%d0%ba%d0%b8%d0%bd%d0%be PNG, векторы, PSD и пнг для бесплатной загрузки

Как добиться кино картинки? Заказать видео, производство видеороликов

Заказать видео, производство видеороликов — video production ZAVODMEDIA

ЧАСТЬ 1.

Основные настройки.

Итак, вы купили цифровую камеру, попробовали что-то снять, но полученный результат не сильно радует. А ведь так хотелось приблизиться к «киношной» картинке? Чтобы этого достичь, давайте разберемся с основными настройками камеры и параметрами съемки. Начнем с угла затвора.

Угол затвора (shutter angle) и правило 180 градусов.

По сути, это время в течение которого 1 кадр взаимодействует со светом. В пленочных камерах эта величина определялась площадью среза диска вращающегося перед пленкой. При угле затвора в сто восемьдесят градусов, затвор срезан на половину, это значит, что каждый кадр будет соприкасаться со светом в течение половины времени необходимого для полного оборота диска затвора. Далее это понятие перекочевало и в цифровую эру. Проще говоря, это выдержка. Для того чтобы картинка максимально походила на «киношную» необходимо соблюдать пропорцию 1/2 по отношению к частоте кадров съемки. Т.е. если Вы снимаете с частотой в 25 кадров, то shutter angle должен ровняться 50, а если, например вы пишите рапид при ста кадрах в секунду, то угол затвора должен быть равен 200.

Почему использование правила ста восьмидесяти градусов делает изображение более «киношным»?

Все очень просто. Угол сто восемьдесят градусов максимально приближает изображение, по степени размытости к той картинке которую привык воспринимать наш глаз в обычной жизни, поэтому большинство кинофильмов снимают именно с такими настройками. Таким образом, после того, как вы определились с частотой кадров, необходимо выставить угол затвора согласно правилу ста восьмидесяти градусов.

Свет

Не забывайте о свете. Чем выше мы делаем частоту кадров, тем сильнее приходится увеличивать shutter angle, а следовательно Вам потребуется большее количество света на площадке. Разумеется, если картинка Вас устраивает то можно начинать снимать, если же нет, следует по необходимости добавить / убрать количество источников света, либо прикрыть диафрагму (о диафрагме далее в статье). При съемке в ночное время, без использования дополнительных источников света старайтесь выбирать такие локации, в которых присутствует большое количество естественной, городской иллюминации.

Диафрагма

Диафрагма позволяет регулировать светочувствительность объектива, регулируя таким образом глубину резкости изображения. Чем выше значение, тем резче и темнее картинка – этот режим хорошо подходит для съемки движущихся объектов, т.к. позволяет удерживать их в фокусе. Именно при высоких значениях диафрагмы мы снимали наш промо ролик «Что ты видишь» — смотрите в разделе реклама. Низкие значение диафрагмы позволяют компенсировать нехватку освещения, художественно размывая фон позади объекта, такие настройки подходят для съемки статичных объектов, удерживать в фокусе движущийся объект, при таком режиме съемки становится проблематично.

ISO

ISO – индекс светочувствительности. Раньше его указывали на пленке. Да, да это те самые цифры, которые мы видели на коробочке с пленкой (100, 200, 300 или 400) Теперь за это отвечает специальный датчик внутри камеры. Повышение чувствительности позволяет компенсировать не достаток освещения. Однако не стоит сильно увлекаться этим параметром, т. к. это ведет к снижению качества картинки, появлению шумов.

Ну что же мы прошлись по основам, в следующей части статьи мы подробно рассмотрим базовые схемы цветокоррекции применяющиеся в кино, которые позволят еще больше усилить кино-эффект ваших видео. Оставайтесь с нами, и да прибудут с Вами сила и креатив.

Чтобы заказать видео обращайтесь в video production ZAVODMEDIA. Производство видеороликов на заказ. Свои запросы пишите нам на почту [email protected].

Кирилл Акишкин
2019 © ZAVODMEDIA

Сергей Юриздицкий: «Кино — это культурная картинка»

Киноязык: ночь будет синей

Елена Мадден. Сергей, вы уже три десятка лет в кинопроизводстве. Как меняются установки, в чем смысл перемен?

Сергей Юриздицкий. С самого начала развитие в кино пошло по двум направлениям. О любом фильме можно, грубо анализируя, сказать: это по части Люмьеров, это изображение действительности, а это — Мельес, сказка.

Конечно, попытка воспроизвести действительность на экране все равно создает сказку, а попытка создать сказку все равно связана с действительностью, поэтому линии эти пересекаются. Но принципы совершенно разные.

Кроме того, встает вопрос: что нужно публике? И какой публике — массовой или элитарной?

Если нужно открывать зрителю глаза на мир, на какие-то его особенности, возможности, мы идем к созданию нового киноязыка, к открытию приемов, с помощью которых говорим: вот как это выглядит на самом деле! Потому что нормальное сознание находится в плену даже не собственного анализа происходящего — в плену привычки, стереотипа воспринимать пространство, изображение именно так, а не иначе. Можно сравнить эту привычку с компьютерным воспроизведением программы.

Е.Мадден. Смотреть и видеть — это разные вещи.

С.Юриздицкий. Абсолютно. Видеть, к несчастью, — это только результат опыта. Могу ли я дотянуться до этого стула, мне известно только из опыта, а не благодаря способности мозга анализировать происходящее. Ребенок всему этому учится.

Е.Мадден. И для этого нужен киноязык…

С.Юриздицкий. Киноязык нужен, чтобы зритель понимал, что происходит, исходя из опыта своего восприятия. Как в любом языке: все неназванное не существует… Чтобы драматизировать киноязык, придумали очень много приемов, и ни один прием не является естественным, все придумано. И все можно ломать.

Е.Мадден. Когда-то формалисты говорили: открывается прием, потом происходит его автоматизация — нужно остранять его… Я понимаю, вы видите процесс немного иначе: когда приходит желание сопротивляться языку, ревизовать условности, конвенции, это ставит зрителя лицом к лицу с сутью вещей, расширяет опыт восприятия, это очень точно, мне кажется…

С.Юриздицкий. Все, что в кино существует, — это не данность структурного характера, не необходимость. В частности, придумано в цветном кино: ночь будет синей. Как только появляется синий цвет, мы понимаем: наступила ночь. Это совершенно не связано с тем, что мы видим в жизни, потому что на самом деле ночью все бесцветное. Но так принято: если синее не изобразишь, нужно очень сильно дополнительно постараться, чтобы люди поняли, что показана ночь…

Вся моя деятельность в кино была сориентирована на то, чтобы придумать нечто… чтобы попробовать разъяснить, как все выглядит на самом деле, хотя «на самом деле» тоже не существует, это такое бесконечное обращение к новым открытиям… Придумать — не так легко, это очень редко случается.

С синим цветом ночи я поначалу боролся. Я делал ее бесцветной, серой. А без компьютера это было очень трудно сделать, поскольку цветная пленка делала изображение цветным хоть в темноте, хоть на свету. Синий цвет меня не устраивал, поэтому я делал двойные экспозиции с двух пленок, черно-

белой и цветной, чтобы снизить количество цвета. Это все была химия, не простая компьютерная обработка, как сейчас… И было замечено, что мои ночи более естественны — как в жизни.

Это стремление сделать «как в жизни» — не самое главное, что есть в кино, но это меня увлекало… поначалу.

Начало: «как на самом деле»

Е.Мадден. Это интересный поворот: что менялось в ваших установках за те тридцать лет, что вы работаете в кино? Сделать «как на самом деле» — в этом вы, видимо, были едины с режиссерами?

С.Юриздицкий. Принцип «на самом деле», о котором я говорю, связан и с вопросами киноизображения, и с подходом к изображению действительности в режиссерском плане, в философском плане. Было советское кино, которое мы все, молодые, обвиняли в искусственности, в полном несоответствии жизни, в фальши, и все — я сейчас говорю о режиссерах — рвались создавать вещи, которые правдиво и точно отражают жизнь. Мы ходили на закрытые просмотры, смотрели фильмы, которые были положены на полку, — потому что это «как на самом деле» не устраивало начальство. Мы были заодно с публикой: она тоже ждала откровения — «правды жизни». Изображение играло в этом огромную роль, именно на максимальное приближение к реальности работал оператор.

Потом такие устремления перестали быть актуальными, сейчас интересно другое. И это диктует другие требования к изображению. Оператор может стараться естественно изобразить все безыскусно или, наоборот, привнести какие-то эпатирующие, радикальные вещи, что может быть вычурно — и интересно.

«Естественность»: открытие и тренд

Е.Мадден. Меня сейчас занимает феномен квазиплохого кино. На деле это все та же установка: «как в жизни». Вы когда-то рассказывали о «романтическом» кинематографе 70-х, когда приходилось переснимать хорошо отснятые кадры, «хорошо видные кадры», для фильмов Сокурова. И у Германа было то же самое: хорошо — это когда плохо видно, плохо слышно… Это квазиплохое кино осталось фактом российской киноистории 70—80-х? Или вы то же самое потом находили у других режиссеров, в других странах? Сейчас это интересно или нет?

С.Юриздицкий. Сейчас, да, есть поворот к естественности. Многие кинематографисты, в том числе американские, стараются изображать «как есть». Спиральное развитие! Фон Триер ввел многокамерное спонтанное движение в кино, дергающееся. Это восприняли, как глоток свежего воздуха. Сейчас даже и в совершенно «нормальных», традиционных фильмах камера освобождена. В то же время появляются очень «культурно» снятые картины с великолепным изображением. Например, «Белая лента» Ханеке.

Е.Мадден. Да, есть личности, они вне потока, но я сейчас говорю о времени. Есть такое понятие «стиль эпохи». Есть система восприятия. Вот сейчас — какая она?

С.Юриздицкий. Сейчас камера должна «дергаться».

Е.Мадден. Это тренд, мода?

С.Юриздицкий. Да. А как только открытие становится модой — хочется от этого уйти. Может быть, не всем, часть кинематографистов считает: модно — надо делать. Но для меня иначе: если что-то стало общим местом — мне уже не хочется этого.

Я с трудом воспринимал идею Андрея Эшпая снять картину «Элизиум» свободной камерой. Я доволен тем, что сделал, я получил удовольствие. Но я понимал, что вхожу в сферу моды. По большому счету мне это было не очень близко.

Мне гораздо интереснее было другое. У режиссера Вячеслава Амирханяна есть фильм «Посредине мира», короткий метр, там в основе моя идея, я предложил снимать статично. То есть камера не двигалась совсем, а актеры двигались — ходили по кадру, входили в кадр, выходили… Кадр можно было менять, естественно, но камера уже вставала на другую точку зрения, и опять действие текло дальше. При хорошем показе на экране в темном зале это очень сильно действует. Эта абсолютная статичность камеры втягивает зрителя в происходящее на экране, заманивает.

Киноязык «между революциями»: установки, стиль Е.Мадден. Мы говорили о моментах, когда язык искусства остро переживается. Но радикальные перемены в киноязыке случаются не часто, а «между революциями», видимо, устанавливаются какие-то стабильные языковые конвенции. Интересно, они одинаковы в разных странах или отличаются? В одном из интервью вы говорили о том, что требования к оператору у немцев отличаются от тех, что есть у русских режиссеров, об американизированной киноманере — вы тогда рассказывали, как работали с Борисом Фруминым, долго преподававшим в Нью-Йорке. Национальные особенности операторской работы — это не миф?

С.Юриздицкий. Я думаю, все-таки миф. Хотя если говорить о потоке, в разных странах есть свои особенности работы…

У Фрумина это не были «национальные особенности». Современные американские фильмы — а Фрумин долго преподавал в Америке — снимаются свободной камерой, изображение немного колышется, это стало нормой, даже не приемом. Естественно снятое кино или имитируется, или снято ручной камерой. Но Фрумин лично «классически» ориентирован — на то, что изображение должно быть четким по композиции, камера должна всегда синхронно следовать за актером, вовремя остановиться… Таких принципов придерживался и Балабанов в «Замке». Это такой стиль: камера себя никак не выдает, она просто фиксирует происходящее. Если нужно, она двигается, следует за движением персонажа, но сама по себе она не может перемещаться в пространстве.

Возможны разные подходы. Например, многие режиссеры и операторы используют такой прием: идет разговор — камера постоянно объезжает персонажей. Она как бы живет сама по себе. Это один подход. А другой — когда камера четко следует за происходящим.

Я один раз посоветовал ребятам-англичанам поставить камеру на тележку и объезжать говорящих. Они спросили: «А зачем?» Я ответил: «Скучно: стоит камера, а люди разговаривают…» А мне говорят: «А зачем снимать, если скучно?..» И в самом деле, если есть эпизод, где люди разговаривают и это важно, то зачем делать его более привлекательным? Если это скучный разговор, так просто не надо его вставлять в фильм.

Вообще, это повсеместный штамп: люди заговорили — камера поехала. В этом есть смысл: если камера движется, она то одно лицо видит, то другое, если синхронно с речью — можно лучше видеть эмоциональную часть процесса. Это стало частью киноязыка, зрители это воспринимают как необходимость.

А вот для Германа, скажем, это не важно. Он не станет помогать зрителю. Герман так построит мизансцену, чтобы было изображено то, что важно режиссеру. Он будет бесконечно снимать спину второго актера — поскольку ему более интересен сейчас именно этот персонаж…

Е.Мадден. Известны случаи, когда ярко выраженный стиль сводит режиссера и оператора в долгосрочные тандемы. Герман снял несколько фильмов с Владимиром Ильиным. У Бергмана такое получилось со Свеном Нюквистом. А у вас — с Эшпаем в последнее время. И, конечно, с Сокуровым, видимо, еще со времен учебы…

С.Юриздицкий. С Сокуровым мы разошлись очень давно и, на деле, по очень глубоким причинам. Его интерес к смерти, к тяжелым вещам, потеря какой-то радости… Это сильно угнетало. Был еще миллион практических причин, но это было главное, все можно было бы преодолеть, если бы у нас было единство в отношении к действительности, к миру, к жизни. Его первоначальная идея о том, что человек легче переживет смерть матери, если он на это посмотрит в кино, была когда-то мной воспринята, и мы работали. А потом у меня этот вопрос вызвал сомнения, и мы расстались.

Когда я смотрю фильмы, которые он сделал без меня, я вижу, что он как бы потерял развитие. Как у него получается — это другой вопрос; но все это он уже делал.

Я еще не смотрел «Фауста», но остальные части тетралогии мне очень нравятся. Не нравится «Русский ковчег». Там сделана одна очень большая ошибка: герой ходит по Эрмитажу, меняются время, место и действие… Помните, есть такая театральная формула: единство времени, места и действия… Сверхзадача фильма — создать ощущение непрерывности происходящего, непрерывности истории и Истории — полностью не выполнена. Все воспринимается как монтаж. Абсолютно исчезает впечатление, что это снято одним кадром. А это ведь был главный пафос: режиссер может полтора часа одним кадром делать картину. Но трюк не сработал, потому что изменяются все три составляющие.

Я придумал для себя, когда снимал с Андреем Эшпаем «Элизиум», то же самое, но поскромнее: каждый эпизод — отдельный кадр. Меняются пространство и действие, а время остается прежним.

У Сокурова же результат можно было без всяких мучений сделать скрытыми приемами монтажа. Через стеночку… Как будто бы одним кадром, так делают.

Поток. «Культурное изображение»

Е.Мадден. Еще пример того, как открытие превращается в установку, а затем становится штампом?

С. Юриздицкий. В советском кино по технологии того времени необходимы были источники света. Они давали тени, и шла борьба с этими тенями, чтобы они не были двойными. Было очень много приборов: чтобы все было освещено ярко и чтобы в то же время были более темные части изображения и более светлые — для глубины в изображении. А потом заметили, что в жизни все более или менее рассеянно освещено, что тени совсем необязательны, не всегда нужны. И стали светить огромными пространствами, огромными белыми освещенными простынями делать рассеянный свет. Например, где Панфилов с Дмитрием Долининым в фильме «В огне брода нет». Поначалу искусство бестеневого изображения было откровением, это было счастье: все такое живое! (В исторической картине о гражданской войне — «все как на самом деле»…) Но потом бестеневую работу подхватило телевидение — и стало очень скучно.

Я сам одно время развивал идею бестеневого света. Сейчас есть приборы бестеневого света, и все эти приспособления выпускаются кинопромышленностью в массовом порядке: просто заказываешь по каталогу и получаешь.

А мы все делали руками. Но потом стали от потолка, от стен светить на телевидении, и это стало ужасно: уходит энергия, уходит сила изображения.

Е.Мадден. В поточной работе нет места творчеству?

С.Юриздицкий. Все зависит от статуса проекта. Если это какой-то сериал, чем я в основном занимаюсь в последнее время, то, конечно, творческие амбиции значительно снижены. Там возникает уже азарт другого сорта: сжатые сроки, активное действие, когда в день приходится снимать двадцать и больше точек — обычно снимают одиннадцать. Это очень интенсивный процесс. И нужно, чтобы не было снято плохо, чтобы были портреты, эмоции, запечатленное действие, понятное публике. Это совершенно другая профессия, фактически уже не связанная с артхаусом.

Есть сериалы хорошие и есть плохие, плохие не только по содержанию, но еще и потому, что очень плохо сняты. А есть культурное изображение. Например, у Сергея Урсуляка замечательные по картинке сериалы, они с Михаилом Сусловым очень хорошо работают.

О принципах и их нарушении

Е.Мадден. Я так сформулирую вопрос о сегодняшних задачах кино: естественность — насколько это сейчас для вас важно? Например, естественность освещения?

С.Юриздицкий. Идея естественности происхождения света для меня очень существенна… Ведь неестественность того, что происходит, постепенно вызывает недоверие к тому, что это настоящее. Тут не искусность, а искусственность. Обман. Но не «сладостный обман» искусства, а просто халтура.

Е.Мадден. Как вы обеспечиваете естественность света?

