всегда одни и те же. Но в Токио так много вариаций, что в конечном итоге вы думаете, что что-то пошло не так с реальной сценой. Такого рода «ошибка» в строгой структуре — вот что делает картину интересной. В полях моей серии «Тюльпан» отсутствуют биты и цвета. Это похоже на неисправность принтера.

Les Mées — это недавняя работа, которую я связываю с Салерно. Я слышал об этой фотоэлектрической установке недалеко от Марселя во Франции.Часто такие места не очень интересны, потому что все такое прямоугольное. Но здесь панно становятся частью ландшафта. Мне также понравилось то, что вы могли видеть старый мир на заднем плане, горы — и современный мир, растения, впереди.

Все мои пейзажи созданы руками человека. Меня интересуют люди, цивилизация, человеческое присутствие и деятельность. Я не мог себе представить, чтобы сфотографировать гору в одиночестве, хотя это, конечно, возможно. Однажды я смогу.

CV Андреаса Гурски

Андреас Гурски. Фотография: Том Лемке

Родился: Лейпциг, Германия, 1955.

Обучался: Kunstakademie Düsseldorf.

Реальный аналог: Хилла и Бернд Бехер, Зигмар Польке и Герхард Рихтер.

Главный совет: «Иногда человек неосознанно принимает правильное решение».

Андреас Гурски — немецкий фотограф, известный своей камерой Linhof.

Андреас Гурски — большое искусство, большие деньги

Андреас Гурски родился в 1955 году, немецкий фотограф и профессор Художественной академии Дюссельдорфа, Германия.Он известен своими широкоформатными архитектурными фотографиями и цветными пейзажными фотографиями, часто использующими высокую точку зрения. Гурски делит студию с Лоренц Бергес, Томас Руфф и Акселем Хютте на Ганзейской аллее в Дюссельдорфе. Здание бывшей электростанции было преобразовано в студию художников и жилые помещения в 2001 году архитекторами Herzog & de Meuron, известными из галереи Tate Modern. В 2010-11 годах архитекторы снова работали над зданием, спроектировав галерею в подвале.

Но то, что его изображения привлекают цены, в большом или небольшом масштабе, впечатляет даже самого стойкого критика фотографии, который все еще сомневается в способности фотографии быть признанным «искусством» ».

Андреас Гурски — Художественная фотография на миллион долларов?

Гурски родился в Лейпциге, бывшая Восточная Германия, в 1955 году. Его семья переехала в Западную Германию, переехав в Эссен, а затем в Дюссельдорф к концу 1957 года. С 1978 по 1981 год он посещал Folkwangschule в Эссене, где он, как говорят, посещал учились у Отто Штайнерта.Однако оспаривается, что на самом деле это не так, так как Штайнерт умер в 1978 году. В период с 1981 по 1987 год в Kunstakademie Düsseldorf Гурски получил сильную подготовку и влияние со стороны своих учителей Хиллы и Бернд Бехер, фотографической группы, известной благодаря их отличительный, беспристрастный метод систематической каталогизации промышленного оборудования и архитектуры. Гурски демонстрирует такой же методический подход в своей крупномасштабной фотографии. Другими заметными влияниями являются британский фотограф-пейзажист Джон Дэвис, чьи детализированные изображения с высокой точки обзора оказали сильное влияние на фотографии уличного уровня, которые Гурски делал тогда, и в меньшей степени американский фотограф Джоэл Стернфельд.

Выставка Андреаса Гурски

В то время как в 1990-е годы Гурски не обрабатывал свои изображения в цифровом виде. С тех пор Гурски откровенно заявлял, что полагается на компьютеры при редактировании и улучшении своих изображений, создавая искусство пространств, больших, чем сфотографированные объекты. В статье для журнала The New Yorker критик Питер Шельдаль назвал эти фотографии «огромными», «яркими», «развлекательными» и «буквально невероятными». В той же публикации критик Кальвин Томкинс охарактеризовал Гурски как одного из «двух мастеров» «дюссельдорфской» школы.В 2001 году Томкинс описал опыт столкновения с одной из больших работ Гурски,…

Большой, как большой

«Когда я впервые увидел фотографии Андреаса Гурски… У меня появилось дезориентирующее ощущение, что со мной что-то происходит, я полагаю. , хотя это казалось более обобщенным, чем это. Огромные панорамные цветные гравюры Гурски… некоторые из них высотой до шести футов на десять футов длиной… обладали присутствием, формальной силой и, в некоторых случаях, величественной аурой пейзажных картин девятнадцатого века, не теряя при этом ни одной из них. их тщательно проработанная непосредственность, как на фотографиях.Их предметом был современный мир, увиденный беспристрастно и издалека ».