С.Юриздицкий. У меня много нижнего света. Когда я снимал с Эшпаем «Униженных и оскорбленных», приехали американские тележурналисты, увидели мою работу, спрашивают: «Почему вы освещаете Настасью Кински нижним светом? Ей же это не идет!» Я ответил: «Во-первых, я не считаю, что не идет, а во-вторых, нет никакой причины ее освещать прямым светом или верхним. На нее отражается свет от пола, еще от чего-то…»

Есть принцип, который я, кстати, не придумал, я его «купил» еще у Мити Долинина. Он говорил: нельзя освещать лицо — нужно освещать воздух. У меня свет падает почти обязательно на костюм, на стол, на что угодно. Только мимо лица. Чтобы не было этого прямого потока на лицо. Источник — чуть ниже лица: яркий блик на столе, например. В «Летних людях» это очевидно…

Е.Мадден. Можно ли сказать, что такие вещи, как нижний свет, — это что-то вроде вашего «фирменного знака», стиля, что-то вроде собственного киноязыка?

С.Юриздицкий. Вероятно, можно в какой-то степени. Идеи приходят не каждый день. Но… Если меня не устраивает нижний свет — бывает такая структура лица, которая этого просто не позволяет делать, — тогда приходится придумывать: вот в этом интерьере находится зеркало, которое воспринимает свет и подает его обратно, падает косая тень, косой поток, который все-таки приятно освещает лицо героини или героя.

Когда я говорю «никогда», я должен оговориться: «А иногда — да!» — если это красиво, если мне это понравится. Когда я смотрю на характер света, который я воспроизвожу в естественном его состоянии, меня еще интересует, насколько это красиво. Если не красиво, то я ищу какой-то компромисс, завожу дополнительные источники света.

Вообще, в последних фильмах я гораздо чаще использую и прямой свет, — который я отрицал двадцать пять лет, — если мне это нравится. Для меня тут больше нет принципа.

Есть известный оператор Геннадий Карюк, он снимал фильмы Киры Муратовой. Еще десять-пятнадцать лет назад, когда была мода на рассеянный свет, такая кинопошлость — не дай бог подсветить лицо прибором против света, — я увидел у него кадр: идет героиня против солнца и освещена ярким прямым светом со стороны. И это красиво! Тени от нее боковой нет, нет никакой причины, невозможно быть свету с другой стороны. Но — есть! И не мешает!

Нарушать можно всё, любые принципы. Глаз нужен для того, чтобы анализировать происходящее, и голова для того, чтобы не оставаться пленником своих принципов.

Естественность, техника и свобода

Е.Мадден. Вы рассказывали, как работали над ночными кадрами: «…химия, не простая компьютерная обработка, как сейчас…» Видимо, сейчас многие находки невозможно по достоинству оценить: сегодня многое легко сделать…

С. Юриздицкий. Многое меняется со временем. Вот вчера мы трейлер смотрели, там люди сидят у костра и о чем-то разговаривают — костер, лица, красиво. Я подумал: если бы я создал такую картинку двадцать пять лет назад, все бегали бы за мной и спрашивали, как я это сделал. У костра темно, недостаточно света для пленки того времени. Мне, чтобы снять, раньше нужно было бы придумать очень много технологических решений: где я спрячу маленькие световые приборы, да еще и чтобы они в костре не сгорели, чтобы были соответствующего цвета… А сейчас надо только включить камеру. Есть такая парадоксальная вещь: то, что мы считали искусством, на самом деле было технологией. Искусство, казалось, было в том, чтобы не обмануть никого, сделать похоже. Это мы принимали за искусство — а на самом деле это было мастерство. Одни обладали большим мастерством, у других его было меньше, у одних пошли бы двойные тени, и это было бы неправильно, другой сделал бы картинку точно. А сейчас такую сцену — у костра — могут снять самый искусный, самый профессиональный мастеровой и совершенно бессмысленный человек, который нажмет на кнопку и получит изображение просто потому, что чувствительность устройства это позволяет сделать, — и результаты будут одинаковыми… Мы много времени потратили на то, чтобы научиться правильно, искусно воспроизводить действительность, а сегодняшние задачи совершенно другие.

Е.Мадден. Можно ли сказать, что оператор теперь более свободен?

С.Юриздицкий. Он совершенно свободен. Он становится уже режиссером изображения в полном смысле.

Когда приходит свобода, возникает огромная проблема выбора, ответственность. Встает по-другому проблема компромисса. Михалков на «Неоконченной пьесе для механического пианино» с Павлом Лебешевым и группой выезжал пять раз, пытаясь снять для финала утренний туман, а он не упал — и потом вся группа в час дня вышла на дневную съемку, не спав ночь. И ничего не получалось. Сейчас существуют новые машины по производству тумана, нужно их просто заказать, чтобы съемка состоялась.

На «Русском бунте», фильме Александра Прошкина, было так: мы приехали в Петергоф снимать сцену встречи Маши с царицей. Белый снег, ярчайшее солнце торчит над головой, сделать безыскусно — невозможно: контрастно, плохо. Снимать нельзя — и не снимать нельзя: страшной дороговизны съемка, краны, костюмы, санный поезд, который построили для царицы…

Е. Мадден. Какое же было ваше решение?

С.Юриздицкий. По всей аллее мы развесили тряпичные тенты, сделали мягкую тень, и стало все нормально, сняли эпизод.

Нужно все время преобразовывать. В современном кино нужно все время трансформировать действительность и нет необходимости ставить цель ее воспроизводить: пленка это позволяет.

«Войну и мир» снимали на 70-мм пленку, чувствительность которой была 12 ASA (сейчас до 1000 ASA). Съемки «Войны и мира» заканчивались, когда уходило солнце, потому что после этого было темно для пленки. А сейчас можно снимать и в темноте. Но, по моим представлениям, нельзя использовать то, что впрямую подает тебе натура.

Бывают удачные обстоятельства: артисты собрались, машины подошли, пять часов вечера, низкое боковое солнце, можно снимать; а бывает так, что съемка происходит в час дня, когда солнце сидит над головой и надо перекрывать его. То есть идет работа по отсечению плохого, а не по созданию хорошего. Хорошее возникает через отсечение плохого. Идет скульптурная работа: я отсекаю все лишнее. Примерно так.

От искусственной естественности — к искусной условности?

С.Юриздицкий. Приоритеты меняются. Я относился к изображению в «Войне и мире» как к абсолютно несложному — не по производству, а по результату…

Е.Мадден. …ремеслу…

С.Юриздицкий. …ремеслу, да. Вот бал, вот свечи, светло. И свечи тусклее, чем фоны. Но свечи должны быть ярче, чем все остальное, ведь это источники света! А на старых пленках низкой чувствительности нельзя было сделать свечи ярче, чем они есть. В сокуровском «Скорбном бесчувствии» я подводил кислород к свечам, чтобы они ярко, со страшной силой горели, а остальное было в полумраке. Это естественное состояние освещенности в жизни привлекало меня, как предмет какого-то открытия для публики: вот «как на самом деле».

Е.Мадден. Что-то искусственное — чтобы создать ощущение естественности.

С.Юриздицкий. Да, искусственно создать ощущение естественности было частью моей задачи, этим я занимался много лет в начале своей работы. Поскольку считал, что существующий киноязык — примитивный. Многие вещи, которые теперь мне кажутся прекрасными, тогда мне казались примитивными.

Е.Мадден. А теперь?

С.Юриздицкий. Теперь я вообще считаю, что кино не является отражением жизни. Может быть, я перешел на мельесовскую позицию: кино — это культурная картинка, которую ты задаешь как предмет удовольствия или раздумий для публики, и совершенно не важно, естественно это или нет. Кстати, студенты в Петербурге, посмотрев «Элизиум», сказали: «Какой неестественный свет!» Они увидели, что все это очень искусственно. А мне кажется: искусно, мне очень нравится, и премию я за это получил… Другие ребята сказали: «Нет, это свет условный». Я боролся пятнадцать лет с условным светом, а потом стал его воспроизводить, стал в этом находить искусство — в сочетании пятен, а не в том, чтобы сделать так, как на самом деле, как в жизни.

Е.Мадден. То есть вам сейчас ближе демонстративная условность?

С.Юриздицкий. Возникает еще очень важный момент качества воплощения. Можно уйти в естественность: камера неактивна, ничего сама по себе не воспроизводит, не ищет никаких композиционных решений, чтобы все было, как в жизни. И наоборот: камера может быть очень активна, свет, туман, лучи, красота, сочетания цветов. Но оба принципа теряют свой смысл, если все сделано неталантливо. Над всем стоит качество воплощения.

Кроме того, сам вопрос об идее возникает при анализе произведения, а не во время его производства. Работаешь от души, получается — потом разберутся, что это: создание нового киноязыка, «сказка» или «естественность»… Невозможно придумать себе способ, потом его воплотить — и иметь успех, ничего не выйдет. Важно, чтобы это было тебе по душе, когда ты снимаешь.

Мастерство и вдохновение

Е.Мадден. Работа оператора — это для вас больше мастерство или творчество? Есть ли такое понятие, как вдохновение оператора?

С.Юриздицкий. Да, есть такое понятие. Вдохновение возникает в какой-то степени ниоткуда. Предыдущий опыт: чтение, смотрение, образование, жизненные наблюдения — все складывается так, что возникает идея, понимание того, как должно выглядеть изображение в соотношении с темой, со смыслом того, что должно происходить. В моем случае идеи возникают спонтанно. Да, в общем виде есть представление о том, что должно быть, но конкретные идеи возникают на площадке, в зависимости от света, расположения солнца, его присутствия-отсутствия… от тысячи причин. Никогда не знаешь, что, собственно говоря, будешь изображать.

Это специфика моя личная. Можно сказать, операторы делятся на две категории. Есть и такие, кто активно пользуется раскадровкой, заранее все продумывает, представляет себе вещь в целом, все переходы. Кстати, этому учат — чтобы оператор заранее знал решение и потом только воплощал задачу, максимально активно и быстро. Но я к их числу не отношусь.

Я прихожу на площадку и испытываю некоторую оторопь, оттого что не знаю, чем буду заниматься. Практически всегда — за исключением редких случаев, когда требуется сложная техника и кадр заранее придуман.

Такое было у меня на «Варвариных свадьбах» (2007, режиссер Светлана Шиманюк. — Прим. ред.). Нам была дана под натурный кинопавильон гигантская квартира в Петербурге, расселенная коммуналка. Я туда заходил и какое-то время не знал, что делать. За мной ходили мои сотрудники, спрашивали: «Петрович, ну скажи, куда ставить?» Я говорил: «Отстаньте, не знаю».

То же самое было на съемках «Русского бунта». Когда я приходил в павильон «Ленфильма», где был построен интерьер дворца Пугачева — полутемный павильон, искусственная постройка из кинодерева, ужасное дежурное освещение, — я каждый раз испытывал страх: как это все оживет в картине? А надо ведь не размышлять, а давать четкие задания: это поставить сюда, то сюда, приборы включить, выключить…

Е.Мадден. А потом — включается интуиция, случается открытие?

С.Юриздицкий. В начале «Русского бунта» под титрами ворон летит над водой, потом подлетает к окну дворца. Этот кадр был мной придуман: над водой что-то летит, а потом оказывается, что это ворон. И я предложил Прошкину идею: образ ворона, который появлялся в сценарии, может быть расширен, он летает как предвестник какого-то несчастья в пушкинской драме — он будет появляться еще много раз. Это было принято режиссером как часть концепции фильма, как мотив, инфернальный, по существу. Этого не было в сценарии — и я очень горжусь тем, что предложил.

Вдохновение — совершенно особый момент в создании фильма, любого произведения искусства (хотя я, вообще-то, не считаю кино искусством), особый и необъяснимый. И преподавать это невозможно. Можно научить, как осуществить придуманное, это даже легко — научить, при всей сложности технологии.

Но откуда взять идею — невозможно научить. Нереально.

Что дальше?

Е.Мадден. Еще вопрос о технологиях и киноязыке. Сейчас появился новый тренд — снимать кинофильмы фотоаппаратом. Спилберг снял часть «Приключений Тинтина» фотоаппаратом, 7-й сезон «Доктора Хауса» так снят, в России — фильмы «Явление природы» и «Портрет в сумерках» сняты фотоаппаратом. Понятно, зачем это делается: сокращается бюджет, снижается зависимость режиссеров от продюсеров и тех, кто дает деньги. А в плане художественном? Эксперимент оправдывает себя? Что может дать он для развития киноискусства? Что вы думаете о будущем «цифры», как новая техника повлияет на кинопроизводство?

С.Юриздицкий.. Я снимал «Скорбное бесчувствие» гигантским аппаратом, который весил, может быть, около тридцати килограммов, нужны были устройства, которые позволяли бы его поднимать, опускать, это было очень трудно. Сама идея использовать небольшие устройства с хорошим качеством изображения открывает интересные перспективы. Дает возможность активнее действовать в пространстве.

Е.Мадден. А цифровое или аналоговое устройство — все равно?

С.Юриздицкий. Пленка или «цифра»? Да, все равно.

Е.Мадден. Это противоречит культу киноизображения…

С.Юриздицкий. Это противоречит широко распространенному мнению: пленка — это пленка. Но цифровые технологии развиваются, открывается все больше возможностей по широте цветовоспроизведения.

Десять лет назад работа с «цифрой» была катастрофой. Невозможно было получить изображение за окном. Белое отрезалось, светлые блики на лице очень некрасиво работали. А теперь становится лучше и лучше, и в скором времени разница не будет иметь никакого значения.

Многие современные цифровые фотоаппараты белое резко обрезают. Картинка, записанная в основном в белой части, в светлой части, на пленке имеет больший диапазон. Но оператор, владеющий цифровой технологией, может это действие нивелировать. Выходят все новые и новые устройства, которые все больше расширяют эту возможность.

На позитивной пленке все равно этот спектр ограничен, результат ограничен по воспроизведению черного и белого. Мы все равно не можем все богатство кинонегатива отразить на позитиве, все будет менее черное и менее белое. Если подсвечиваем рассеянным светом, черное уже как-то нивелируется. Правда, мы можем уже в процессе цветокоррекции использовать разные участки.

Для меня «цифра» или пленка — это вообще не вопрос. Дело еще в том, что фильмы переводятся в «цифру» и идут в конечном итоге в «цифре». Мы используем по-прежнему позитив, но можем с ним работать в цифровом виде. Я с этим постоянно работаю, думаю, как это делать.

Ясно, что пленочная технология имеет перспективу. Я думаю, что коровьи копыта останутся при коровах…

Е.Мадден. А что вы как оператор хотели бы делать дальше?

С.Юриздицкий. Опыт работы в «Элизиуме» для меня важен еще и в связи с трехмерным кинематографом: мои искания в этой области были воплощены в фильме без использования технологии 3D. Если бы там было две камеры, это был бы настоящий 3D-фильм.

Если говорить о том, как я себе представляю развитие своего сознания и свои перспективы в кинематографе… Я бы хотел заняться 3D, но именно в правильной концепции. Чаще всего трехмерные фильмы сделаны по технологии 3D, но она не несет смысла в плане развития киноязыка.

Те 3D-фильмы, которые я вижу на экране, сделаны по старым принципам монтажа. Впечатление присутствия полностью исчезает. Мешает еще вот что: в основном 3D показывают на небольших экранах — сравнительно небольших, где мы видим весь экран сразу. Иначе обстоит дело в берлинском Даймлер-центре, где экран гигантский: невозможно его глазами охватить — вы оказываетесь посреди действия.

А можно поселить зрителя среди героев, как мы это сделали в «Элизиуме». Там, по существу, камера является одним из героев, духом, тенью какой-то, которая на героев смотрит. Это настоящее 3D. Мы подошли к герою — он стал большой… В настоящем 3D, если вы видите крупный план актера, он должен быть близко от вас. В «Элизиуме» изменение пространства, крупности происходило естественно, мы не перескакивали с одного крупного плана на другой — и это вызывает ощущение объемности.

В 3D отпадают многие принципы кинокомпозиции. Не нужно воссоздавать трехмерность, она уже задана. Это мне было бы очень интересно…

Виктор Цой 303 фото | ThePlace

Фотогалерея Виктор Цой содержит 303 фото высокого качества.
Дата последнего обновления в галерее 12 апр. 2021

Самые популярные фотографии Виктор Цой (на основе голосования посетителей нашего сайта)

Виктор Цой / фотогалерея

Если у вас есть интересные фото Виктор Цой,
Вы можете загрузить их на нашем форуме. Качественные фото будут добавлены в фотогалерею.

1



900×1358

1



1200×1488

1



900×1331

3



770×1146

2



1835×1200

1



1127×1631

1



2441×3638

1



1152×1770

3



1200×972

1



900×1362

1



1080×1920

2



900×1200

1



1079×1579

1



1200×811

1



878×1226

2



1024×1207

1



928×1392

1



1269×1733

3



1500×2331

1



1185×1776

2



1200×853

4



1404×1680

1



1238×1600

3



1140×1614

2



1324×993

1



1676×2116

1



1552×2412

2



1290×1924

1



1428×2000

2



1600×1037

— проголосуй за фото
Виктор Цой
(фото-рейтинг)

комиксы, гиф анимация, видео, лучший интеллектуальный юмор.

«Белые мужчины обозвали меня гомиком» — фанаты «Истории Харли Квинн» пошли войной на фильм про Соника

В конце прошлой недели в мировом прокате дебютировала лента «Хищные птицы: Потрясающая история Харли Квинн«, которая продемонстрировала слабые сборы и в отдельных регионах даже успела сменить название. Но на этом новости вокруг картины не заканчиваются, а все потому, что фанаты «Истории Харли Квинн«, по абсолютно необъяснимому стечению обстоятельств, решили запустить Twitter-кампанию, в рамках которой стараются убедить зрителей отказаться от просмотра еще не вышедшего на экраны фильма «Соник в Кино«. Вместо этого они призывают любителей кино обратить внимание на свое любимое комикс-приключение.

Все началось с того, что часть пользователей Twitter стала подмечать сомнительные сообщения, где самого разного рода люди делились впечатлениями от просмотра «Соника в Кино», при этом негативно отзываясь о фильме и систематически упоминая тот факт, что якобы в картине звучат «гомофобные» и «расистские» высказывания. В качестве же альтернативы «оскорбительному» Сонику разгневанные зрители предлагают людям обратить свое внимание на «Хищных Птиц».

«Пошли посмотреть на «Соника в Кино» вместе с младшим братом, а в фильме, как оказалось, есть несколько расистских и гомофобных сцен. Пришлось уйти с сеанса и посмотреть «Хищных Птиц» — фильм отличный!» А вот «Соника» никому не советую».

«С мужем и детьми купили билеты на «Соника» и были в шоке от гомофобных фразочек из этого фильма! К счастью, в соседнем зале крутили «Хищных Птиц», поэтому нам все-таки удалось хорошо провести время с семьей».

«Я стал настоящей жертвой преступления на почве ненависти, когда при просмотре «Соника в Кино» белые мужчины обозвали меня гомиком, буквально плюнув в лицо. Просмотр «Хищных Птиц» меня успокоил, и я схожу на этот фильм еще раз, однозначно», — пишут раздосадованные фанаты «Истории Харли Квинн».

Постепенно такие сообщения становились все абсурднее и абсурднее по содержанию, а иной раз и вовсе копировали друг друга, из-за чего произошедшее стало напомнить атаку ботов или же просто бессмысленное спам-безумие. Что примечательно, на момент написания этой новостной заметки «Соник в Кино» еще не успел добраться до массового зрителя, широкомасштабный выход ленты должен состояться лишь 14 февраля, из-за чего ситуация выглядит еще более нелепой. 

Что именно перед нами: отчаянная попытка фанатов «Истории Харли Квинн» привлечь внимание к провальному фильму или же вирусная рекламная кампания — решать только вам.

Источник

фильмография, фото, биография. Актер, Исполнитель.

Краткая биография

Детство актёра было самым обыкновенным. Семья ютилась в двух небольших комнатах в коммуналке на Васильевской улице. В 1941 году, когда началась война, Евгению пришлось покинуть седьмой класс школы. Все Леоновы тогда – отец, мать и два сына – стали работать на авиазаводе, чтобы хоть как-то помочь Родине одолеть врага. Павел Васильевич так и проработал всю войну инженером, его жена Алла Ильинична устроилась табельщицей, старший сын Николай – копировальщиком, а маленького Женю взяли учеником токаря.

Далее был авиационный техникум им. Серго Орджоникидзе. Но здесь Леонов проучился всего три года. На третьем курсе он неожиданно для всех поступил в Московскую театральную студию на драматическое отделение. Руководил студией в то время прославленный балетмейстер Большого театра Ростислав Захаров. В 1947 году Евгений окончил заведение и уже со следующего года стал актёром Московского драматического театра им. К. С. Станиславского. Здесь проработал практически 20 лет. В 1968 г. Леонов перешёл Московский академический театр им. Вл. Маяковского. В 1972 г. судьба его забросила в Ленком. Здесь он проработал до своей смерти, которая настигла его 29 января 1994 года после отрыва тромба. Народный артист СССР (1978), Лауреат Государственной премии СССР (1976) и Государственной премии РФ (1992) Евгений Леонов похоронен Москве на Новодевичьем кладбище.

Помимо театра, актёр состоялся и в кино. На его счету съёмки в таких картинах, как «Улица полна неожиданностей», «Гори, гори, моя звезда», «Джентльмены удачи», «Большая перемена», «Афоня», «Обыкновенное чудо», «О бедном гусаре замолвите слово». Популярность же пришла к нему после выхода на широкие экраны киноленты «Полосатый рейс». На фильмах, в которых играл этот замечательный актёр, выросло несколько поколений. Это человек, наделённый ярким комедийным талантом и большим обаянием. Леонов не был красавцем, и даже его маленький рост, мешковатая фигура и нескрываемая проплешина не помешали завоевать ему сердца миллионов зрителей.

«КУЗБАССКИНО» — Государственное автономное учреждение культуры Кемеровской области

Опубликовано: 30.04.2021

Дорогие кемеровчане и гости города! 9 мая ГАУК «Кузбасскино» приглашает на праздничную программу по адресу: пр-т Советский, 4     14: 00 — 15: 00  –  Интерактивная  фотозона с ретро-автомобилем военных лет, –  Акция #Поемвсемдвором – Акция «Гергиевская ленточка» *самые активные участники получат спецприз!   15 : 00 — показ х/ф «Александр Маленький»- вход свободный …

Опубликовано: 30.04.2021

В праздничные и выходные дни с 1 по 10 мая в кинозалах «Кузбасскино» пройдут благотворительные кинопоказы для детей, оставшихся без попечения родителей и детей с ОВЗ. Кинопоказы пройдут в рамках благотворительной акции «Подари кино детям». Её инициаторы Совет попечительства в социальной сфере Кузбасса и ГАУК «Кузбасскино». Каждый, кто хочет подарить детям частичку тепла и радости …

Опубликовано: 28.04.2021

Уважаемые зрители! 9 мая 2021 года наша страна празднует 76-летие со Дня Великой Победы. Приглашаем вас в 15:00  9.05.2021 на  бесплатный показ отечественного фильма «Александр Маленький», по адресу пр-т  Советский, 4,  ГАУК «Кузбасскино»

Опубликовано: 26.04.2021

Областной конкурс сценариев вышел на финишную прямую – закончился этап сбора заявок на участие, эксперты конкурса приступили к определению победителя. Несмотря на статус областного, конкурс привлек внимание авторов со всей страны – было подано почти 30 заявок из разных регионов России. Экспертный состав комиссии включает в себя специалистов Союза кинематографистов РФ, активных участников киносообщества региона. …

Опубликовано: 24.04.2021

В этом году шествие «Бессмертного полка будет проходить в онлайн-формате. Для этого необходимо пройти регистрацию на сайте https://2021.polkrf.ru/ Алгоритм регистрации на сайте «Бессмертный полк онлайн» 1. Зайдите на сайт, перейдя по ссылке: https://2021.polkrf.ru/ 2. Нажмите на кнопку «Принять участие» 3. Выберете регион участия 4. Зарегистрируйтесь в проекте через e-mail, либо номер телефона – получите код доступа к …

фильм | Определение, характеристики, история и факты

Пленка , также называемая кино или кино , серия неподвижных фотографий на пленке, быстро проецируемых на экран с помощью света. Из-за оптического явления, известного как постоянство зрения, это создает иллюзию реального, плавного и непрерывного движения.

Доктор Живаго

Дэвид Лин (сидит на лестнице) на съемках фильма Доктор Живаго (1965).

© 1965 Metro-Goldwyn-Mayer Inc.

Британская викторина

Вы не можете справиться с правдой: цитаты из известных фильмов

Считаете себя любителем кино? Посмотрите, сколько из этих цитат вы можете сопоставить с их фильмами.

Кино — чрезвычайно эффективное средство передачи драмы и особенно эмоций.Искусство кино чрезвычайно сложное, требует участия почти всех других искусств, а также бесчисленных технических навыков (например, в звукозаписи, фотографии и оптике). Возникнув в конце XIX века, этот новый вид искусства стал одним из самых популярных и влиятельных средств массовой информации в XX веке и за его пределами.

Как коммерческое предприятие, предлагающее художественные повествования широкой аудитории в кинотеатрах, фильм был быстро признан, возможно, первым по-настоящему массовым видом развлечения.Не теряя своей широкой привлекательности, среда также развивалась как средство художественного выражения в таких областях, как актерское мастерство, режиссура, сценарии, кинематография, дизайн костюмов и декораций, а также музыка.

Основные характеристики пленки

За свою недолгую историю киноискусство часто претерпевало изменения, которые казались фундаментальными, например, в результате появления звука. Сегодня он существует в стилях, которые значительно различаются от страны к стране, и в таких разнообразных формах, как документальный фильм, созданный одним человеком с портативной камерой, и многомиллионная эпопея с участием сотен исполнителей и техников.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

В связи с впечатлениями от фильма сразу приходит на ум ряд факторов. Во-первых, в иллюзии движения есть что-то слегка гипнотическое, что удерживает внимание и может даже снизить критическое сопротивление. Точность изображения на пленке впечатляет, потому что оно создано нечеловеческим, научным процессом. Вдобавок кинофильм дает то, что было названо сильным чувством присутствия; образ фильма всегда появляется в настоящем времени.Есть также конкретная природа фильма; кажется, что он показывает реальных людей и вещи.

Не менее важны, чем все вышеперечисленное, условия, в которых фильм идеально виден, где все помогает доминировать над зрителем. Они взяты из своей повседневной среды, частично изолированы от других и удобно размещены в темной аудитории. Темнота концентрирует их внимание и не позволяет сравнивать изображение на экране с окружающими предметами или людьми.Некоторое время зрители живут в мире, перед которым разворачивается кинофильм.

И все же побег в мир фильма не завершен. Лишь изредка аудитория реагирует так, как будто события на экране реальны — например, уклоняясь от набегающего локомотива в особом трехмерном эффекте. Более того, такие эффекты считаются относительно низкой формой киноискусства. Гораздо чаще зрители ожидают, что фильм будет соответствовать определенным неписаным условностям, чем реальному миру.Хотя зрители могут иногда ожидать точного реализма в деталях одежды или местности, так же часто они ожидают, что фильм ускользнет от реального мира и заставит их проявить свое воображение, что требует великих произведений искусства во всех формах.

Чувство реальности. Большинство фильмов стремятся к результатам из набора кодов или правил, которые неявно принимаются зрителями и подтверждаются обычным просмотром фильмов. Использование коричневатого освещения, фильтров и реквизита, например, стало обозначать прошлое в фильмах об американской жизни в начале 20-го века (как в Крестный отец [1972] и Дней Небес [1978]). .Коричневый оттенок, который ассоциируется с такими фильмами, представляет собой визуальный код, призванный вызвать у зрителя восприятие более ранней эпохи, когда фотографии были напечатаны в оттенках сепии или коричневых тонах. Коды повествования еще более заметны в их манипуляциях с реальной реальностью для достижения эффекта реальности. Зрители готовы пропустить огромные промежутки времени, чтобы добраться до драматических моментов истории. La battaglia di Algeri (1966; Битва за Алжир ), например, начинается в камере пыток, где захваченный алжирский повстанец только что выдал местонахождение своих когорт.В считанные секунды это место подвергается нападению, и стремление к поиску и уничтожению заставляет зрителей поверить в фантастическую скорость и точность операции. Более того, аудитория охотно принимает кадры с невозможных точек зрения, если другие аспекты фильма сигнализируют о том, что кадр настоящий. Например, повстанцы в фильме Битва за Алжир показаны внутри замурованного укрытия, но этот нереалистичный вид кажется подлинным, потому что зернистая фотография фильма играет на бессознательной ассоциации зрителя между плохими черно-белыми изображениями и кинохроникой.

Крестный отец

Сальваторе Корситто (слева) и Марлон Брандо в фильме « Крестный отец » (1972), режиссер Фрэнсис Форд Коппола.

© 1972 Paramount Pictures Corporation

Точность воспроизведения деталей гораздо менее важна, чем призыв, сделанный историей к эмоциональному отклику, призыв, основанный на врожденных характеристиках кинофильма. Эти существенные характеристики могут быть разделены на те, которые относятся в первую очередь к киноизображению, те, которые относятся к кинофильмам как уникальному носителю для произведений искусства, и те, которые вытекают из опыта просмотра движущихся изображений.

Представьте ученого

ЧАСТО ЗАДАВАЕМЫЕ ВОПРОСЫ О ПРОВЕДЕНИИ СКРИНИНГА:

МОЖЕТ ЛИ КТО-ЛИБО ПРОВОДИТЬ СКРИНИНГ?

Да! Мы помогаем сотням школ, лабораторий, ассоциаций, клубов, некоммерческих организаций, корпораций и многим другим поделиться фильмом (как физически, так и виртуально).

СКОЛЬКО СТОИТ ПРОВЕДЕНИЕ ЭКРАНА?

Взимается плата за проверку. Благодаря щедрому гранту Фонда Heising-Simon мы можем предлагать университетам и школам субсидированные сборы за обследование.

Для всех остальных проверок мы определяем каждую плату индивидуально в зависимости от размера и объема запланированной проверки.

В КАКИХ ЗОНАХ МОГУТ ПРОВОДИТЬСЯ СКРИНИНГ?

Куда угодно! Мы можем помочь спланировать просмотр в любом месте, и он может быть как личным, так и виртуальным.

КАК РАБОТАЮТ ВИРТУАЛЬНЫЙ СКРИНИНГ?

В большинство показов входит наша возможность создать индивидуальную, фирменную, частную комнату для просмотра для вашей аудитории с помощью Vimeo Virtual Showcase, используя предпочтительный логотип (с черным фоном, если возможно), который вы предоставляете.

Затем мы активируем комнату для просмотра в выбранную вами дату на установленный период времени (максимум 72 часа) и отправим каждому участнику уникальную ссылку и пароль, которые предоставят им доступ к виртуальной витрине. Vimeo не предлагает возможности коллективного просмотра фильма одновременно, но каждый участник сможет войти в систему в свое время (в пределах отведенного времени, неограниченное количество раз) для просмотра фильма.

Мы потребуем, чтобы вы собирали ответы на свои вопросы внутри компании, а затем отправляли нам предпочитаемый вами список контактов до проверки.

ПОМОГАЕТЕ МНЕ ПЛАНИРОВАТЬ МОЙ СКРИНИНГ?

Мы здесь, чтобы помочь чем можем! Мы позаботимся о том, чтобы у вас был фильм (а если он виртуальный, то в вашем кинозале все готово), и мы также предоставим вам наш пресс-кит, чтобы помочь с продвижением, и замечательное руководство для обсуждения, которое поможет с любой панелью после показа или Вопросы и ответы, которые вы планируете.

ПРЕДЛАГАЕТЕ ЛИ ВЫ РЕСУРСЫ ДЛЯ ПОМОЩИ В ОБСУЖДЕНИИ ФИЛЬМА?

Да! Съемочная группа создала замечательное руководство для обсуждения, которое мы предоставим после подтверждения вашего просмотра.

МОГУ ЛИ Я ПРИГЛАСИТЬ ЧЛЕНА КИНОКОМПАНИИ И / ИЛИ ОДНОГО ИЗ УЧЕНЫХ ДЛЯ УЧАСТИЯ В ВОПРОСАХ?

Да! Мы будем рады пригласить съемочную группу и / или ученых, представленных в фильме, для участия в ваших вопросах и ответах. Вы можете отправить этот запрос по электронной почте [email protected]. Каждое приглашение обычно включает гонорар для каждого участника, поэтому, пожалуйста, включите информацию о вашем бюджете в свой запрос.

КАК ДЛИННЫЙ ФИЛЬМ?

Продолжительность фильма 93 минуты, плюс титры.

ДОСТУПНЫ ТИТРЫ И СУБТИТРЫ?

Да, у нас есть версия с субтитрами! По запросу у нас также есть субтитры на бразильском португальском и латиноамериканском испанском.

КАКИЕ ДРУГИЕ ПРЕДЛОЖЕНИЯ ЕСТЬ ДЛЯ ОБРАЗОВАТЕЛЬНЫХ УЧРЕЖДЕНИЙ?

Мы предоставляем всем образовательным учреждениям, включая университеты, колледжи, общественные колледжи и средние школы, различные лицензии на потоковую передачу, доступные через Film Platform.Для получения дополнительной информации свяжитесь с нами по адресу [email protected].

Вы можете найти все возможные варианты здесь и связаться с [email protected] с любыми дополнительными вопросами.

ЕСЛИ Я ХОЧУ ПРОВОДИТЬ ВИРТУАЛЬНЫЙ ОТБОР В МОЕМ УЧРЕЖДЕНИИ, НУЖНЫ ЛИ МНЕ ПРАВА ОБЩЕСТВЕННОГО ВЫПОЛНЕНИЯ?

Да, для любого личного или виртуального просмотра в учреждении вам действительно необходимы права на публичное исполнение, и поэтому вам потребуется приобрести либо одноразовую лицензию на просмотр (150 долларов США), либо DVD для институционального и публичного просмотра (350 долларов США), который включает бессрочные права на просмотр для одного кампуса.

КАКИЕ ВАРИАНТЫ ЛИЦЕНЗИРОВАНИЯ ВЫ ПРЕДЛАГАЕТЕ ЛАБОРАТОРИЯМ, УЧРЕЖДЕНИЯМ И КОРПОРАЦИЯМ?

В настоящее время у нас доступно множество вариантов проверки / использования, которые варьируются от одной небольшой проверки до лицензии на сайт в масштабе компании / организации, которая дает эксклюзивный виртуальный доступ ко всем сетям по всему миру (для проверки и / или обучения). Стоимость зависит от структуры лицензии, поэтому, пожалуйста, отправьте запрос на проверку здесь или свяжитесь с [email protected], чтобы узнать больше.

Лучшие фильмы, потерявшие лучшую картину на «Оскаре»

Фотография: Vulture и Shutterstock

Эта история была первоначально опубликована в 2019 году и была обновлена, чтобы отразить события 93-й ежегодной премии Оскар.

Что бы вы ни думали о церемонии вручения премии Оскар, если вам небезразличны фильмы, вы не можете просто их отклонить. По крайней мере, победители Академии — это история кино.Несовершенная история, конечно, но тем не менее история. Просматривая список победителей конкурса «Лучший фильм», вы увидите, как тенденции нарастают и ослабевают, и, по крайней мере, получите общее представление о том, что ценится в фильмах за каждый год, и о развитии тенденций. « Вокруг света за 80 дней», например, победа в номинации «Лучшая картина » выглядит как маятник, отскакивающий от песчинки On the Waterfront и Marty , победителей прошлых лет.

Но что, если каждый год приносит по два победителя? Безумие, правда? Но у него было бы то преимущество, что давало бы более полное представление о том, что происходило в мире кино в то время.