Перспектива на многих фотографиях Гурски нарисована с возвышенности. Это положение позволяет зрителю встречаться со сценами, охватывающими как центр, так и периферию, которые обычно недоступны. Эта широкая перспектива была связана с вовлечением в глобализацию. Визуально Гурски привлекают большие, анонимные, искусственные пространства — высотные фасады в ночное время, вестибюли офисов, фондовые биржи, интерьеры крупных розничных торговцев коробками (см. Его принт 99 Cent II Diptychon).

В ретроспективе 2001 года Нью-Йоркский музей современного искусства описал работы художника как «сложное искусство неприукрашенного наблюдения. Именно благодаря искусству выдумок Гурски мы признаем его мир своим собственным ». Стиль Гурски загадочен и невозмутим. Работы практически не имеют объяснений или манипуляций. Его фотография проста.

Фотография фестиваля Dance Valley Гурски, сделанная недалеко от Амстердама в 1995 году, изображает посетителей перед ди-джеем на большой арене под эффектами стробоскопического освещения.Падающий дым напоминает человеческую руку, удерживающую толпу в стазисе. Завершив печать, Гурски объяснил, что единственная музыка, которую он сейчас слушает, — это анонимный, насыщенный битами стиль, известный как Trance, поскольку его симметрия и простота перекликаются с его собственной работой, при этом играя в направлении более глубоких и интуитивных эмоций.

99 Cent

Фотография 99 Cent (1999) была сделана в магазине 99 Cents Only на бульваре Сансет в Лос-Анджелесе и изображает его интерьер в виде вытянутой горизонтальной композиции параллельных полок, пересекаемых вертикальными белыми колоннами, на которых обилие «аккуратно помеченных пакетов превращается в цветные поля, создаваемые бесконечными массивами идентичных продуктов, отражающихся от блестящего потолка» (Уайатт Мейсон).На картине «Рейн II» (1999 г.) изображен участок реки Рейн за пределами Дюссельдорфа, сразу читаемый как прямой участок воды, а также как абстрактная конфигурация горизонтальных полос разной ширины. В своей серии из шести частей Ocean I-VI (2009-2010) Гурски использовал спутниковые фотографии высокой четкости, которые он дополнял из различных источников изображений в Интернете.

Linhofs большого формата

Гурски снимает на широкоформатные камеры 5 x 7 и 4 x 5 дюймов, прежде чем сканировать свои негативы для цифровой обработки.Гурски использует пленку 100 ASA Fuji в двух широкоформатных камерах Linhof , которые расположены рядом, одна с небольшим широкоугольным объективом, а другая — со стандартным. Время выдержки: 1/8 секунды, диафрагма от 5,6 до 8. Это ему нужно для глубины резкости, а для разрешения — относительно низкочувствительная пленка. В то время как любое случайное размытое движение отбрасывается позже в процессе. Он набирает скорость за счет недоэкспонирования пленки на одну диафрагму и проявляет ее с помощью обработки толчков.

Но пейзаж, настолько плоский, яркий и минималистичный, что на первый взгляд кажется абстрактным, теперь является рекордсменом для самой дорогой фотографии.(4,3 миллиона долларов)
Хромогенная цветная печать, нанесенная на акриловое стекло, намного превысила оценку продаж в 2,5–3,5 миллиона долларов.
Rhine II, 1999 — одна из шести фотографий Гурски, четыре из которых находятся в крупных музеях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке.

Рекордные цены

Таким образом, предыдущий рекорд был установлен в мае этого года американской художницей Синди Шерман Без названия № 96 (1981), также на Christie’s в Нью-Йорке. Репродукция, изображающая художника в костюме влюбленного подростка, снятая в 1981 году, стоила 3 доллара.89м.

Но конец 1980-х, когда Гурски привлек внимание, был временем, когда фотография впервые вошла в пространство галерей, а фотографии заняли свое место рядом с историческими картинами. Однако масштаб и внимание к цвету и форме в изображениях Гурски можно рассматривать как преднамеренный вызов статусу живописи как «высшего» вида искусства.

Но Гурски обращает свой взор на обезличенные, созданные руками человека или повторяющиеся пространства — то, что он называет «антисептическими промышленными зонами».Он классно фотографировал финансовых торговцев с высоты и заводских рабочих у конвейерных лент.
Художник откровенно говорит о том, что гиперреалистичные эффекты, наблюдаемые в Rhine II — серебристая вода, ухоженное совершенство геометрических линий и цветовые контрасты — являются результатом цифровой коррекции. Но он по-прежнему пользуется пленкой.