Этот список пытается сделать именно это: выбрать второй фильм из списка номинантов на лучший фильм, который и станет достойным победителем, и даст более полное представление об истории кино. Это не попытка выбрать победителя всего года. (Хотя книга Дэнни Пири 1993 года « Alternate Oscars » доказывает, что из этого можно многому научиться.) Это не попытка предположить, что эти фильмы лучше, чем фильмы, которые выиграли, даже если они иногда и есть. (Кхм, Авария .Кхм, Braveheart .) Это попытка определить лучшего проигравшего за лучший фильм каждого года, возможно, предложить фильм, который мог бы достойно сесть рядом с победителем в качестве прекрасного второго выбора. Считайте это альтернативным путем в истории Оскара. Итак, начнем с самого начала, когда победителей объявляли заранее, а церемония награждения состояла из тщательно продуманного ужина.

1-я церемония вручения премии Оскар упрощает выбор сопровождающего победителя за лучший фильм: Академия официально выбрала одного для себя.Всего на один год на премию «Оскар» были выбраны как «Выдающаяся картина», так и «Лучшая уникальная художественная картина». Идея заключалась в том, чтобы отделить больше коммерческих фильмов от более художественных фильмов (оттенки спорного приза за выдающиеся достижения в популярном кино объявлены, а затем упразднены в 2018 году). Задним числом победитель конкурса «Выдающаяся картина» Wings был назван победителем в номинации «Лучшая картина того года», отметив « Восход солнца: Песнь двух людей » в примечании, хотя бы с точки зрения истории наград.И все же Sunrise — ошеломляющее достижение, которое с такой же легкостью могло бы получить эту честь. История неназванного мужчины (Джордж О’Брайен) и женщины (Джанет Гейнор, которая получила здесь награду за лучшую женскую роль за свою работу) в состоянии супружеских разногласий, в ней Ф. В. Мурнау приносит с собой методы немецкого экспрессионизма, которые он впервые применил в таких фильмах, как Nosferatu. и Последний смех в Голливуд. Совершенно очевидно, что использование терминологии Академии, уникальное и художественное, хотя относит ли это его к другой категории, чем более популярный фильм, такой как высокопоставленный фильм Уильяма Веллмана Wings , остается на удивление живым вопросом на столь глубоком этапе существования премии «Оскар».

Где Восход солнца будет олицетворять тот фильм, который обычно выигрывает лучший фильм — серьезное артистическое заявление от крупного режиссера — В старой Аризоне символизирует тот фильм, который редко будет получать главный приз в будущем, простенький, понравившийся публике жанровый фильм (хотя и заканчивающийся неожиданно мрачным финалом). Он по-прежнему неплохо работает в этих условиях, хотя наслаждаться им сейчас означает смотреть мимо сильно накрашенных белых актеров, играющих латиноамериканских персонажей.Тем не менее, эта адаптация рассказа О. Генри направляет все его симпатии к герою-преступнику Циско Кид (Уорнер Бакстер в роли, победившей за лучшую мужскую роль) и прочь от напыщенного белого солдата, которому поручено выслеживать его. Популярность фильма поможет сделать Cisco Kid фильмом, радио, телесериалом, комиксами и телешоу на долгие годы, его еще несколько раз играл Бакстер, затем Сезар Ромеро и совсем недавно Джимми Смитс.

Тюремная драма Большой дом демонстрирует аналогичную ловкость рук, выставляя нового заключенного, которого обвиняют в непредумышленном убийстве после инцидента с вождением в нетрезвом виде (молодой Роберт Монтгомери), в качестве героя, но вместо этого сосредотачиваясь на паре закоренелые преступники (Честер Моррис и Уоллес Бири), которые оказываются не такими безнадежными, как кажется на первый взгляд.Очень влиятельный фильм, задавший образец для будущих фильмов о тюрьмах, это захватывающий фильм, наполненный изображениями того, как тюрьмы дегуманизируют людей в своих барах, который переходит в жестокую кульминацию, которая все еще выглядит довольно шокирующей.

Единственная проблема с The Front Page заключается в том, что экранизация Льюиса Майлстоуна пьесы Бена Хехта и Чарльза Макартура о быстро говорящих журналистах о криминальных репортажах всегда будет омрачена даже лучшей версией Ховарда Хокса His Girl Friday , которая представляет собой попытку тот же материал, но с изменением пола, что делает его двойной обязанностью романтической комедии.Но фильм Майлстоуна — тоже немалое достижение. В главных ролях Адольф Менджу и Пэт О’Брайен, фильм динамичный и забавный, и режиссер делает все возможное, чтобы преодолеть ограничения ранней звуковой эпохи и привнести визуальное чутье в основанный на диалогах материал.

Говоря о визуальном чутье, Йозеф фон Штернберг не отказался от потрясающего визуального стиля, который он разработал в эпоху немого звука, когда в картину вошел звук. Он также подобрал идеального сотрудника в лице Марлен Дитрих, актрисы, которая понимала, насколько мощно она может удерживать экран с уставшим от мира взглядом и захватывающим дух костюмом. «Шанхайский экспресс» «» — четвертый из семи фильмов, которые Дитрих снял со Штернбергом в период с 1930 по 1935 год. Действие происходит в Китае, в разгар политических потрясений, в нем Дитрих играет «каботажную компанию» — женщину с сомнительной репутацией, которая движется среди мужчин. правящего класса — который неожиданно воссоединяется с мужчиной, которого она действительно любит, в поезде, предназначенном для революционеров. Партнерство Штернберга и Дитриха процветало в эпоху, предшествовавшую Кодексу, и фильм сочетает незабываемые образы со сложным изображением сексуальных нравов, которые не исчезнут через несколько лет.

Также не будет 42nd Street , закулисная музыкальная драма о сложном деле устроить шоу во время Великой депрессии, которое не скрывает острых углов и не превращает героев в святых. (Джинджер Роджерс, например, играет героиню по прозвищу «Энни в любое время».) В начале эры звука в кино все еще пытались понять, какими могут быть мюзиклы. Но им не нужны были талантливые создатели с большими идеями, в том числе Басби Беркли, снявший музыкальные сцены для фильма.Беркли понимал, что мюзикл — это нечто большее, чем просто наведение камеры на исполнителей и ее вращение, что сама камера должна быть частью хореографии, и это чувство уже очень важно в этой ранней попытке того, что должно было измениться. нам предстоит долгая карьера.

Роуд-фильм / романтическая комедия Фрэнка Капры « Это случилось однажды ночью» стал первым фильмом, получившим премию «Оскар» во всех основных категориях, и стал доминировать в наградах так тщательно, что, похоже, ни у кого другого не было шанса.Это также был слишком редкий случай, когда комедия получила главный приз, хотя очаровательная романтическая мистика Тонкий человек — с Мирной Лой и Уильямом Пауэллом в главных ролях в роли раскрывающей преступление пары, любящей тайны, алкоголь, свою собаку и друг друга. — тоже не был бы плохим выбором. Фильм положил начало восхитительной серии, но эта первая запись — самая резкая и лучшая: сексуальная химия Лоя и Пауэлла и болтовня заглушают практически любой другой аспект фильма — не то чтобы это повод для жалоб.

Сюжет « Top Hat » — самый надуманный из фарсов, в котором череда недоразумений не позволяет персонажам Фреда Астера и Джинджер Роджерс собраться вместе до последних моментов фильма. Это также чистое наслаждение, ведь Астер и Роджерс в их самом очаровательном виде, когда они танцуют сквозь череду упущенных связей и моментов ошибочного отождествления с серией песен, написанных Ирвином Берлином. Пара снялась вместе в десяти фильмах, и хотя оба имели огромный успех отдельно друг от друга, видеть их вместе — это своего рода волшебство. Top Hat окружает их красочными персонажами, разбивает их на пышные наборы и позволяет этой магии происходить.

По роману Синклера Льюиса, впоследствии ставшему успешной пьесой, Додсворт изображает Уолтера Хьюстона и Рут Чаттертон в роли пары пенсионеров, которые снова узнают друг друга во время путешествия в Европу, только чтобы узнать, что им это не нравится. компания друг друга больше. Фильм не получился бы с режиссером, который не мог бы сосредоточиться на внутренней жизни своих персонажей.К счастью, у него был Уильям Уайлер, который знал, как добиться этого лучше, чем кто-либо другой, благодаря сочетанию уверенного, недооцененного кинопроизводства и уверенности в хороших выступлениях. В активе Уайлера уже были десятки фильмов, когда он снял Додсворта , но именно с этим фильмом он получил первую из многих номинаций на «Оскар».

Оскар довольно рано попал в сложную структуру, одна из которых заключалась в том, что серьезные фильмы относились к серьезным фильмам более серьезно, чем к комедиям. It Happened One Night завоевали множество категорий несколькими годами ранее, и второй триумф Капры за лучший фильм за 1938 год стал заметным исключением, и нелепая комедия Лео МакКери The Awful Truth , в которой Кэри Грант и Ирен Данн выясняют, что может быть, развод — не такая уж и горячая идея — вероятно, у него не было шансов противостоять таким, как A Star Is Born , The Good Earth , Lost Horizon и абсолютному победителю, The Жизнь Эмиля Золя .Однако это отличный пример формы, и Грант и Данн — идеальные партнеры для спарринга, настолько идеальные, что они вместе снялись бы еще в двух фильмах.

Еще одна дурная привычка Академии: вспоминать лишь изредка, что великие фильмы часто снимают в странах, где не говорят по-английски, и обычно относят их к категории «Лучший фильм на иностранном языке». Эта категория не будет представлена ​​до 1947 года, но, по крайней мере, награды за 1938 год признали существование книги Жана Ренуара Grand Illusion , гуманистической истории первой мировой войны, выпущенной, когда на горизонте маячила вторая такая война.

Время от времени бывает год, когда классика становится более стойкой, чем в другие годы. Иногда номинанты на лучший фильм этого не отражают. (Кандидаты на 1999 год, например, исключают Being John Malkovich , Magnolia , The Matrix , Fight Club , The Talent Mister Ripley , Boys Don’t Cry, The Iron Giant … список можно продолжить.) Но иногда они это делают. Gone With the Wind — , если не что иное, гигантский культурный феномен — превзошел Dark Victory , Mr.Смит едет в Вашингтон , Ниночка , Мышей и мужчин , Дилижанс , Грозовой перевал , Прощай, мистер Чипс , и Love Affair , чтобы выиграть лучший фильм. Он также превзошел не менее, если не больше, прочный фильм режиссера Виктора Флеминга: Волшебник из страны Оз , который с тех пор стал первым завораживающим знакомством нескольких поколений с мюзиклами и классическим голливудским кинопроизводством.

1940 год был не совсем 1939, но он все же произвел больше вневременных фильмов, чем большинство лет.И Альфред Хичкок, и Джон Форд поставили двух номинантов на лучший фильм (приз Хичкока « Ребекка » получила приз), а в фильме « Филадельфийская история » Джордж Кьюкор поставил одну из величайших романтических комедий. Но если мы хотим, чтобы этот список дублировался как теневая история других тенденций в фильмах, номинированных на Оскар, давайте отдадим этот слот Великий диктатор , потому что Чарли Чаплин больше нигде не представлен — в этом списке или списке настоящие победители — и потому что в 1940 году никто не снимал подобный фильм.Даже после начала Второй мировой войны Голливуд не торопился снимать фильмы, осуждающие Гитлера; Чаплин выступил в качестве собственного продюсера в фильме, в котором он играет двойные роли фашистского диктатора Аденоида Хинкеля и его двойника, неназванного еврейского цирюльника, который попадает в уродливое дело авторитаризма. Это было рискованное предприятие, смешивающее абсурдный юмор с острой сатирой, служившее искренним призывом к миру, но оно стало хитом как у критиков, так и у публики.

Насколько зеленой была моя долина победил Гражданина Кейна — в течение многих лет был общепризнанным выбором для лучшего фильма из когда-либо созданных — выиграть лучший фильм — один из самых простых примеров того, как Оскар ошибался.При этом упускаются из виду два факта: (1) Как зеленая была моя долина также довольно велика, и (2) конкуренция была жесткой в том году, в которой также были номинации на Here Comes Mr. Jordan , The Little Foxes , The Maltese Falcon , Sergeant York и Suspicion и другие. (Через несколько лет Академия ограничит число номинантов пятью, и так будет оставаться до 2009 года.) Тем не менее, ни один из этих фильмов не является историей взлетов и падений первого режиссера Орсона Уэллса Гражданин Кейн . (сценарий Германа Манкевича) вдохновлен жизнью Уильяма Рэндольфа Херста и наполнен всеми кинематографическими трюками, которые Уэллс знал (и многие из них он придумал).

1942 год был еще одним годом с множеством великих номинантов на лучший фильм (среди них Yankee Doodle Dandy и The Pride of the Yankees ), но все же имеет смысл выбрать фильм Орсона Уэллса в качестве альтернативы. Великолепные Амберсоны были вырваны из рук Уэллса еще до того, как он закончил их, из-за чего он до конца своей карьеры имел серьезные конфликты со студиями и продюсерами. Прикрепленный конец по-прежнему бросается в глаза, но изображение неясных перспектив семьи Среднего Запада и угасающего оптимизма одновременно бесконечно изобретательно и глубоко впечатляет.

Когда Дэвид О. Селзник сделал большой рывок в создании фильма 1946 года « Дуэль на Солнце », « Variety » отверг его как «прославленный вестерн». Жанр не получил всеобщего занижения — Cimarron получил приз за лучший фильм; Stagecoach и другие были номинированы, но пренебрежительный разговор об этом тоже не вызывал удивления. Такова была тяжелая битва, с которой вестерны столкнулись даже на пике своей популярности. Но даже самый снобистский зритель мог видеть, что картина Уильяма Уэллмана The Ox-Bow Incident не была обычным вестерном.В этой истории о ментальности толпы, доведенной до смертельной крайности, Генри Фонда играет ковбоя, который присоединяется к отряду, чтобы выследить некоторых убийц, только чтобы наблюдать, как его погоня за справедливостью выходит из-под контроля. Плодотворный Веллман снял фильм « Wings », ставший первым победителем в номинации «Лучший фильм», и здесь он ухватился за вневременность истории и помогает подготовить почву для морально неоднозначных вестернов, которые будут доминировать в 1950-х годах.

Билли Уайлдер и соавтор сценария Рэймонд Чендлер не создавали нуар по этой адаптации Джеймса М.История Каина о страховом агенте (Фред МакМюррей), роковой женщине (Барбара Стэнвик) и об убийственной схеме, которую они вместе затевают. Но фильм-нуар определенно не был бы таким же без сочетания кислого взгляда Уайлдера на человечность и диалогов Чендлера. Академия была больше настроена на подъем, чествуя Going My Way , в котором Бинг Кросби играет непринужденного священника. Но это фильм Уайлдера, влияние которого проникнет в грунтовые воды.

Кто-нибудь из режиссеров так же преуспел в студийной системе, как Майкл Кёртис? Кертис родился в Венгрии и добился больших успехов в европейской киноиндустрии, а затем стал еще большим успехом, когда стал Warner Bros.Штатный директор №1, в который входили Casablanca , , долгое время сотрудничавший с Эрролом Флинном, и многие другие. Кертис была дотошной и адаптивной и поначалу не слишком обрадовалась работе с Джоан Кроуфорд, которой нужно было вернуться и доказать свою ценность Warner Bros., когда она заняла лидирующую позицию в Mildred Pierce . Она достигла обеих целей и покорила Кертиса с помощью этой адаптации Джеймса М. Кейна в стиле нуар о матери, которая дает и дает дочери, которая берет больше, чем она заслуживает.Это пример того, как каждая часть студийного оборудования работает в идеальной синхронизации — от звезд до залитых тенями композиций — для создания искусства, столь же душераздирающего, сколь и захватывающего.

Вторая мировая война перевернула профессиональную жизнь режиссера Фрэнка Капры и актера Джеймса Стюарта. Капра сосредоточился на создании документальных фильмов о войне, повышающих моральный дух. Стюарт сражался, вернувшись, потрясенный своим летным опытом. Он редко обсуждал свое время на службе в последующие годы, и он изо всех сил пытался возобновить актерское мастерство, сделав паузу, прежде чем принять роль Джорджа Бейли, владельца сбережений и ссуд из небольшого городка, который осознает, насколько его жизнь коснулась этих людей. вокруг него.Фильм не получил больших кассовых сборов и стал главным рождественским продуктом только спустя годы после того, как нарушение авторских прав привело к почти постоянным показам на местных станциях в 70-х и 80-х годах. Тем не менее, в то время у него не было недостатка в аплодисментах, он получил пять номинаций на Оскар, в том числе награду за лучшую мужскую роль Стюарту и номинацию на лучшую режиссуру за Капру. Все они проиграли « Лучшие годы нашей жизни» , еще одно вдумчивое размышление о том, что действительно важно, так же основанное на военных годах.Теперь они создают приятную двойную функцию.

Дэвид Лин не получил бы никаких премий Оскар, пока не стал архитектором таких продуманных произведений, как «Мост через реку Квай» и «Лоуренс Аравийский ». Но он вполне мог бы выиграть за эту адаптацию романа Чарльза Диккенса Большие надежды , который упрощает роман, не теряя при этом умного сюжета Диккенса, богатых персонажей или чутья на гротеск. Его номинация стала еще одним признаком того, что британская киноиндустрия осталась жива и процветала в годы после Второй мировой войны, не говоря уже о том, что происходило в Италии, Японии, Франции, Швеции и других странах.За этим последуют и другие.

Вероятно, мы можем поблагодарить The Red Shoes за вдохновение для целого поколения танцоров, и нетрудно понять, почему. Его история о стремлении к художественному совершенству, независимо от того, какой личной ценой приходится на некоторые трагические места, но на этом пути так много красоты, что кажется, что оно того стоит. Эта двусмысленность лежит в основе истории Майкла Пауэлла и Эмерика Прессбургера, в которой рассказывается о балерине, которая изо всех сил пытается примирить свою потребность в творческих способностях и желании счастья.Пауэлл и Прессбургер также раздвигали границы, стирая границы между кинопроизводством и хореографией — а также реальностью и мечтами — в потрясающих танцевальных сценах и смело использовали Technicolor способами, которых раньше никогда не пытались. Это рассказ об одержимости, созданный с огромным вниманием к деталям и потрясающей способностью фильма волновать и двигаться.

Пример умной идеи, выдвинутой вдумчивым режиссером и прекрасным актерским составом, « Письмо трем женам» дает зрителям три истории о неурегулированных браках по цене одной.Первоначально основанный на романе Письмо пяти женам перед обрезкой (в какой-то момент Энн Бакстер должна была сыграть четвертую жену), он начинается с трех жен (Джин Крейн, Энн Сотерн и Линда Дарнелл), получающих письмо от Незнакомая подруга сообщает им, что уезжает из города с одним из их мужей. По прошествии дня каждая из них размышляет о том, может ли это быть ее муж — и стоит ли винить себя, если это так. Это богатая установка, которую использует Джозеф Манкевич, чтобы изобразить внутреннее недовольство, скрывающееся под поверхностью послевоенного процветания Америки.

В киноиндустрии давно присутствует ненависть к себе, и иногда это отвращение к себе приводит к созданию отличных фильмов. Это очевидно в All About Eve , фильме о беспощадном мире Бродвея, который так же легко мог быть о Голливуде. И это, по сути, смысл существования равных частей трагического и мрачно смешного Билли Уайлдера Sunset Boulevard , в котором борющийся сценарист (Уильям Холден) обнаруживает готическую изнанку Голливуда после того, как наткнулся на напряженные отношения с нестабильной звездой молчания. возраст (Глория Суонсон).Собственная история Суонсон — она ​​была одной из величайших звезд Paramount, но с момента ее расцвета боролась в профессиональном плане — всего лишь один из способов, которым в фильме есть темное зеркало для города, благодаря которому это стало возможным.

Адаптация Теодора Драйзера « Американская трагедия» , Джордж Стивенс решил сосредоточиться на внутренней жизни его персонажей: стремящегося фабричного рабочего (Монтгомери Клифт), коллеги, которого он романтикует и оплодотворяет (Шелли Уинтерс), и умных людей. объект желания (Элизабет Тейлор), который заставляет его сделать жестокий выбор.Основанный на ярких выступлениях и мастерстве Стивенса, он основан на напряжении между чистыми эмоциями и искусностью их презентации — той же комбинацией, которая послужила основой для другого номинанта, который с такой же легкостью мог бы получить приз за лучшую картину года — Трамвай под названием Desire .

Вестерн, в котором герой большую часть фильма опасается за свою жизнь, неспособный сплотить тех, кого он поклялся защищать, чтобы помочь ему, несмотря на праведность своего дела, High Noon не соответствовало обычным стереотипам жанра. И это понравилось не всем поклонникам жанра.Говард Хоукс сказал, что он снял Rio Bravo как ответ на фильм, выключенный кажущейся беспомощностью героя, которого играет Гэри Купер. Но фильм режиссера Фреда Зиннеманна вызвал отклик у зрителей и критиков, многие из которых не упустили из виду, что его центральный конфликт отражает паранойю эпохи Маккарти. Но хотя он получил четыре «Оскара», в том числе приз за лучшую мужскую роль Гэри Купера, вокруг него возникли споры из-за преследования сценариста Карла Формана за пятый до HUAC.(Среди тех, кто критиковал, Джон Уэйн, который отказался от роли Купера и чей фильм The Quiet Man также был номинирован на лучший фильм в том году.) Форман оказался в черном списке, а популярный, хотя и не очень любимый фильм Сесила Б. Де Милля. Величайшее шоу на Земле занял главный приз.

Фильм, который сделал Одри Хепберн кинозвездой, « Римские каникулы » — идеал, к которому стремятся все романтические комедии, и строится на прекрасном, горьковато-сладком финале, который немногие осмеливаются повторить.Хепберн играет Энн, принцессу, которая ускользает от своих кураторов и отправляется исследовать Рим в компании Джо (Грегори Пек), светского репортера, который сначала не узнает ее, а затем сговаривается использовать дружбу — инстинкт, который длится долго. пока он не поймет, что влюбляется в нее. Написанный в соавторстве с Далтоном Трамбо, который давно не указан в титрах, это одновременно любовное письмо в Рим и квинтэссенция того, каково это — неожиданно влюбиться, даже когда мало надежды на то, что эта любовь продлится дольше, чем время интрижки.

Хамфри Богарт прославился, сыграв определенного типа крутого, упрямого персонажа, но он создал некоторые из своих лучших выступлений, изменив свой экранный образ. В уединенном месте , например, находит его, погружающегося во тьму под поверхностью закаленного одиночки. А в The Caine Mutiny он изображает военно-морского капитана, который ломается в замедленной съемке, его авторитетный вид скрывает гнев и паранойю, которые им движут. В экранизации романа Германа Вука Эдвардом Дмитриком есть что порекомендовать, о мятеже и последующем за ним военном трибунале в разгар Второй мировой войны, но незабываемость делает его запоминающаяся работа Богарта.

Продолжая тему морского восстания: Генри Фонда годами играл главную роль в сериале Мистер Робертс на Бродвее — фактически так долго, что к моменту выхода этой экранизации некоторые считали его слишком старым и слишком долгим. фильмов, чтобы сыграть роль. Но фильм предполагает, что никто другой не мог бы сыграть его и наполовину, натравливая Робертса из Фонда Фонды, младшего лейтенанта военно-морского флота, против тиранического капитана, которого играет Джеймс Кэгни, когда они выполняют негласное задание во время Второй мировой войны.В фильме странная, но мощная смесь непочтительности и патриотизма. Робертс хочет сражаться, но его скучные прихоти командира удерживают его от войны, поэтому он отвечает неповиновением. Он тоже имеет потрепанное происхождение. Джон Форд руководил им до тех пор, пока болезнь и конфликт не прогнали его, что привело к Мервину Лерою и некредитованному Джошу Логану. (Логан, соавтор театральной версии, также снял еще одного номинанта на лучший фильм 1955 года, Пикник ). Но юмор поддерживает жизнерадостность от начала до конца, а выступления — в том числе за лучшую мужскую роль второго плана от Джека Леммона. — бесценны.

Джордж Стивенс получил свой второй приз за лучшую режиссуру за фильм « Giant », обширную историю о нефти, Техасе, расизме и подавленной страсти с Элизабет Тейлор, Роком Хадсоном и (в его последней роли) Джеймсом Дином в главных ролях. И все же этого было недостаточно, чтобы преодолеть блеск рекламы, созданный продюсером Майком Тоддом для его звездной адаптации романа Жюля Верна. (Тот факт, что Тодд был женат на Тейлоре, внес в историю дополнительный поворот.) Тем не менее, в середине десятилетия, когда престижные фотографии часто подчеркивали величие, Giant остается образцом того, как рассказывать интимную историю в большом масштабе. сосредотачиваясь на жизни горстки персонажей, не позволяя им стать карликами из-за ландшафта или продолжительного времени работы.

Киноиндустрия рассматривала телевидение как угрозу с момента его появления и потратила большую часть 50-х годов, пытаясь создать новые способы конкуренции с новой средой на рынке, от широкоэкранных фильмов до трехмерных фильмов. Но телевидение и кино обнаружили, что их сосуществование может быть взаимовыгодным: телевидение иногда служит испытательной площадкой для киноматериалов, а новое поколение режиссеров оттачивает свои навыки на маленьком экране, где они учатся работать быстро и максимально эффективно использовать возможности. несколько наборов и ограниченный бюджет. 12 Angry Men извлекли выгоду из обеих этих тенденций, адаптировав ранее созданный телеспектакль и выступив в качестве дебютного полнометражного фильма Сидни Люмета, который много работал на телевидении. Люмет и замечательный актерский состав во главе с Генри Фондой создают высокую драму в качестве присяжных, спорящих по делу, которое все, кроме персонажа Фонда, считают открытым и закрытым, что заставляет его копаться в попытках заставить всех остальных видеть его по-своему.

Имя продюсера и режиссера Стэнли Крамера стало синонимом праведных фильмов о насущных социальных проблемах, и, хотя это не совсем несправедливо, оно не совсем отражает разнообразие фильмов, носящих его имя, из High Noon , The Caine Mutiny и The Wild One (который он продюсировал) до It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World , попытка сделать комедию эпического масштаба. Непокорные — в прямом и переносном смысле — одна из его самых непримиримых попыток связать Сидни Пуатье и Тони Кертиса вместе как сбежавших заключенных и вынудить их уладить свои разногласия, если они хотят выжить. В фильме говорится о предрассудках, превращаясь в динамичный фильм о погоне, позволяя политике служить повествованию, а не наоборот. Крамер не всегда находил правильный баланс, но здесь он работает.

Отто Премингеру не привыкать к нарушению табу, когда он снял Анатомия убийства , ранее сняв фильм «Луна синяя» — скандальный фильм из-за шокирующего на тот момент обсуждения сексуальности — и Человек с золотой рукой , в котором откровенно говорилось о наркомании.Юридический триллер « Анатомия убийства » не стал исключением, шокировав публику драмой в зале суда, наполненной графическими дискуссиями об изнасиловании. То, что в основном говорил Джимми Стюарт, как непринужденный юрист, только шокировало его, и фильм был даже на время запрещен в Чикаго. Разбитые табу с трудом восстанавливаются, а его прямой подход к материалам для взрослых помог подготовить почву для грядущего десятилетия, в котором некогда неизбежный Кодекс кинопроизводства сначала потеряет силу, прежде чем его заменят современные рейтинги. система.

Роберту Митчему редко удавалось проявлять более мягкую сторону, но это полностью проявилось в этом рассказе Фреда Зиннеманна об ирландско-австралийских поселенцах, странствующем с жизнью вдоль австралийской границы. Митчам играет человека, страсть к путешествиям которого бросают вызов потребностям его жены (Дебора Керр) и сына, а прекрасные кадры австралийской дикой природы Зиннеманна позволяют легко понять, почему кому-то трудно оставаться на одном месте. Это фильм с высокими ставками, хотя и немного откровенной драматургией, подчеркнутый комической поддержкой Петра Устинова.Эти качества, возможно, позволили легко выбрать вместо него такой шедевр, как « Квартира », но он остается увлекательной историей из жизни семьи, которая в свою очередь радостная и опасная.

Рассказ о моральном компромиссе и высокой цене успеха, установленной в захудалом мире конкурентного пула, фильм Роберта Россена The Hustler получил девять номинаций на премию Оскар и дал Ньюману одну из своих самых известных ролей, к которой он вернулся спустя годы в The Color of Money, , за которую он, наконец, выиграл приз за лучшую мужскую роль после шести номинаций.Фильм неожиданно стал хитом, его успех был частично вызван восторженными отзывами и чувством, что фильм знает все тонкости мира, который он изображает. (Возможно, Россен когда-то суетился в бассейне). Несмотря на то, что он был снят в Cinemascope, он определяется чувством клаустрофобии. Это персонажи, которым всегда кажется, что стены вот-вот приблизятся к ним. Часто они правы.

Нетрудно понять, почему исполнение Грегори Пека в роли Аттикуса Финча стало синонимом несгибаемой американской добродетели перед лицом яростного противодействия.Пек играет Финча как человека с глубоким пониманием правильного и неправильного, но также как человека, способного к глубокому разочарованию, человека, который борется с тем, как передать несправедливость жизни своим детям. Подобно фильму вокруг него и роману Харпер Ли, по которому он адаптирован, он полон надежд, но с ясным взглядом, понимая, как трудно отстаивать справедливость и терпимость в мире, который часто, кажется, не хочет ни того, ни другого.

Концепция «слишком большой, чтобы обанкротиться», придуманная для банковской системы, может распространяться и на кино. Cleopatra стала печально известным провалом в 1963 году, но это не помешало ей выиграть номинацию на лучший фильм. Стоит посмотреть хотя бы для того, чтобы увидеть, как все эти деньги выглядят на экране, но для лучшего примера того, как Голливуд становится большим — в самом буквальном смысле — посмотрите Как был завоеван Запад , полный звездный фильм режиссера. Джона Форда, Генри Хэтэуэя и Джорджа Маршалла, который показывает прогресс западной экспансии через серию слабо связанных историй.Однако его полный эффект будет потерян даже на самом большом домашнем экране. Это самый амбициозный фильм, снятый в настоящей Cinerama, в процессе которого задействованы три камеры, три проектора и дугообразный экран, обеспечивающий качество погружения, с которым может соперничать только IMAX. Хороший фильм, но зрелище еще лучше.

Стэнли Кубрик намеревался сделать серию Dr. Strangelove как прямой триллер, но чем глубже он вникал в проект, тем большую абсурдность он видел в политике холодной войны и тщательном балансировании, необходимом для предотвращения политики взаимно гарантированного разрушения. падение в ядерный апокалипсис.Результат — обсидианово-черная комедия, в которой Питер Селлерс играет несколько ролей — изображает кризис, вызванный потрескавшимся умом одного человека, но поддерживал движение за счет безумных систем вокруг него. Он полон комических ярких моментов, но именно тошнотворное ощущение того, что судьба мира никогда не была более опасной, заставляет его преследовать — теперь так же, как и когда-либо.

Смотреть самые масштабные фильмы 1965 года означало какое-то время сидеть спокойно. Победитель, мюзикл « Звуки музыки » с участием Джули Эндрюс, показал результат 174 минуты. Доктор Живаго , с которым его связали пять номинаций, проходит 193 минуты. Режиссер Дэвид Лин не хотел успеха «Оскара», взяв оба моста на реке Квай и Лоуренс Аравийский в награду за лучший фильм и получив титул лучшего режиссера в обоих случаях, но здесь Академия в конечном итоге выбрала более легкий вариант с номером . Звук музыки , кассовый успех, который в то время не особо понравился критикам. Годы были добры для The Sound of Music , но не было бы ничего постыдного в том, чтобы дать Лину третью победу за его масштабную историю потрясений в России с Омаром Шарифом и Джули Кристи, начинающей звездой, которая выиграла бы лучшую женскую роль в главных ролях. для другого номинанта на лучший фильм — стильный британский моралистический спектакль « Darling ».

В кинопроизводстве есть большие риски и небольшие риски. Взять шокирующе нечестивую пьесу Эдварда Олби об одной длинной темной ночи из жизни запойной пары средних лет — и передать ее начинающему режиссеру — само по себе является довольно большим риском. Кастинг замужних кинозвезд, которые поначалу казались слишком молодыми и гламурными для ролей, только делали его более рискованным. Но с его адаптацией Кто боится Вирджинии Вульф? , Майк Николс показал зрителям то, чего они никогда раньше не видели, сняв гламур с Элизабет Тейлор и Ричарда Бертона и позволив их резким словам пролить кровь, пока они проводят вечер с молодой парой, которая оказывается втянутой в эмоциональный зыбучий песок вокруг них.Риск окупился номинацией, хотя и не трофеем, и помог раздвинуть границы дозволенного в фильмах таким образом, чтобы никогда не отступить.

Включая все, от говорящих животных до безнравственных преступников, номинанты 1967 года вдвое отражают то, что происходило в Голливуде в то время, настолько, что Марк Харрис использовал это в качестве темы для своей превосходной книги Pictures at a Revolution . Фильм « In the Heat of the Night », фильтрующий историю предрассудков через напряженный триллер, действие которого происходит в Глубоком Юге, получил главный приз.В другом месте и The Graduate , и Bonnie и Clyde запечатлели Голливуд, наполненный свежими идеями, продукт нового поколения кинематографистов и влияние французской новой волны. Из двух, Бонни и Клайд являются более радикальными, а его жестокие антигерои — Уоррен Битти и Фэй Данауэй, играющие пару пресловутых преступников эпохи Депрессии — сделали его более спорным, поэтому давайте сделаем его альтернативным выбором и позволим ему служить дублером сейсмических изменений, происходящих вокруг него.

Иногда поле «Лучшее изображение» определяется тем, что оно не учитывает. 1968 мог бы увидеть кивки на 2001: Космическая одиссея, Лица , Ребенок Розмари , или любое количество других захватывающих фильмов. Вместо этого Академия пошла на риск, присудив шикарный мюзикл Диккенса « Оливер»! , да и с номинантами не особо задумываться. Лев зимой года, в котором Генрих II Питера О’Тула и Элеонора Аквитании Кэтрин Хепберн спорят о том, кто должен стать его преемником на посту короля Англии, в части оказался спорным, потому что год выглядел как такой безопасный выбор, даже вызвав несколько критиков уйти из Нью-Йоркского кружка кинокритиков после того, как он получил эту премию.Это не новаторский подход, но О’Тул и Хепберн (получившая вторую премию за лучшую женскую роль за свою работу) замечательны, а резкие разговоры в фильме придают ему электрический заряд, который делает его совсем не спокойным.

Огромный успех Easy Rider ознаменовал поворотный момент, который поможет определить следующее десятилетие фильмов, период, менее связанный со старыми способами ведения дел. В номинации «Лучший фильм» он не учитывался, как и еще один знак того, что впереди — ультравысокий вестерн Сэма Пекинпа The Wild Bunch .Но другой номинант на лучшую картину предложил более игривую вариацию элегического духа The Wild Bunch , постановку фильма « Бутч Кэссиди» и «Сандэнс Кид » под руководством Джорджа Роя Хилла с Полом Ньюманом и Робертом Редфордом в главных ролях, бродящими по старому Старому Западу оставить их позади. Написанный Уильямом Голдманом, он использовал один из самых почтенных жанров кино, чтобы исследовать идею изменения времен по мере того, как бурное десятилетие подходило к концу.