Он выставлялся на международных выставках. Linhof 5 × 7 и Linhof 4 × 5

Artnet

Веб-сайт

Андреас Гурски в C4 Contemporary

Профиль художника и биография немецкого художника 9020 Андреас Гурки, популярный в 1990-х годах и даже сейчас, часто известен своими огромными архитектурными и пейзажными цветными фотографиями, часто использующими точку обзора с воздуха, часто идентифицируя систематизированные аспекты культуры.До 1990-х годов Гурски не создавал свои работы на цифровой платформе, хотя теперь открыто обсуждает свою зависимость от компьютеров для редактирования и улучшения своих изображений, а также с целью увеличения видимого объема своей темы с точки зрения размера. Критик Кэлвин Томкинс описал опыт столкновения с одной из крупномасштабных гравюр Гурски: «Когда я впервые увидел фотографии Андреаса Гурски … у меня было дезориентирующее ощущение, что что-то происходит — я полагаю, со мной происходит, хотя я чувствовал больше. обобщенно, чем это.Огромные панорамные цветные гравюры Гурски — некоторые из них до шести футов в высоту и десяти футов в длину — обладали присутствием, формальной силой и в некоторых случаях величественной аурой пейзажных картин XIX века, не теряя при этом ни одной из их тщательно проработанной непосредственности. как фотографии. Их предметом был современный мир, видимый беспристрастно и издалека ». Независимо от того, было ли это утверждение подлинным заявлением о факте или, скорее, выплаченной лестью, по состоянию на 2007 год Гурски является рекордсменом по самой высокой цене, уплаченной на аукционе за сингл фотографическое изображение.Его 99 Cent II, Diptych , продан за 3,3 миллиона долларов на аукционе Сотбис в Лондоне.

Однако возникает ощущение, что большая часть более поздних «серийных» работ делается больше для рынка, чем для целей философского исследования или для удовлетворения ощущения «полноты» личной коллекции. Помимо всех предположений о мотивах, работа задает вопросы об экономике, как глобальной, так и локальной. Формальная договоренность вызывает подозрение в отношении глобальной организации и логистики.Кодекс ДНК в этих работах, пожалуй, наиболее заметен в ранней работе «Парижский Монпарнас» 1993 года (вверху). Архитектурный каркас многоэтажного дома становится самим контекстом для таких дискуссий. Тщательное обрамление стирает объектность здания, предотвращая его идентификацию как объект и привлекая внимание только к элементам, заложенным в архитектуре. Таким образом, здание становится легким образцом для ткани индустриального общества — за исключением того, что оно не является столь «очевидным».Нарушая этот канон архитектурной фотографии, Гурски поглощает среду и использует ее изначально высокое разрешение в повествовательных (а не чувственных) целях. То есть каждая единица и жизнь четко идентифицируются — и здесь возникает напряжение. Разрешение и размер фотографии Гурски всегда необходимы (и именно поэтому вы не можете адекватно разглядеть значение его работы из Интернета, на экране). Во всех случаях очень важно, чтобы зритель отождествлял себя с отдельной единицей, составляющей матрицу «системы».Гурски, среди прочего, хотел бы, чтобы мы рассмотрели напряжение, присущее этой диалектике. Я лично считаю, что именно здесь эта работа терпит неудачу в долгосрочной перспективе. Он становится слишком назидательным, слишком сухим. Как художник он пытался выжать слишком много из единственного образа и вынудил из него слишком много работы, не внося в уравнение чего-то большего. Будет интересно посмотреть, удастся ли ему успешно оторваться от успеха и тени, отбрасываемой этой серией …