43-я церемония вручения премии Оскар стала еще одним свидетельством потрясений, происходящих в кинобизнесе.В категории «Лучший фильм» модные и дерзкие новые голливудские фильмы, такие как « M * A * S * H ​​» и « Five Easy Pieces », соперничали с «кукурузным шаром» Airport и Love Story (даже если последний украсил свое сочное повествование. с созданием фильмов в духе Новой волны). Победитель, резкий биографический фильм Patton , не принадлежал ни к одному из лагерей, а к Five Easy Pieces — фильму режиссера Боба Рафельсона, подпитываемому беспокойством и недовольством 60-х годов, в котором Джек Николсон играет человека, который считает, что это не так. никуда не вписываюсь — представляли бы меняющиеся времена.

Питер Богданович дебютировал в качестве режиссера в 1968 году в изобретательном, малобюджетном триллере Targets , но его стремительное восхождение началось несколько лет спустя с адаптации Ларри Макмертри о маленьком техасском городке и безрассудной молодежи, которая считает его своим домом в начало 1950-х гг. Богданович вырос, боготворив (а позже и подружившись) с режиссерами и актерами классического Голливуда, но никогда не подражал им рабски. Вместо этого он снимал фильмы, которые ликвидировали разрыв между новым и старым.Снятый в черно-белом цвете и наполненный изображениями под влиянием классических вестернов, The Last Picture Show отдает дань уважения влияниям Богдановича, но имеет свой собственный беспокойный, энергичный и мрачный тон Нового Голливуда.

Адаптация Боба Фоссе мюзикла Джона Кандера и Фреда Эбба допускает множество вольностей с исходным материалом — вырезание одних персонажей и песен, добавление других, расширение повествования — но в ней отражено то же чувство надвигающейся гибели, что и открытость и личные свободы Веймара. Эпоха Берлина угаснет с ростом фашизма.Задачи Фоссе включали постановку мюзикла в тот момент, когда он потерял популярность, и хотя Cabaret мало общего с голливудскими мюзиклами золотого века, присутствие Лайзы Миннелли в качестве звезды создает ощущение преемственности. Тем не менее, любого, кто ожидал счастливого финала, ждал шок, и изображение неоднозначной сексуальности и культурного хаоса в фильме было так же связано с восходящим движением глэм-рока, которое его охватило, как и с прежними представлениями MGM.

Фильм из неанглоязычных стран, каким бы замечательным он ни был, обычно должен довольствоваться победой в категории «Лучший фильм на иностранном языке», но время от времени один из них прорывается. Маловероятно, что Академия когда-либо удостоила бы награды за фильм « Криков и Шепот» Ингмара Бергмана — , один из самых изнурительных фильмов режиссера -, но это означало бы признание его большого вклада в бурный рост таланта европейского кинопроизводства, пытающегося понять смысл что случилось с миром в годы после Второй мировой войны.(Даже если Sting , по общему признанию, намного веселее.)

Если бы не включение скучного звездного фильма-катастрофы Ирвина Аллена « The Towering Inferno », этот фильм стал бы претендентом на звание самого сильного из когда-либо созданных номинантов на лучший фильм. Ленни Боба Фоссе и Чайнатаун ​​ Романа Полански остаются почитаемой классикой, но год принадлежал Фрэнсису Форду Копполе, хотя бы из-за цифр; Коппола выпустил не одного, а двух номинантов на лучший фильм в 1974 году.Предоставление второго слота другому фильму Копполы может показаться чрезмерным, но The Conversation не только шедевр, который может стоять бок о бок с The Godfather Part II , это совершенно другой фильм, торгующий эпическим размахом его гангстера. классика тревожной близости в портрете эксперта по надзору (Джин Хэкман), который не справляется, когда подходит слишком близко к заданию.

Величественный опус Роберта Олтмана Nashville , пытающийся сделать не что иное, как уловить унылый дух пост-Уотергейтской Америки, следует за двумя дюжинами персонажей в течение нескольких насыщенных событиями дней в Music City, США, месте, где пересекаются развлечения и политика, а также мечтатели и мечтатели. циники общаются.Привычка Альтмана вырезать фильмы из многочасовых импровизированных материалов могла легко ускользнуть от него — как это иногда случалось в других местах — но результаты здесь ошеломляющие, переходя от комедии к трагедии и заканчивая своего рода лихорадочным безумием.

В 1976 году фотография хорошего настроения за год рассказывала историю о лоскутном боксере, который восстает из безвестности, сражается с чемпионом — и проигрывает, обеспечив при этом лишь моральную победу. Таков был дух времени, но путешествие Рокки Бальбоа выглядит совершенно триумфальным по сравнению с путешествием Трэвиса Бикла (Роберт Де Ниро), отчужденного таксиста, для которого Нью-Йорк стал настоящим адом.Режиссер Мартин Скорсезе и сценарист Пол Шредер переносят фильм в такие мрачные места, куда не решаются пойти немногие фильмы. Академия ответила номинированием, но без награды, но ее видение того, как один обеспокоенный человек пытается проникнуть в нижние глубины, оказалось устойчивым.

Неопределенная идея выдающегося достижения в популярном кино может вернуться, а может и не вернуться в будущем. Но даже если это плохая идея, в этом есть какая-то логика или . Фильмы, которые захватывают воображение публики с помощью сенсаций, боевиков и спецэффектов, как правило, не получают награды за лучший фильм, даже когда становятся одним из определяющих моментов своей эпохи.Нет лучшего примера этого, чем фильмы 1977 года, когда Звездные войны помогли определить создание блокбастеров, стали феноменом поп-культуры и захватили воображение целого поколения — только для того, чтобы увидеть высшую награду, полученную горько-сладким произведением Вуди Аллена. История любви, которая снова и снова начинается снова и снова. (Однако Звездные войны не совсем ушли в безвестность из-за потери.)

Мейнстримные фильмы в основном избегали темы войны во Вьетнаме вплоть до нескольких лет после падения Сайгона, но в 1978 году два таких фильма были номинированы на лучший фильм.Модель The Deer Hunter Майкла Чимино предлагала кошмарное видение войны, но модель Coming Home Хэла Эшби столь же бескомпромиссна в своем роде, изображая домашние переживания капитана морской пехоты (Брюс Дерн), его жены (Джейн Фонда). и ветеран с параличом нижних конечностей (Джон Войт) в Калифорнии в конце 60-х. Соло и интуитивное руководство Эшби — часто в ритме хитов 60-х годов, прежде чем они стали саундтреками — помогают передать дух страны, все еще пытающейся понять, через что ей пришлось пройти, что это значило и где это необходимо. идти дальше.

Решительно небольшой фильм, который тем лучше из-за его узкой направленности, этот рассказ о совершеннолетии, снятый Питером Йейтсом, рассказывает о четырех друзьях, которые пытаются сориентироваться в странном пространстве между старшей школой и остальной частью своей жизни. В центре внимания Дэйв (Деннис Кристофер), талантливый велосипедист, увлеченный всем итальянским, который — с помощью друзей, которых играют Деннис Куэйд, Дэниел Стерн и Джеки Эрл Хейли — концентрируется на участии в большой гонке и пытается понять что будет с ним дальше.Снятый и установленный в Блумингтоне, штат Индиана, он сохраняет легкий тон, не упуская из виду ограниченные возможности для детей рабочего класса рабочих карьеров, построивших университетский городок, который теперь смотрит на них сверху вниз.

Как и в случае с годом, «Как зелена была моя долина» победила гражданина Кейна , поражение Скорсезе обжигающим бешеным быком от обычных людей Роберта Редфорда стало легким примером того, как «Оскар» часто ошибается. Это несправедливо по отношению к Обычным людям , что само по себе довольно потрясающе.Но поскольку еще один фильм Скорсезе получил одно из наших мест выше (и будет одно ниже), давайте отдадим его в серию The Elephant Man, пересказ Дэвида Линча о дружбе между Джоном Мерриком (John Hurt), деформированным мужчиной, выставленным на выставке. Викторианское шоу уродов и Фредерик Тивз (Энтони Хопкинс), врач, который берет его на себя и помогает восстановить его чувство собственного достоинства. Трогательная костюмированная драма, которая также очень похожа на фильм Дэвида Линча, сочетает яркую черно-белую фотографию с сочувствием к посторонним людям всех мастей.

Проект « Reds », созданный десятилетиями страстью для режиссера и звезды Уоррена Битти, привнес масштабы голливудской эпопеи в тему, которую большинство эпосов не затронет: жизнь радикального журналиста Джека Рида (Битти), писатель, наиболее известный в настоящее время по книге « Десять дней, которые потрясли мир», , рассказу об Октябрьской революции в России. Амбициозный на всех уровнях фильм Битти сочетает в себе звездный состав (в том числе Дайан Китон и Джек Николсон), величественное повествовательное кинопроизводство и документальные интервью с теми, кто знал Рида и его окружение.Он принес Битти приз за лучшую режиссуру, но приз за лучший фильм оказался более труднодостижимым, возможно, отчасти из-за отказа фильма сделать какие-либо простые выводы о радикальных идеях, которые он изображает.

Сказка, действие которой происходит в американских пригородах, в костюмах научной фантастики, сериал Стивена Спилберга E.T. Внеземной предполагает, что даже самые приземленные настройки могут быть наполнены чудесами через историю инопланетянина, который укрывается в семье, все еще не оправившейся от развода.В течение многих лет фильм был самым кассовым фильмом всех времен, его эмоционально насыщенный, визуально ошеломляющий сюжет захватывает все, что Спилберг сделал лучше всех на этом этапе своей карьеры. Он сделал это легко. Многие последовавшие за этим подражатели доказали, что это не так.

Адаптировав книгу Тома Вулфа о первых днях американской космической программы, Филип Кауфман представил фильм, в равной степени эпичный и непочтительный, отражающий опасность космических полетов (и программ летчиков-испытателей, которые ему предшествовали) и абсурдность политической среды, которая существовала подтолкнул его к существованию, а СМИ — цирк, окружавший первых космонавтов и их жен.Другими словами, он остается верным тону, культивируемому Вулфом, фильмом, одинаково домашним, изображающим потрясающие достижения и несовершенных мужчин и женщин, которые сделали это возможным.

Салли Филд: «Я тебе нравлюсь!» благодарственная речь после того, как она получила награду за лучшую женскую роль в номинации « Places in the Heart» подарила «Оскар» момент, который обязательно будет показан в главных роликах с настоящего момента и до самого окончания «Оскара». Филд замечателен в фильме, и это тоже не было бы плохим выбором за лучший фильм.Написанный и направленный Робертом Бентоном ( Крамер против Крамера ) и красиво снятый Нестором Альмендросом, в нем Филд играет вдову, которая формирует временную семью, в которую входят слепой квартирант (Джон Малкович) и бездомный (Дэнни Гловер). глубоко предубежденный город Техаса времен Великой депрессии. Бентон черпал из собственных воспоминаний о детстве в Техасе, и смесь привязанности и отвращения к этому месту, которая заставила его почувствовать себя, ощущается от начала до конца.

Немногие режиссеры оставались такими же вовлеченными и заинтересованными в риске с начала своей карьеры до конца, как Джон Хьюстон, который рисковал до самой своей смерти в 1985 году. Prizzi’s Honor , предпоследний фильм Хьюстона, стал фаворитом критиков и популярности, но, возможно, это была бы катастрофа без режиссера, способного уравновесить комедию, саспенс и романтику или готового пойти на компромисс с менее смелым концом — хотя Актерский состав, в который входят Джек Николсон, Кэтлин Тернер и Анжелика Хьюстон (дочь Джона), безусловно, тоже помогает.

С 60-х по нулевые продюсер Исмаил Мерчант, режиссер Джеймс Айвори и сценарист Рут Правер Джабвала создавали безукоризненно созданные фильмы для зрителей арт-хауса, часто в литературных адаптациях, отражающих образ жизни, потерянный временем.Их коммерческий успех и успех у критиков достигли пика в 80-х и начале 90-х годов, начиная с этой энергичной адаптации Э. М. Форстера с Хеленой Бонэм Картер в главных ролях, Дэниелом Дэй Льюисом, Джуди Денч и Мэгги Смит. Комната с прекрасным видом предлагает потрясающие флорентийские городские пейзажи, великолепные костюмы и бесподобные изображения тоски и подавления — по сути, все, что нужно для адаптации Форстера, а с актерским составом невозможно представить себе улучшение. Команда стала своего рода ленивым условным обозначением безвкусного кинопроизводства, и это несправедливо.Их лучшие фильмы полны ума и страсти.

В то же время забавный, тщательно продуманный взгляд на сложные отношения и проницательное, проницательное исследование силы средств массовой информации, Джеймса Л. Брукса Broadcast News является результатом как исчерпывающих исследований Брукса, так и его навыков диалога и персонажей, которые он ». Я годами оттачивал работу в кино и на телевидении. Альберт Брукс и Холли Хантер снимаются в качестве журналиста и продюсера, соответственно, работая в теленовостях, чьи вышеупомянутые сложные отношения пошатнулись с появлением привлекательного, неопытного, очаровательного нового репортера (Уильям Хёрт), который постепенно обнаруживает, что он пугает. предположение о будущем журналистики.

Некоторые типы фильмов, которым часто трудно получить Оскар за лучший фильм, особенно в последние несколько десятилетий: комедии в целом, романтические комедии в частности, и большинство фильмов больше ориентированы на женщин, чем на мужчин. Работа Майка Николса Working Girl , в которой Мелани Гриффит продолжает терять равновесие, поднимаясь по служебной лестнице, сталкиваясь с сексизмом и коварным боссом (Сигурни Уивер), проверяет все эти поля, делая ее темной лошадкой в ​​гонке года, даже если бы это была одна из самых сложных и успешных комедий десятилетия.Играя персонажа, который сочетает в себе ум и решительность, воспитанную на Стейтен-Айленде, Гриффит здесь наиболее очарователен.

Оливер Стоун обнаружит, что в 1990-х не было никаких кинематографических расцветок или чрезмерных жестов, которые ему не нравились, но с фильмом « Рожденный 4 июля года» он снял один из лучших фильмов 1989 года, последний вход в цикл фильмов. Фильмы 80-х годов, считающиеся наследием войны во Вьетнаме. Это территория, которую он ранее исследовал с полуавтобиографическим (и оскароносным) взводом , но здесь он использует опыт Рона Ковича, морского пехотинца, ставшего антивоенным активистом, который стал одним из самых известных голосов ветеранов после возвращения домой. и приспособиться к жизни с параличом нижних конечностей.Том Круз незабываемо играет Ковича в спектакле, который разрушает все его обаяние кинозвезды, требуя от него быть уязвимым на экране, каким он никогда не был раньше и редко был с тех пор.

Через десять лет после того, как он снял один из лучших фильмов в своей карьере и проиграл «Оскар» за лучший фильм кинозвезде, дебютировавшей в качестве режиссера, Мартин Скорсезе сделал это снова. Goodfellas не получил приза, но, мягко говоря, он стал бы прекрасным альтернативным выбором, став одним из самых восхищенных — и наиболее имитируемых — фильмов 90-х, фильмом, в котором запечатлены и те и другие. преступный порыв жизни вне закона и долгое, параноидальное падение слишком долгого пребывания в жизни.

Один из самых любимых продуктов возрождения анимации Диснея, начавшегося в конце 1980-х — серия фильмов, которые вдохнули новую жизнь как в студийную, так и в театральную анимацию в целом — Beauty and the Beast попали в новости как первый анимационный фильм. возможность получить номинацию на лучший рисунок. Это останется единственным фильмом, удостоившимся этой награды до 2009 года, когда анимационные материалы Disney, Pixar и других студий помогли фильму потерять репутацию исключительно детского материала.Сочетая классическую рисованную анимацию с некоторыми компьютерными эффектами, Beauty and the Beast теперь выглядит как мост между прошлым и будущим.

Фильм Нила Джордана «« Плачущая игра » был настолько определен своим поворотом, что все остальные элементы, делавшие фильм захватывающим, немного потерялись в разговоре. Большое открытие — это, конечно, незабываемый момент, но это лишь часть сложного политического триллера, который начинается с того, что член ИРА (Стивен Ри) устанавливает связь с британским солдатом (Форест Уитакер), которого он помог похитить … связь, которая побуждает его выполнить обещание позаботиться о лондонской подруге солдата (Джей Дэвидсон).Он работает и как движущий саспенс, и как исследование скользкости идентичности — национальной, идеологической, сексуальной и так далее.

Fugitive играет почти как результат вызова: что, если бы вы сняли фильм, который по сути представлял собой одну длинную сцену погони? Это могло сработать? Может ли он все еще казаться существенным? Адаптировав сериал 60-х, который в свое время был сенсацией поп-культуры, Эндрю Дэвис привлек актеров с серьезностью, чтобы поднять и без того умный сценарий, выбрав Харрисона Форда в роли ошибочно обвиненного человека в бегах, а Томми Ли Джонса в роли главного героя. законник решил привести его.Это один из редких боевиков, удостоенных номинации за лучший фильм, и его нетрудно представить победителем (по крайней мере, в год, когда Список Шиндлера не закрыл практически ни одного конкурса с момента его выпуска. ).

Квентин Тарантино (и соавтор сценария Роджер Эвэри) вынуждены были довольствоваться призом за лучший оригинальный сценарий определяющего эпоху сериала «Криминальное чтиво». Но независимо от того, воспринимаете ли вы Forrest Gump как сентиментальное прославление всего, что происходит во времена бума, или как лукавое повторение того же, Pulp Fiction больше говорит о том, куда мы движемся как культура, чем о том, где мы были.Это не означает, что Pulp Fiction не так уходит корнями в прошлое по-своему, как победитель в постановке Роберта Земекиса, но его попытки проникнуть под поверхность жанровых троп и острых ощущений в фильмах категории B через микс искреннего восхищения и иронии помогли изобрести их заново для нового поколения.

Редко, когда Академия получает шанс наградить фильм и его полярной противоположностью в один и тот же год. А вот фильмы 1995 года давали именно такой шанс. Вместо того, чтобы рассказывать историю о жертвах и мести мачо, он мог бы дать награду за лучший фильм Babe , фильму, в котором подчеркивается важность чувствительности, терпимости и общения через рассказ о свинье, который не знает, что он не должен выполнять работу овчарки, так что продолжает и делает это в любом случае.В Академии этого не было, но в нашей альтернативной вселенной мы можем.