Андреас Гурски Фотограф | Все о фото

Немецкий фотограф.Вскоре после рождения Гурски его семья переехала в Эссен, а затем в Дссельдорф, Западная Германия, в 1957 году. Родители Гурских управляли студией коммерческой фотографии, но Гурски не собирался присоединяться к бизнесу. Он посещал Folkwangschule в Эссене (1978–1980), уделяя особое внимание визуальному общению и ставя перед собой цель стать фотожурналистом, но ему не удалось найти работу. Вдохновленный коллегой-фотографом Томасом Штрутом, Гурски поступил в престижную Художественную академию в Дюссельдорфе в 1980 году, а на втором курсе начал изучать фотографию у Бернд и Хиллы Бехер.Хотя Бехерс предпочитал черно-белую фотографию, Гурски работал только в цвете и с помощью своих друзей создал в 1981 году цветную темную комнату. Объединив систематически объективный и строго концептуальный * документальный стиль фотографии Бехерса с его вкусом к цвету Гурски начал изучать современную культуру мира. В 1981 году у Гурского была первая выставка, на которой была представлена его серия Pfrtnerbilder (1981-5), коллекция работ, изображающих пары немецких охранников.После окончания Художественной академии в 1987 году Гурски сосредоточился на фотографировании городских пейзажей, как внутренних, так и внешних, и начал увеличивать размер своих широкоформатных снимков. Гурски провел свою первую персональную выставку в галерее в 1988 году в Galerie Johnen & Schttle. Рост интереса к международному арт-рынку фотографии в сочетании с растущей популярностью кружка Бехерса принесли Гурски большой коммерческий успех. Гурски начал печально известную серию «Первомай» (начало 1990-х) в ответ на крупнейший экономический спад в новейшей истории.Комбинация падающего фондового рынка и роста динамичной рэйв-сцены наркоманов вдохновила на создание этой фотографической подборки. За это время Гурски посетил ряд международных городов, таких как Токио, Лос-Анджелес, Стокгольм, Каир и Гонконг, чтобы сфотографировать массовые оживленные фондовые биржи, производственные предприятия, жилые дома промышленного вида, переполненные арены и клубы. Гурски был одним из первых современных фотографов, которые применили новые методы редактирования цифровых фотографий на своих широкоформатных фотографиях.В 1999 году Гурский создал 99 Cent, первую в серии фотографий дисконтных магазинов, которая была быстро признана одной из его самых важных работ и помещена в крупные музеи мира *. Ретроспектива Гурских в Музее современного искусства, Нью-Йорк. Йорк в 2001 году, в которую вошла работа «Первомай IV», подтвердила его как одного из величайших творческих провидцев своего поколения.

Источник Sothebys, Лондон

Нравится ли вам печенье? 🍪 Мы используем файлы cookie, чтобы обеспечить вам максимальное удобство использования нашего веб-сайта, показать вам персонализированный контент и проанализировать посещаемость нашего веб-сайта.Узнать большеЯ согласен

Андреас Гурски — Строительная деконструкция

Андреас Гурски — немецкий фотограф, известный своими широкоформатными журналистскими фотографиями, обработанными цифровыми методами.

Его картины публиковались и выставлялись по всему миру, а его изображение реки Рейн — самая дорогая фотография, когда-либо проданная на аукционе.

НАЖМИТЕ, ЧТОБЫ ПОСЕТИТЬ МОЙ МАГАЗИН

Прежде чем мы вернемся в прошлое, вот отличное видео о Гурски, которое вы можете посмотреть, оно может пробудить ваш аппетит, чтобы узнать о нем больше.

Фон

Андреас Гурски родился 15 января 1955 года в Лейпциге, Германия.

Можно сказать, что жизненный путь Гурски был решен обстоятельствами: его отец и дед оба были успешными коммерческими фотографами, но Андреас не так-то легко перешел в фотографию.

Когда Гурски был год, его семья переехала в Дюссельдорф, Западная Германия, где его отец начал работать в собственной фотостудии.

Несмотря на то, что Андреас рос в окружении фототехники, он не был уверен, кем он хочет стать в будущем. По его словам, он не знал, чем еще он может заниматься в жизни, поэтому он остался фотографией и начал изучать фотографию в Folkwangschule в Эссене.

После окончания учебы сначала у него была мыслительная работа в качестве фотожурналиста, но обстоятельства заставили его в 1980 году поступить в Дюссельдорфскую художественную академию, чтобы продолжить обучение, потому что он встретил Томаса Штрута (на фото ниже), студента, который там уже учился, а позже стал также известный фотограф.

Класс, к которому тогда присоединился Андреас, возглавляли мастера фотографии Хилла и Бернд Бехер.

Пара была известна в мире современного искусства своими картинами исчезающей промышленной архитектуры в Рурской области, Германия, а также созданием «школы Бехера», также известной как «школа Дюссельдорфа» — группы талантливых студентов, которые впоследствии стали здоровыми. известные фотографы.

Создавая свой стиль

Темы Андреаса Гурски в фотографии уникальны, потому что он мыслитель мирового уровня.Как и любой фотограф, он хочет показать свой взгляд на мир.

До 1990 года Андреас не использовал цифровые инструменты для редактирования изображений, но позже эти инструменты помогли ему создавать уникальные изображения из разных, но изображений с одними и теми же объектами. Это интересный парадокс, потому что он использует технологию манипуляции, чтобы показать реальность.

По словам Гурски, его интересовали не люди, а человеческий вид и его среда, и он пытался изобразить это в своих работах.

Он сосредоточился на глобальных системах, которыми контролировалось общество: производстве товаров, сдерживании и перемещении людей, обороте финансов, организации досуга.