«Кто вы такие?» Билли Кристал пошутил в вводном монологе церемонии вручения Оскара, которую он назвал «Сандэнс у моря». Это был год, когда дал о себе знать независимый кинопроизводство, и эта тенденция заметна даже в категории «Лучший фильм». Из пяти номинантов только один, Jerry Maguire , пришел из крупной студии (и даже она в основном играла как инди). Награда была присуждена величественному фильму The English Patient , который, возможно, больше всего обязан классическому голливудскому кинопроизводству.С таким же успехом он мог попасть в Fargo Джоэла и Итана Коэнов, однако, лучший представитель того, что происходило вдали от традиционной голливудской системы, где обычные правила не применяются, и фильма о беременном полицейском, расследующем убийство в Верхнем Среднем Западе могло получить зеленый свет и найти восторженную аудиторию.

Романы Джеймса Эллроя, начиная с запутанных сюжетов и заканчивая неприукрашенными — но исторически достоверными — расовыми взглядами и языком, уже давно оказалось трудно адаптировать.Пропуск Кертиса Хэнсона по одной из его лучших книг взломал код. Он упростил сюжет и снизил остроту расизма, но оставил дух нетронутым, а в Гай Пирсе и Расселе Кроу — паре австралийских актеров, тогда относительно новых для американской аудитории — он нашел идеальное воплощение морально противоречивых главных героев Эллроя. В результате получился свежий взгляд на классические нуарные темы, действие которых разворачивается в захудалом, давно ушедшем Лос-Анджелесе. Он играет так, как будто он был вырван со страниц одной из книг Эллроя, действие происходит в месте, где один неверный поворот может привести к гибели любого.

Как и Список Шиндлера , все знали, что Спасти рядового Райана — нашумевший фильм на важную историческую тему от ведущего режиссера — выиграет лучший фильм с момента его выхода. А потом … этого просто не произошло. Двадцать лет спустя кажется странным, что такая приятная мелочь, как « Шекспир в любви» — фильм «», выпущенный и неустанно продвигаемый «Мирамаксом» братьев Вайнштейнов на пике своей мощи, — победит одно из главных достижений Стивена. Карьера Спилберга.Но, эй, в наших «Оскарах» в альтернативной вселенной, это достаточно легко исправить.

1999 год был бурным годом для фильмов, появлялись один фильм за другим, от Три короля до Бойцовский клуб до Магнолия до Быть Джоном Малковичем до Проект ведьмы из Блэр с до Матрица . Некоторые из этих молодых режиссеров, такие как Спайк Джонз и Дэвид О. Рассел, подтвердили свои главные таланты. Другие, такие как The Matrix , открыли новые горизонты с потрясающими спецэффектами.Однако номинанты на лучший фильм года почти ничего из этого не отразили. American Beauty нельзя было назвать безопасным выбором для победителя, но вряд ли это было самое изобретательное предложение года. The Cider House Rules или The Green Mile , или даже The Insider , не был фантастическим фильмом Майкла Манна, а фильм от известного режиссера, который бросил вызов самому себе, чтобы привнести в документальную драму такую ​​же напряженность, что и раньше. доведен до криминальных фильмов.Из номинантов «Шестое чувство » лучше всего показывает, что происходит в мире кино. Казалось бы, из ниоткуда сверхъестественная драма, созданная с соблюдением дисциплины М. Найтом Шьямаланом, режиссером, о котором большинство кинозрителей никогда не слышало, она стала культурным феноменом, застигнув зрителей врасплох — но поворот никогда бы не сработал, если бы Шьямалан не проявил терпения. в кинопроизводстве или в тщательной игре Брюса Уиллиса и Хейли Джоэла Осмента.

Если предположить, что Академия стремилась наградить боевик с лирическими элементами лучшим фильмом 2000 года, у них было два простых варианта: «Гладиатор » Ридли Скотта и «Крадущийся тигр », «Скрытый дракон » Энга Ли.Однако они выбрали тот, который подчеркивал действие, а не лиризм. Бой — это форма коммуникации в современном риффе Ли на фильмах wuxia его юности, с использованием потрясающих боевых сцен, чтобы рассказать историю обреченной любви с Чоу Юн-Фатом и Мишель Йео в главных ролях.

Big часто побеждает на «Оскаре», и в большинстве случаев инди изо всех сил пытается конкурировать с богатыми студийными проектами. Несмотря на признание критиков и множество номинаций, у « в спальне » никогда не было шансов.Дебютный фильм актера, ставшего режиссером Тодда Филда, первый официальный фильм Сандэнса, получивший номинацию на лучший фильм, представляет собой резкое изображение насилия и его последствий, наблюдающих, как брак счастливой супружеской пары (в исполнении Тома Уилкинсона и Сисси Спейсек) рушится. после убийства их сына. Это небольшая история, рассказанная с точностью, деликатностью и непоколебимым стремлением следовать трудным решениям и приводить к их тревожным выводам — ​​все качества, которые делают ее замечательной, даже если они, возможно, также повредили ее шансам забрать домой какие-либо призы.

Мартин Скорсезе, наконец, получил Оскар через несколько лет за серию The Departed , но для него было бы столь же уместно выиграть за эту историю грубого, давно потерянного Нью-Йорка с Леонардо Ди Каприо и Даниэлем Дэй в главных ролях. Льюис. У фильма есть свои проблемы, особенно ближе к концу, но его амбиции и стремление воссоздать Манхэттен 19-го века, вплоть до его последних мутных деталей, делают его одним из последних эпических произведений старого стиля до того, как появились зеленые экраны и компьютерная графика. изображения прошлого гораздо менее тактильны и, как правило, гораздо менее захватывающи.

Любой скептицизм, все еще сохраняющийся в отношении Софии Копполы после ее дебюта в 1999 году. Девственницы-самоубийцы. рассеялись с этой историей о молодой женщине (Скарлетт Йоханссон), которая не знает, что делать с собой или своей жизнью, и которая предоставлена ​​самой себе. устройств в Токио, пересекается с кинозвездой средних лет (Билл Мюррей) в разгар кризиса среднего возраста. Их отношения продолжают меняться, чем больше времени они проводят вместе, и эти двое находят неоспоримую связь, даже если не могут до конца решить, какую форму должна принять эта связь.Уверенные усилия второкурсника Копполы упиваются этой двусмысленностью и состоянием между мирами его главных героев, двух людей, которые, возможно, никогда больше не встретятся, но которые приходят к пониманию, что их случайная встреча изменит их взгляды на мир для остальной части их жизни. жизни.

Это заслуга того, насколько привлекательным Александр Пейн заставляет калифорнийскую винную страну (и само вино) выглядеть в Sideways , что фильм обеспечил как региону, так и его основную отрасль экономический подъем на долгие годы после его выпуска — потому что в противном случае он относится к своему главному герою. vino навязчивая идея как симптом более серьезной проблемы.Разведенный писатель средних лет Майлз (Пол Джаматти) иногда слишком много пьет, но его настоящая проблема — это колея, в которую он сам загнал себя, из-за которой нельзя ездить на выходные на свои любимые виноградники со своим более успешным лучшим другом Джеком ( Thomas Haden Church) может вылечить. Он в беспорядке, и он это знает, и его ненависть к себе должна делать его невыносимо неприятным для наблюдения. Но игра Джаматти — такая колючая и в то же время такая уязвимая — обнаруживает человечность Майлза и тусклую, упорную надежду в фильме, который в последующее десятилетие представил некоторые из лучших элементов инди-фильмов 90-х, ориентированных на персонажей, широкой аудитории.

Мы заранее сказали, что это не обязательно будет набор фильмов, которые должны были привлечь менее достойных победителей. Но давайте сделаем одно исключение, потому что Crash — это, в общем, ужас: поверхностный, но перегруженный взгляд на расизм, который в итоге приводит к довольно обыденным выводам. Горбатая гора , напротив, иллюстрирует другой вид предрассудков через трагическую историю любви, но Энг Ли всегда ставит персонажей фильма — трогательно играемых Джейком Джилленхолом и Хитом Леджером — в первую очередь, сосредотачиваясь на их желаниях и разочарованиях мира. который хочет разлучить их.Даже если отбросить его ценность как прорывного фильма, который представил массовую публику историю любви геев, это глубоко прочувствованный и прекрасно реализованный фильм, и его достоинства становятся еще более очевидными, когда он помещается рядом с победителем года.

Мартин Скорсезе наконец-то поставил победителя в номинации «Лучший фильм» (и получил награду за лучшую режиссуру) для фильма « Отступники, », но Академия с таким же успехом могла бы дать третий трофей Клинту Иствуду за второй из двух фильмов 2006 года, посвященных битве при Иво. Джима. Флаги наших отцов , в котором рассказывается о борьбе за отторжение у японцев крепости скалистого острова во время Второй мировой войны с американской стороны, также заслуживает внимания. Но его аналог, который рассматривает битву с точки зрения японских войск, еще более примечателен, отражая адские условия, в которых сражались солдаты, и неумолимую идеологию, которая в первую очередь привела их на поле битвы.

Вам иногда трудно вспомнить, был ли фильм « Нет страны для стариков» или «Будет кровь» , получивший «Оскар» за лучший фильм в 2007 году? Если да, то вы не одиноки.Оба фильма — жесткие и жестокие, в основе которых — пугающие, грандиозные выступления великих актеров. И оба находят тьму в сердце разных глав американской истории. Награда досталась номеру No Country , прекрасный выбор. Но в этой альтернативной вселенной, которую мы создаем, давайте отдадим ее фильму Пола Томаса Андерсона.

Биографический фильм Гаса Ван Сента об убитом лидере по защите прав геев Харви Милке мог легко попасть в обычные ловушки биографических фильмов, либо слишком стараясь показать, как его сюжет изменил мир, либо превратив его в слабо охарактеризованного святого.Возглавляемая чутким представлением Шона Пенна, Milk не делает ничего из этого, поскольку изображает погружение Милка в активизм, политический подъем и убийство, совершенное его коллегой-политиком. Фильм превращает важную главу в американской истории в увлекательную личную историю, которая показывает, а не рассказывает, как один человек может произвести первые колебания, ведущие к радикальным изменениям.

Если наши победители в номинации «Лучший фильм» идеально отражают то, что мы ценили в фильмах на протяжении всей их истории, одна из самых больших упущений состоит в том, что высшая награда никогда не досталась фильму Pixar во время золотого века этой студии. Up , возможно, не лучший фильм Pixar, но он лучший из двух, получивших номинацию на лучший фильм. (Ничего не имею против великолепного фильма «История игрушек 3 », но это даже не лучший фильм «История игрушек »). Вступающий в слезы вводный сегмент содержит одни из лучших историй, которые когда-либо создавала студия, а остальное тоже довольно потрясающее (особенно если вам нравятся говорящие собаки).

Пытаться задокументировать историю, пока она еще не завершена, — непростая задача.Учитывая то, что произошло с Facebook и его основателем Марком Цукербергом за годы, прошедшие с 2010 года, создание The Social Network могло показаться преждевременным. Но на рубеже десятилетий изменения, внесенные Facebook, уже давали о себе знать, и историю Цукерберга уже стоило рассказать. Благодаря тому, что сценарист Аарон Соркин и режиссер Дэвид Финчер уравновешивают друг друга, фильм следует за эволюцией Facebook от идеи до непреодолимой силы и за Цукербергом, когда он был дерзким ребенком с видением своей взрослой жизни в качестве магната, плывущего по течению в мире. он помогал создавать.

В своем magnum opus, The Tree of Life , Терренс Малик начал рассказывать самую маленькую из возможных историй — взросление в середине 20-го века техасского мальчика, который делится некоторыми биографическими подробностями с Маликом — и максимально возможную история, перескакивающая из начала времен в загробную жизнь. В процессе режиссер стирает любое различие между ними, позволяя одной жизни, всем ее радостям и страданиям заменять все существование. Это фильм образов, настроений и моментов — это не просто сюжет, и он ожидает, что зрители восполнят те фрагменты повествования, которые он упускает.И хотя Малик изо всех сил пытался воссоздать силу этого подхода в своих последующих фильмах, он силен и действует здесь, играя как фильм, который он всю жизнь ждал, чтобы снять, отчасти из-за необходимости понять, что значила эта жизнь.

Искажено в прессе еще до того, как оно было завершено, и неправильно понято после его выпуска, Zero Dark Thirty , широкий взгляд Кэтрин Бигелоу на розыск Усамы бен Ладена глазами Майи, все более навязчивой аналитики ЦРУ, которую играет Джессика Честейн работает и как журналист, излагающий недавнюю историю, и как рассмотрение моральной основы, сданной У.С. в годы после 9/11. Месть дается ужасной ценой, что видно по преследуемым глазам Честейна в тихом финальном кадре, который так же нервирует, как и любой из предыдущих боевых сцен.

Немногие режиссеры так хорошо умеют сочетать техническую смелость с трогательным повествованием, как Альфонсо Куарон, и с Gravity он нашел проект, который довел обе эти возможности до предела. Минуя Сандру Баллок в космос и следя за ее все более отчаянными попытками найти дорогу домой, фильм « Gravity » — это триумф спецэффектов, предназначенный для просмотра на самом большом экране (и один из немногих фильмов «Аватар » после , чтобы сделать значимым использование 3D).Но его сила в такой же степени проистекает из роли Буллока, как женщины, которая пытается сохранить свою волю к жизни среди безвыходных обстоятельств и переживает глубокую утрату. Образы Куарона были бы невозможны ни в каком предыдущем году, но тематика фильма неподвластна времени.

Там, где «Человек-птица » Александра Иньярриту (или Неожиданная добродетель невежества) создавал иллюзию того, что он был снят за один дубль, « Boyhood » Ричарда Линклейтера играет со временем по-другому.Этот фильм, снятый на протяжении 12 лет, рассказывает о взрослении ребенка из Техаса в серии хорошо подобранных виньеток. Интересно наблюдать, как Линклейтер пытается рассказать историю так, как никогда раньше не делали, в то же время запечатлевая меняющуюся Америку на заднем плане. (Выкопайте те iMac! Помните вечеринки, посвященные выпуску Harry Potter ?) Но фильм работает в значительной степени потому, что Линклейтер, как обычно, позволяет глубине проникнуть в фильм, а не стремится к нему.Мы видим, как Мейсон (Эллар Колтрейн) проходит через некоторые обряды посвящения, но в основном мы наблюдаем обычные, но показательные моменты, когда он становится старше и вступает в свои права. Подобного фильма никогда не было и, вероятно, больше никогда не будет.

«В центре внимания» Тома Маккарти «» «» — инсценировка получившего премию Пулитцеровского агентства Boston Globe расследования сексуального насилия над детьми — это выдающийся подвиг проницательного, эффективного и мрачного кинопроизводства. Картина Джорджа Миллера «Безумный Макс: Дорога ярости » во многих смыслах противоположна ей, она кажется безумной затеей, снятой в суровых условиях и происходящей в фантастическом, помешанном на скорости, постапокалиптическом мире.Но фильм Миллера — часть сериала, созданного режиссером в 1979 году спустя десятилетия, — по-своему представляет собой модель эффективного повествования, бросая зрителей в жестокую, хаотичную, истощенную ресурсами пустошь и рассчитывая, что они наверстают упущенное. поскольку он настраивает пару героев (Том Харди и Шарлиз Терон) против жестоких повелителей. Это избыток точки, сочетающей неизгладимые образы с сильными эмоциями.

89-я церемония вручения премии «Оскар» всегда будет печально известна ошибочным объявлением « Ла-Ла-Ланд» — , который на протяжении большей части гонки считался возможным, даже вероятным победителем — как лучший фильм.На самом деле награда досталась великолепному Moonlight . И хотя La La Land остается тонко созданным, мелодично развлекательным фильмом, который не заслуживает той негативной реакции, которую он привлек, следует отдать должное Академии в том, что он сопровождался нетрадиционной историей о взрослении от начинающего режиссера, которая пролила свет. на уголках мира редко изображается в кино. Однако в мире без Moonlight фильм Кеннета Лонергана Manchester by the Sea также был бы прекрасным выбором: ужасающая история потери, сыгранная с болезненной интенсивностью — и несколько хорошо подобранных более легких моментов — актерами во главе с Кейси. Аффлек.

Наконец, номинанты на лучший фильм 2017 года предлагают еще один год, который будет характеризоваться изобилием и разнообразием. Номинация на фильм Гильермо дель Торо « Форма воды » (который выиграл) и « Get Out » Джордана Пила (серьезный соперник по оценкам большинства прогнозистов) свидетельствует о том, что граница между престижным и жанровым фильмами стала более размытой. Между тем, постоянное присутствие в съемках Пола Томаса Андерсона и Кристофера Нолана подтвердило, что они остаются одними из самых амбициозных авторов. их номинации можно было увидеть в момент объявления каждого из их фильмов.Не так для предлагаемой нами альтернативы. Грета Гервиг была соавтором нескольких предыдущих фильмов и одним из режиссеров, но Lady Bird , ее сольный дебют в качестве сценариста и режиссера, по-прежнему удивляла своим обезоруживающим личным взглядом на взросление в определенное время и в определенном месте. (Сакраменто в начале нулевых), благодаря чему автобиографическая история совершеннолетия кажется одновременно специфической и универсальной. Фильм Гервиг заполнил экран забавными, трогательными играми всего состава, но особенно Сирсы Ронан и Лори Меткалф, матери и дочери, чьи отношения столь же непростые, сколь и любящие.Там, где другие кандидаты добивались максимальных успехов, Гервиг доказал, что малые могут быть столь же влиятельными.

Иногда вы просто знаете, что победитель за лучшее изображение превратится в «Подожди, что?» Например: «Подожди, что? Танцы с волками победить Goodfellas ? » И так далее. Иногда это чувство проявляется всего за несколько секунд. С Green Book это чувство появилось почти сразу. «Чего ждать? Green Book beat BlacKkKlansman / Black Panther / A Star is Born / The Favorite ? » И, прежде всего, это относится к глубоко личной дань уважения Альфонсо Куарона не только к времени и месту, которые сделали его, но и горничной, которая помогала его воспитывать (которую играет актриса, впервые ставшая актрисой Ялица Апарисио).Это путешествие в прошлое не глазами Куарона, а ее глазами, единственный в своем роде фильм, снятый в великолепных черно-белых тонах, который признает, что прошлое держится за настоящее, и отказывается ограничивать то, что предшествовало ностальгии и туманным воспоминаниям. И именно это качество отличает его от других. Зеленая книга — фильм слишком содержательный, чтобы думать о прошлом и его разделах как о стабильном бизнесе, а не как о части продолжающейся истории. Рома трогательно признал, что акт воспоминания может быть столь же болезненным, как и откровением.

Бон Джун Хо, получивший награду Parasite за лучшую картину, был шокирующим по нескольким причинам. Во-первых, фильм на иностранном языке никогда раньше не претендовал на главный приз, что делает эту награду достаточно удивительной. Но также было немного странно, что Академия сделает все так правильно всего через год после того, как сделала это так неправильно. Большинство экспертов назвали победителем фильм Сэма Мендеса 1917 , но необычайно успешный 2019 год для фильмов представил множество отличных вариантов, многие из которых были номинированы.Оглядываясь назад, кажется странным, как быстро утихла шумиха вокруг обезоруживающей элегии Мартина Скорсезе «Ирландец », дерзкой адаптации « Маленьких женщин » Греты Гервиг и детализированной драмы о разводе Ноя Баумбаха « Marriage Story », каждая из которых могла бы сделать сильные результаты в другие годы и, безусловно, запомнятся надолго после окончания сезона награждений. Так будет и фильм Квентина Тарантино «Однажды в сказке… в Голливуде » Квентина Тарантино, в котором режиссер — некогда инди-нарушитель, а теперь ветеран индустрии — воссоздает Лос-Анджелес своей юности и использует историю дружбы, старения и незащищенности. чтобы поразмыслить над моментом огромных перемен в истории кино.Фильм позволил Тарантино (в основном) отбросить зацикленность на повествованиях о мести, которые доминировали в его работах 21-го века, ради забавного, интроспективного фильма о течении времени, угасании мечтаний и маленьких триумфах, связанных с созданием. искусство в системе, которая не всегда его ценит — качество, которое делает его как о настоящем и будущем Голливуда, так и о его прошлом.

Это редкий год, когда ни один из номинантов на лучшую картину не стал бы откровенным победителем, но 2020 год был именно таким годом.Фактически, несколько фильмов, номинированных на 2020 год, кажутся непревзойденными, такими фильмами, которые будут жить и после года их выпуска, будь то темы спорных разговоров, таких как , обещающая молодая женщина или поздние открытия, такие как Отец и Иуда и Черный Мессия . Трудно выбрать только один второй вариант, но нюансы фильма Minari — Ли Исаака Чанга, которые делают его таким фильмом, который поощряет и приглашает повторные просмотры, дает фильму преимущество над конкурентами.История рассказывает о том, как иммигранты из Южной Кореи пытались начать новую жизнь в качестве фермеров на Среднем Западе Америки в 1980-х годах — план, из-за которого муж Джейкоб (Стивен Юн) и жена Моника (Хан Ери) все больше расходятся друг с другом в зависимости от обстоятельств. противостоят им. Фильм исследует универсальные темы семьи и общества через конкретные детали определенного времени и места (не случайно, время и место, когда Чанг достиг совершеннолетия). Юн Ю Чжон выиграла лучшую женскую роль второго плана за роль бабушки, поведение которой ставит в тупик самого младшего члена семьи, Дэвида (Алан Ким), и это правильно, но каждый элемент фильма представляет собой историю воспоминаний, пережитых в детстве, но не полностью понятых. пока не прошло много лет.

снимков в кино | HowStuffWorks

Режиссер Клинт Иствуд работает с кинематографистами над композицией кадров. Далее ознакомьтесь с открытым кастингом.

Кастинг-директора несут ответственность за выбор правильных звезд для фильма. Смотрите съемочную площадку фильма «Гладиатор» на следующей странице.

Первый эпизод битвы в «Гладиаторе» снимался в Борн-Вудс, Фарнем, Суррей, Англия. Что используется для синхронизации звука с видео в фильме?

Цифровой планшет имеет тайм-код, чтобы редакторы могли синхронизировать звук с видео.Почему для набора цветов обычно используются синий и зеленый цвета?

Синий и зеленый — это цвет, наиболее удаленный от тона кожи человека, поэтому его легче отключить. Посмотрите, как художники по спецэффектам используют отснятый материал для создания визуальных эффектов.

Художники по спецэффектам смешивают видеоматериалы из живых выступлений и компьютерные изображения для создания реалистичных персонажей и сцен. Вы можете догадаться, как была создана сцена на следующей странице?

Миниатюрная модель Белого дома была взорвана и интегрирована с компьютерной графикой для создания этой сцены в фильме «День независимости».Далее ознакомьтесь с творениями мастера-протезиста.

Формы Lifecast используются для создания протезов тела, которые мастер-ортопеды лепят. Это Харрисон Форд и Шайа Лабаф на следующей странице?

Каскадеры Харрисона Форда и Шайа Лабаф катаются на мотоцикле во время съемок фильма «Индиана Джонс». Далее загляните за кулисы боевика.

Пиротехники устроили контролируемые взрывы на съемочной площадке фильма «Трансформеры».Посмотрите, как снимаются некоторые сцены вождения, на следующей странице.

Камера прикреплена к передней части автомобиля, чтобы сделать снимок для этой сцены. Посмотрите, как были сняты автокатастрофы, в следующем фильме «Ультиматум Борна».

Трейлер с фотоаппаратом снимает сцену нескольких автокатастроф на съемках фильма «Ультиматум Борна». Есть ли у Тоби Магуайра брат-близнец? Узнай на следующей странице.

Чад Клевен — заместитель Тоби Магуайра. Замены используются для замены актеров при настройке освещения.Далее следует закулисный вид каскадера из фильма «Человек-паук 3».

Каскадеры используют трос высокого напряжения, чтобы подвешивать каскадера на съемочной площадке Человека-паука 3. Чтобы узнать больше о каскадерах, прочтите Как работают каскадеры.

Как легко конвертировать изображения в фильм

Вам не нужно нанимать профессионального видеомейкера для создания собственного фильма. Вы можете сделать это самостоятельно, и если вы думаете, что вам нужно потратить ни копейки на этот проект, вы ошибаетесь.

Сегодня вы узнаете, как легко превращать фотографии в фильм.Благодаря такому подходу вы сможете более приятно любоваться своими фотографиями.

Что вам нужно

USB-кабель, изображения (в папке или на цифровой камере) и программное обеспечение для редактирования видео — это то, что вам нужно, чтобы сделать фильм из ваших изображений.

Вы можете использовать любой видеоредактор, но вам следует рассмотреть возможность использования Windows Movie Maker или встроенной программы. Это означает, что вам не придется загружать сторонний инструмент для этого проекта.

Процесс

• Для начала запустите видеоредактор.Вы можете сделать это, набрав видеоредактор после нажатия клавиши Win.

• Затем щелкните Import .
• Если вы уже загрузили изображения, которые хотите использовать, в папку на своем компьютере, выберите Импортировать из папки . Если они все еще находятся на карте памяти вашей цифровой камеры, выберите Импорт с USB-устройства .

• Выберите изображения, которые вы хотите добавить в фильм, установив флажок в правом верхнем углу фотографии.Затем выберите + Добавить в.

• Появится окно. Он просит вас указать, куда вы хотите добавить выбранные изображения. Там выберите Новое видео с музыкой .

• Затем вы дадите Название вашему новому видео . После ввода имени нажмите Создать видео .

• После ввода основных сведений о фильме вы получите доступ к раскадровке . Здесь вы можете редактировать свой фильм, используя множество представленных вам опций.
• Здесь вы можете играть сколько хотите. Вы можете + Добавить титульную карточку , установить Продолжительность фильма , Изменить размер , использовать Фильтры , добавить Текст , выбрать Motion и добавить 3D-эффектов .

• То, что вы делаете на этом этапе, не окончательно. Вы всегда можете проверить свой прогресс, нажав кнопку play . Это позволит вам смотреть фильм в действии.
• Если вы хотите стереть все внесенные вами изменения, это тоже нормально.Просто нажмите Удалите все .

Напоминание

Помните, что не следует дословно следовать приведенным здесь инструкциям. Как уже упоминалось, видеоредактор, используемый здесь, является встроенной программой Windows. Вы должны помнить об устройстве, которое используете.

Если вы используете Mac, вы также можете использовать его встроенный редактор фильмов. Хотя точный процесс может быть другим, концепция все еще остается.

Завершение фильма

• Если вы на 100% удовлетворены фильмом, можно подвести итоги.Выберите Завершить видео сверху.

• Появится окно. Он представит вам различные варианты для вашего готового проекта. Выберите тот, который соответствует вашим целям.

Рецензия на фильм «

слов и картинок» (2014)

Мисс Дельсанто перевели из другой школы. Она известный успешный художник, что автоматически делает ее отчужденной и холодной. Она постоянно требует совершенства, не утруждая себя объяснением, как ее ученики могут его достичь.Она, как и все кинохудожники, страдает художественно, но, по крайней мере, у нее есть веское оправдание в виде ревматоидного артрита, который лишил ее способности рисовать. Маркус немедленно вызывает у нее неприязнь, и освежение первоначального увольнения мисс Дельсанто уступает место старому устаревшему клише о том, что мы влюбляемся в неуклюжего пьяного болвана, которого мы должны любить по умолчанию.

Это идея Маркуса объявить «войну» художественному классу Дельсанто, потому что она предпочитает живопись литературе.Он нанимает свой класс английского языка, некоторые из которых также учатся в классе мисс Дельсанто, чтобы помочь ему в этой игре. Идея слов и картинок плохо реализована, и без этой дискуссии не должно быть никаких фильмов. Тем не менее, в фильме существуют длинные отрывки, и ни разу не на словах этот аспект сюжета.

Вместо этого ненужный сюжет о сексуальных домогательствах подростков проводит непреднамеренную параллель между тревожными домогательствами и отношениями между Маркусом и мисс Дельсанто.Звездный ученик Маркуса, Суинт (Адам ДиМарко) каждую минуту бодрствует, пытаясь завязать отношения со звездной ученицей мисс Дельсанто Эмили (Валери Тиан). Он делает это, безжалостно приставая к ней, называя ее именами «дим-сам» и другими азиатскими стереотипами. (Является ли появление белого персонажа, называющего азиатов предметами китайского меню на вынос, новой тенденцией в написании сценариев? ПРЕКРАТИТЕ ЭТО!) Когда в очень эффектной сцене Эмили кричит от разочарования, чтобы оставить ее одну, Суинт прибегает к рисованию. грязное фото с ее изображением, которое он затем использует как инструмент киберзапугивания.

Это должен был быть балл, «набранный» за картинки? Слова Суинта так же эффективно создавали мучения. Я задавался вопросом, что я мог почерпнуть из этого, пока не увидел реакцию Маркуса в конце фильма. Когда отношения Маркуса с мисс Дельсантос падают под откос, как это должно быть в романтической комедии, он становится таким же назойливым и преследователем, как Суинт. Я сомневаюсь, что это было намерением создателей фильма, но так оно и было.

В этом фильме есть один элемент, который работает очень хорошо.Алкоголизм Маркуса сильно повлиял на его отношения с сыном. Их разговоры понравятся любому, кто когда-либо жил с алкоголиком. Выражение раздражения на лице сына Маркуса звучало правдоподобно — это были чувства, которые я хорошо знал. Но какими бы хорошими ни были эти несколько сцен, «Слова и картинки» не могут справиться с изменением тона. Как будто киномеханик двойного фильма «Дни вина и роз» и «Сэру, с любовью» случайно перепутал барабаны.

А как же дебаты, спросите вы? Вы будете часто спрашивать об этом во время «Слова и картинки.»Ответ не стоит ждать.

В городке Аллен в округе Аллегани проходят съемки фильма Paramount Pictures

Paramount Pictures снимает полнометражный художественный фильм в малонаселенном городке Аллен на севере округа Аллегани

Мадонна Фигура Саймон
| The Evening Tribune

Сальма Хайек бросает вызов эйджизму: «Мне 54 года, и я работаю больше, чем когда-либо»

Сальма Хайек говорит, что, хотя она считает, что в Голливуде есть эйджизм, в ее жизни и в ее жизни было «мало нормальных вещей». 54 года, она «работает больше, чем когда-либо.Хайек играет вместе с Оуэном Уилсоном в новом научно-фантастическом триллере Prime Video «Блаженство». (5 февраля)

AP

Свет! Камера! Аллен!

Аллен? Да. Прямо сейчас Paramount Pictures снимает полнометражный художественный фильм в малонаселенном городке Аллен на севере округа Аллегани. Актеры и съемочная группа находятся на ферме амишей на грунтовой дороге. Продюсерская компания использует пожарный зал Short Tract в качестве базового лагеря.

Действие фильма, которое может быть выпущено в следующем году, происходит в вымышленном сообществе амишей, поэтому разведчики Paramount выбрали белый двухэтажный фермерский дом, построенный амишами.Имущество было пустым.

В соседнем сарае теперь есть все необходимое для кинопроизводства: осветительные приборы, камеры и звуковое оборудование. Знаки над стойлами сарая обозначают места для гардероба и реквизита. Зона проверки на COVID-19 занимает большую площадь. Набор закрыт для посетителей в рамках протоколов пандемии киноиндустрии.

Округ Аллегани установил «идеальное» место.

Членам съемочной группы не разрешили комментировать место съемок, но Paramount разрешила Тиму Кларку, комиссару кинокомпании Buffalo Niagara Film Office, раскрыть некоторые детали съемок.

Кларк не смог раскрыть название фильма или даже его жанр, но он сказал, что Paramount заинтересовался южным уровнем, когда Джон Красински поставил фильм «Тихое место II» в деревне Акрон недалеко от Буффало в 2019 году.

Семейный курорт Скотта: Достопримечательность Нью-Йорка, показанная в «Чудесной миссис Мейзел», будет продана

Кинофестиваль: Фильм, снятый в основном в Эльмире, дебютирует в эти выходные на кинофестивале Сандэнс

«Руководители Paramount, проведя летом здесь, думали, что то, что они искали, было доступно здесь, в Западном Нью-Йорке и, в частности, на Южном уровне », — сказал Кларк.

«Как работают эти фильмы, они отправляют разведчиков. Они сосредоточились на окрестностях Западного Нью-Йорка и практически не пропустили ни одного укромного уголка или трещины в этом месте. Они потратили больше месяца на поиски локаций, и это то, что хотели использовать продюсеры. Они просмотрели десятки и десятки локаций, и это идеально подходило для того образа, который они пытались получить ».

Когда съемки на ферме будут завершены, The Spectator узнал, что сцены вождения будут сниматься локально, а «где-то поблизости» будет построена отдельная площадка для съемок дополнительных сцен.

Производство влияет на местную экономику

Кларк не указал, были ли в фильме задействованы какие-либо знаменитости из списка A или B, но местные актеры будут работать в качестве статистов. В прошлом месяце Casting Buffalo выпустил уведомление для «народа амишей», в котором говорилось о «старшем дедушке — мужчина, европеоид, 70+, обветренный вид, густые бороды (желающие соответствовать внешнему виду амишей), отсутствие видимых татуировок или пирсинга, здоровый.» Среди других ролей — старшая бабушка, молодые люди, дети, которые умеют петь, и люди, имеющие опыт работы с лошадьми и багги, а также в плотницких и кузнечных работах.

Для съёмок фильма в таком удалённом месте Paramount пришлось перенести Голливуд в округ Аллегани. Киностудия арендует зал Пожарной компании Short Tract Volunteer Fire Company и прилегающую территорию, чтобы припарковать генератор размером с тракторный прицеп, несколько больших трейлеров, грузовик с едой, а также парк школьных автобусов и фургонов, чтобы доставить актеров и команду за несколько миль до съемочной площадки.

Несмотря на то, что Paramount привезла так много оборудования, ожидается, что производство окажет экономическое влияние на местном уровне, сказал Кларк.

«Для округа Аллегани, и мы не узнаем, пока он не подсчитан в конце, это, вероятно, также будут миллионы долларов. Это действительно длинное и большое место для них », — сказал Кларк, отметив, что Paramount будет ежедневно тратить деньги на заправку генератора и прицепов тракторов, а также на закупку расходных материалов.

«Многие материалы, которые используются для этого фильма, действительно покупаются на месте. Я уже работал с Paramount над несколькими проектами, и это компания, которая действительно верит в покровительство местных заведений.Это включает в себя местные магазины, оборудование, краски и все такое, а также отели и общественное питание ».

Продолжение Южного уровня?

Фильм, который снимают на склоне фермы в Аллене, может показаться необычным, но Кларк не думает, что это будет последний фильм, снятый на южном уровне. Он ссылается на налоговую льготу штата Нью-Йорк на фильмы. Согласно веб-сайту Empire State Development, производственные компании «могут иметь право на получение полностью возмещаемого кредита в размере 25% от квалифицированных производственных затрат и затрат на пост-продакшн, понесенных в штате Нью-Йорк.«Производители с бюджетом в полмиллиона долларов и более могут получить 10% скидку на оплату труда для фильмов, снятых во многих округах Южного уровня.

«В последнее время мы намного больше снимаемся в Западном Нью-Йорке, поэтому по мере увеличения количества съемок вы получаете своего рода разведку в таких областях, как Аллегани, Ливингстон, Стойбен, во всех этих округах. Мы действительно стараемся распространить его за пределы Буффало, Ниагарского водопада и обычных персонажей. Я действительно думаю, что в округе Аллегани и Южном ярусе будет больше фильмов.

Кларк сказал, что экономический эффект от фильма может продолжаться в обществе еще долгое время после того, как его показали в кинотеатрах и на потоковых сервисах.