Его взгляд был сфокусирован на консьюмеризме, но он сказал, что не предлагал никаких решений, а только сохранение соответствующих вещей и процессов в мире.

Одним из объектов, которые он выбрал для показа, были люди, работающие вместе как социальная экосистема мира в офисах крупных компаний.

Развивая эту тему, он создавал изображения из разных мест мира, где люди работают на фондовых рынках, сидя за своими столами, обычно с телефонами в руках. Занятые офисные работники размышляют о постоянно стремительном, быстро меняющемся мире.

Фотографии Андреаса уникальны своим большим форматом. Все началось с его фотографии, которую он сделал во время отпуска в Швейцарии в 1984 году.

На этом снимке он запечатлел перевал Клаузен — цветное изображение горы и небольших фигур туристов, идущих к ней.

Тогда Гурски понял, что ему интересны отношения между фигурами и пространством.

В своих кадрах он кладет много мелких предметов, например, тысячи товаров в магазине на полки в супермаркете или множество книг на одном из складов Amazon в США.

Эти кадры создают эффект полностью заполненного пространства и в основном иллюстрируют настоящее лицо капитализма.

По словам директора Hayward Gallery Ральфа Ругоффа, выставлявшего ретроспективу работ Гуркси в 2018 году, Андреас своими картинами дает зрителю пространство для собственных мыслей, но самое главное — художник не говорит им, что думать.

Картины как картины

Одним из атрибутов картин Гурски является то, что его работы сравнивают с картинами традиционного искусства из-за их композиции.

Автор объединяет свои образы из нескольких отдельных произведений и создает диптихи. Например, свои снимки он сделал в 1994 году с Гонконгской фондовой биржи, на которых зритель может увидеть много занятых офисных работников.

Или созданный им в 2001 году диптих под названием «99 центов», в котором изображены полки магазинов, заполненные товарами.

Вторая часть его изображения похожа на вторую половину, и обе вместе создают полное впечатление от запечатленных объектов.

Изображения Андреаса в целом похожи на абстрактные картины из-за естественных полос на природных объектах и ярких цветов.

Иногда на его фотографиях может быть запечатлен только один маленький человек, и увидеть его можно, только обратив внимание на детали.

Рейн II

Имя Гурски вошло в историю фотографии не только из-за его достоинств для современного искусства, но и из-за того, что оно связано с деньгами.

Его работа «Рейн II» сегодня является самой дорогой из проданных на аукционах фотографий.

Он был продан за 4,3 миллиона долларов в 2011 году и был неожиданностью для самого автора. Фотограф запечатлел одну из самых длинных рек Германии — Рейн в Дюссельдорфе, где он живет и по которому бегает почти каждый день.

Этот цветной маг принадлежит к современной фотографии и имеет прямые горизонтальные линии, разделяющие отражающееся серое небо на реку, окруженную зеленой травой.

Знаменитая фотография была изменена — здания за рекой были удалены с фона, поэтому весь вид создает впечатление полностью природного пейзажа и завораживает своей простотой.

Официальная страница Андреаса Гурски:

https://www.andreasgursky.com/ru

Андреас Гурски (Галерея Хейворд) — Андреас Гурски

Андреас Гурски

Распечатано
Взаимодействие с другими людьми
Андреас Гурски

Бангкок (dt.)

Распечатано
Взаимодействие с другими людьми
Андреас Гурски

Бангкок

Распечатано
Взаимодействие с другими людьми

Тест 3

Anim pariatur cliche проницательно, enim eiusmod high life accusamus terry richardson ad squid.3 wolf moon officia aute, бранч со скейтбордом без купидатата. Продовольственный грузовик квиноа nesciunt labourum eiusmod. Бранч 3 волк лунный темпор, загар аликва положи на него птицу кальмар, кофе одного происхождения nulla acceptnda shoreditch et. Nihil anim keffiyeh helvetica, крафтовый пивной труд уэс андерсон кредит несуант сапиенте еа проидент. Объявление vegan excepteur butcher vice lomo. Леггинсы Occaecat Craft Beer Farm-to-Table, сырые джинсы, эстетичный синтезатор, о которых вы, вероятно, не слышали, Accusamus Labore, устойчивые VHS.

Тест 4

Anim pariatur cliche проницательно, enim eiusmod high life accusamus terry richardson ad squid. 3 wolf moon officia aute, бранч со скейтбордом без купидатата. Продовольственный грузовик квиноа nesciunt labourum eiusmod. Бранч 3 волк лунный темпор, загар аликва положи на него птицу кальмар, кофе одного происхождения nulla acceptnda shoreditch et.

МикроТехСервис